Nicolás Pottery tiene 44 años y hace cerámica desde los 12. Más de tres décadas con las manos en la arcilla le dejaron una convicción que repite como mantra: “Es un arte que hace bien”.

En diálogo con Infobae, el ceramista y emprendedor porteño explicó por qué está convencido de que el trabajo manual es el mejor antídoto contra la ansiedad y cómo esa idea lo llevó a instalarse entre marcas internacionales de lujo.

“Todas las actividades manuales hacen que tu cabeza funcione. No te puede funcionar un brazo, una pierna, pero si la cabeza funciona, está todo bien. Si la cabeza no funciona, no te funciona nada”, sostuvo. La frase sintetiza la filosofía con la que diseñó cada uno de sus espacios: lugares pensados menos para enseñar técnica y más para que la gente se desconecte.

La cerámica como refugio contra el ritmo de vida acelerado

El ceramista describió un escenario que le resulta familiar. La gente alterada en la calle, el celular encendido veinte horas por día, las preocupaciones que no frenan.

“Yo siempre digo que capitalicen esas dos horas para ellos. Después terminan y volvés a la realidad, a las preocupaciones. Pero por lo menos tu cabeza frenó dos horas de todo el día que vivimos”, señaló.

Esa pausa, según cuenta, tiene efectos que van más allá de la clase. “Veo la evolución de los alumnos cuando entran y después al tiempo. Se forman grupos, después los ves porque los sigo en redes, ves que salieron a cenar, se generan amistades”, describió. Algunos de sus alumnos originales de Acassuso siguen asistiendo semana tras semana, quince años después.

La idea de fusionar el taller con una cafetería nació justamente de observar esos vínculos. “Los alumnos traían cosas para compartir en las clases y se quedaban después. Dije: ‘Yo tengo que poner un espacio donde vengan un rato antes, donde se queden después’”, reconstruyó.

Hoy, Pottery es elegido por artistas y celebridades como Dalma Maradona, Julieta Zylberberg y Rosario Ortega.

El origen de una vocación que empezó a los doce años

La diferencia con un taller convencional, insiste, no pasa por la técnica. “Los talleres de cerámica siempre existieron. De hecho, yo aprendí a los doce años. Pero yo lo fui llevando a espacios de recreación donde la gente viene y la pasa bien”, detalló.

Su madre tuvo mucho que ver con ese primer contacto. Conductora de un programa de radio en San Isidro, lo anotó en un taller a través de un canje publicitario cuando él tenía doce años.

“Fue una mamá de hoy hace treinta y dos años, porque me hubiese mandado a aprender fútbol. Ella vio en mí que me gustaban las manualidades y me mandó a un taller de cerámica donde aprendí todo este arte”, recordó.

Pero junto a la vocación artística apareció temprano otra mirada. “Cuando vi lo que era un torno de alfarería, dije: ‘¿Cómo se puede producir desde esta máquina?’. Siempre lo vi desde el lado comercial”, reconoció. Esa doble condición, artesano y comerciante, terminó por definir su recorrido.

Su padre enfermó joven y la situación económica familiar cambió. Esa urgencia funcionó como motor. “Eso me hizo trabajar, trabajar y seguir apostando a lo que creía”, explicó.

Con esa determinación abrió hace quince años su primer taller en Acassuso, en la zona norte del conurbano bonaerense. Cinco años después sumó Palermo. Y hace cuatro meses se instaló en Patio Bullrich.

“Armé este proyecto de cero y nos costó mucho. Me queda el mensaje de que sí se puede”, agregó.

El espacio de 250 metros cuadrados articula los cursos regulares de cerámica, la cafetería, las experiencias rápidas de pintura sobre piezas para visitantes ocasionales y la venta de vajilla elaborada en el lugar. En apenas cuatro meses acumula alrededor de 150 alumnos.

Cuando se le pide un consejo para quienes buscan vivir del arte, vuelve siempre a la misma tensión. “Hay mucha gente muy talentosa que vos decís ‘¡guau, mirá lo que hace!’, pero no tiene ese lado comercial”, observó.

Y cerró con una frase que condensa sus tres décadas de oficio: “Vos podés crear, podés hacer lo que quieras. Ahora, si no sabés cómo comercializarlo, chau, no sirve. Cuando las dos cosas fusionan, ahí es donde funciona”.

Lady Kitty Spencer llevó un vestido rojo de Dolce & Gabbana y un conjunto de diamantes en el British Museum Ball, Londres. La modelo y aristócrata británica, hija mayor de Charles Spencer y sobrina de la princesa Diana, eligió una silueta de satén con capa para una gala cuyo código de vestimenta giró en torno al rojo.

El resultado puso el foco en una de las figuras más observadas de la nueva generación de la familia Spencer. El vestido, confeccionado en satén rojo, reunió varios recursos habituales de la alta costura de noche: escote de hombros descubiertos, drapeados en el cuerpo, falda de largo completo y una abertura que dejaba ver los zapatos de salón del mismo tono.

La capa en mismo tono extendía la línea del diseño y aportaba movimiento a la silueta. Spencer completó el conjunto con piezas de Chatila Jewels: un collar ancho de diamantes, pendientes con motivo floral y una pulsera a juego.

La cita congregó a alrededor de 850 invitados de los ámbitos del arte, la moda y la música en el museo londinense.

El collar de diamantes fue el eje del estilismo

La joyería concentró buena parte de la atención del atuendo. El collar, de dibujo calado y piedras engastadas sobre metal blanco, cubría la base del cuello sin convertirse en una pieza compacta. Esa estructura permitió que el diseño se recortara sobre la piel y acompañara el escote sin competir con el drapeado del vestido.

El uso de joyas de gran formato forma parte de la imagen pública de Lady Kitty Spencer. En sus apariciones nocturnas suele elegir pendientes de piedras de color, collares cortos de diamantes o piezas arquitectónicas que funcionan como el punto central de conjuntos de líneas limpias.

En esta ocasión, el rojo del vestido dejó el marco necesario para que el blanco de las piedras definiera el contraste.

El vestido rojo y un recuerdo de Diana

La elección invitó a comparaciones con Diana, princesa de Gales, quien llevó un vestido rojo de hombros descubiertos de Victor Edelstein en 1992.

Ambas propuestas comparten el color y la zona del escote, dos elementos que explican la asociación inmediata. Sin embargo, el diseño de Spencer construye una imagen distinta.

El vestido de Dolce & Gabbana Alta Moda incorpora un trabajo de drapeado, una caída más ceñida y una capa que modifica por completo el contorno.

La prenda de Diana respondía a los códigos de la moda de comienzos de los años noventa; la de su sobrina se inscribe en el lenguaje contemporáneo de la firma italiana, con volumen escénico y un protagonismo mayor de la joyería.

Esa distancia es relevante en la evolución estilística de Spencer. La relación con la princesa de Gales forma parte de su historia familiar y suele reaparecer en la conversación pública, pero su armario se ha desarrollado a partir de referencias propias.

Su estilo combina códigos aristocráticos británicos, formación internacional y una preferencia sostenida por casas italianas de espíritu ornamental.

La presencia de Dolce & Gabbana en el British Museum Ball prolonga una relación profesional de varios años. Spencer desfiló para la firma durante la Semana de la Moda de Milán en 2017 y, desde entonces, ha usado de forma recurrente sus vestidos de corsetería, encaje, estampados florales y siluetas de inspiración histórica. En febrero de 2021 fue presentada como embajadora global de la casa.

La asociación alcanzó una dimensión especial en su boda con el empresario Michael Lewis, celebrada en julio de 2021 en Villa Aldobrandini, cerca de Roma. Para los festejos de tres días, la modelo llevó cinco diseños a medida de la firma.

El vestido principal era una creación de encaje de inspiración victoriana, con cuello alto, mangas largas, botones forrados y una cola extensa.

Aquella prenda incluyó una referencia a Victoria Lockwood, madre de Spencer, que se casó con Charles Spencer en 1989 con un vestido de aire victoriano.

Kitty optó entonces por no usar la tiara Spencer, una decisión que reforzó la idea de una novia conectada con la tradición familiar, aunque alejada de una reconstrucción literal de las imágenes más conocidas de la familia.

Los otros conjuntos nupciales mostraron otra faceta de su estilo: tul azul con bordados florales, una falda pintada a mano con aplicaciones y cristales, un vestido de cóctel bordado en plata y oro y un diseño de seda Mikado con lentejuelas y flores aplicadas.

Esa sucesión confirmó su interés por la artesanía visible y las prendas concebidas para momentos concretos.

Su estilo combina sastrería, vestidos de ceremonia y alta joyería

A sus 35 años, Spencer construyó una imagen de moda marcada por los vestidos de ceremonia, los trajes de sastrería y los accesorios de alto valor.

Nació en Londres, creció en gran medida en Ciudad del Cabo y estudió psicología, política y literatura inglesa antes de completar estudios vinculados al arte, el italiano y la gestión de marcas de lujo. Ese recorrido internacional se percibe en la amplitud de sus referencias.

En el día a día, suele optar por prendas de cortes clásicos, abrigos estructurados, vestidos camiseros y conjuntos monocromáticos. Para las alfombras rojas, en cambio, aumenta la escala: emplea capas, faldas de volumen, corsés, transparencias de encaje y joyas de piedras preciosas.

El contraste entre ambos registros sostiene una imagen versátil, aunque coherente en su gusto por las terminaciones elaboradas.

Hoy, 20 de octubre, Viggo Mortensen cumplió 68 años. En las apariciones públicas que han acompañado sus estrenos y proyectos como director, el actor mantiene un código de vestir reconocible: trajes de líneas clásicas, colores sobrios y una formalidad sin exceso de artificio.

Su estilo parte de una paradoja. Mortensen dijo que no se considera especialmente interesado en la moda y que procura, ante todo, llevar ropa limpia.

Sin embargo, esa distancia frente a la tendencia no impide que sus elecciones hayan construido una identidad visual consistente, basada en la comodidad, la sobriedad y una selección puntual de prendas de sastrería.

Los trajes definen su vestuario de alfombra roja

En estrenos, festivales y ceremonias, Mortensen suele recurrir a trajes de dos piezas de corte tradicional. Predominan el gris, azul marino, negro y marrón, combinados con camisas lisas y corbatas discretas. La fórmula deja el foco en la estructura de la prenda, más que en logos, accesorios ostentosos o contrastes fuertes.

La silueta tampoco busca reproducir el corte ajustado que dominó parte de la moda masculina durante los años 2010. Sus sacos tienden a conservar espacio en hombros y torso, mientras que el pantalón suele caer de forma recta. El resultado es una imagen formal que prioriza la movilidad y la proporción por encima de la tendencia inmediata.

El actor también optó por tonos menos previsibles cuando el contexto lo permite. En distintos estrenos usó trajes rojos, verdes, blancos y azules, aunque esos colores aparecen dentro de conjuntos contenidos: camisas sin estampados llamativos, calzado clásico y pocos elementos complementarios.

La estrategia no es convertir el traje en un disfraz, sino modificar una pieza central sin alterar el conjunto.

La naturalidad se impone fuera de los eventos

Lejos de las alfombras rojas, el vestuario de Mortensen se mueve hacia una lógica funcional. Camisas de cuadros o lisas, camisetas, chaquetas sencillas, pantalones de jean y botas conforman una imagen más cercana al uniforme cotidiano que a una construcción de celebridad. También agrega accesorios, como gorras de diferentes colores.

Esa continuidad entre el vestuario diario y el formal explica parte de la coherencia de su estilo. Incluso cuando lleva traje, rara vez parece adoptar una estética ajena a su forma habitual de presentarse.

La corbata, el saco o una camisa de cuello cerrado funcionan como extensiones de un guardarropa práctico.

Mortensen planteó que la manera de vestir está ligada al contexto y a los grupos sociales, y cuestionó la homogeneización de la moda global.

El actor no se siente conscientemente interesado en la moda. Esa declaración ayudó a leer su vestuario como una elección personal antes que como una adhesión a una tendencia.

Del cuero de Aragorn a la sastrería contenida

El vínculo entre Mortensen y la ropa tiene otro capítulo en sus personajes. Su papel como Aragorn en la trilogía El señor de los anillos instaló una imagen asociada a cuero envejecido, capas, botas y piezas de apariencia artesanal.

La indumentaria del personaje respondió a un universo de fantasía, pero reforzó una asociación pública entre el actor y una masculinidad de materiales robustos, tonos tierra y prendas que aparentan tener uso.

Esa conexión reaparece de otro modo en su vestuario fuera de pantalla. Aunque cambia el cuero de ficción por la lana, el algodón o el lino, persiste un interés por prendas que no necesitan parecer nuevas para funcionar. La ropa no ocupa el centro de la escena: acompaña el cuerpo y el trabajo del intérprete.

El actor destacó en entrevistas el recorrido narrativo de esa prenda, que comienza impecable y termina deteriorada por los acontecimientos de la historia. Para Mortensen, el vestuario puede tener una función dramática propia, incluso cuando su estilo personal evita la exhibición.

A los 68 años, el actor sostiene una estética que no depende de cambios radicales. El pelo canoso, usado con mayor longitud en algunas temporadas, y la barba en apariciones recientes refuerzan un registro relajado. Cuando asiste a una premiere, el traje ordena la imagen; cuando no hay obligación de etiqueta, vuelve a prendas simples.

La vigencia de ese código no radica en anticipar lo que marcarán las pasarelas. Está en conservar una línea personal en un momento en que buena parte de la moda masculina oscila entre la sastrería amplia, la ropa deportiva y los gestos de alto impacto visual.

Mortensen se mantiene en otra zona: la de un clasicismo funcional, con espacio para el color y sin una búsqueda evidente de protagonismo.