El uso de cigarrillos electrónicos con concentraciones elevadas de nicotina creció de forma marcada entre los adultos jóvenes de Estados Unidos y se vinculó con mayor dependencia de la nicotina y una menor probabilidad de abandonar el vapeo, según un estudio de la Universidad de California en San Diego.

La investigación analizó datos de la Encuesta de Evaluación de la Población sobre el Tabaco y la Salud (PATH), representativa a nivel nacional, con relevamientos de 2017, 2019, 2021 y 2022. El trabajo siguió, además, la evolución de 2.356 adultos que vapeaban en 2019.

Para 2022, el 49,2% de los jóvenes de 18 a 24 años que vapeaban a diario usaba dispositivos con al menos 4% de nicotina. En el grupo de 55 años o más, la proporción fue de 4,5%. En el conjunto de personas que vapeaban, los adultos jóvenes tenían una probabilidad 12 veces mayor de optar por productos de alta concentración que los mayores de 55 años.

La concentración de nicotina aumentó entre los jóvenes que vapeaban a diario

En 2017, menos del 4% de quienes usaban cigarrillos electrónicos había declarado consumir productos con al menos 4% de nicotina. Entre los vapeadores diarios de 18 a 24 años, la proporción pasó de 3,1% ese año a 40,1% en 2019 y a 49,2% en 2022.

El crecimiento fue menor entre los grupos de más edad. En 2022, los productos de alta concentración eran utilizados por el 32,8% de los vapeadores diarios de 25 a 34 años, el 17,6% de aquellos de 35 a 54 años y el 4,5% de los mayores de 55.

John P. Pierce, autor principal del trabajo y profesor de la Escuela de Salud Pública Herbert Wertheim de la UC San Diego, sostuvo que los resultados obligan a revisar el equilibrio entre los eventuales beneficios para fumadores adultos y el riesgo de dependencia en jóvenes.

“Los adultos jóvenes están optando desproporcionadamente por productos con alto contenido de nicotina, incluso de las mismas marcas que utilizan los adultos mayores, y este consumo se asocia con una dependencia a la nicotina considerablemente mayor”, afirmó.

La dependencia se equiparó a la de quienes fumaban cigarrillos

El estudio detectó que los jóvenes de 18 a 24 años que solo vapeaban mostraban en 2017 niveles de dependencia inferiores a los de quienes fumaban cigarrillos convencionales. Cinco años después, ese indicador había llegado a un nivel equivalente al que presentaban los fumadores jóvenes en 2017.

La concentración de nicotina estuvo asociada con mayores niveles de dependencia en todos los grupos etarios. Además, entre quienes vapeaban en 2019, los usuarios de productos con alta nicotina tuvieron 31% menos probabilidades de mantenerse sin vapear cuatro años después.

En total, el 40,9% de las personas que vapeaban en 2019, incluidos los consumidores no diarios, permanecía abstinente en 2022. Los investigadores aclararon que, por tratarse de un estudio observacional, los resultados no prueban por sí solos una relación causal directa entre la concentración de nicotina y la dependencia.

El aerosol puede irritar las vías aéreas y reforzar el consumo

En una reciente entrevista con Infobae, el neumonólogo Juan Ignacio Enghelmayer, especialista en enfermedades pulmonares intersticiales del Hospital de Clínicas, advirtió que el contenido de los dispositivos no debe confundirse con vapor de agua.

“Lo que se inhala es un aerosol que puede contener nicotina, otras sustancias irritantes y compuestos tóxicos”, alertó. Y mencionó entre esos compuestos al acetaldehído y al formaldehído.

Enghelmayer indicó además que la exposición puede causar tos, irritación bronquial, silbidos al respirar y falta de aire. La tos persistente, añadió, puede agravar la irritación en las vías aéreas superiores y derivar en ronquera o cambios de voz.

“Que todavía no sepamos con precisión los efectos nocivos a largo plazo de los vapeadores no significa para nada que sean seguros”, advirtió el especialista. También cuestionó que se los presente como una herramienta adecuada para dejar el cigarrillo convencional: “El vapeador no es un buen método para dejar de fumar cigarrillos convencionales”.

En el estudio, los autores observaron una diferencia pronunciada según la edad incluso entre personas que consumían las mismas marcas: los jóvenes de 18 a 24 años elegían con mayor frecuencia las versiones de alta concentración que los adultos de 25 años o más.

También advirtieron una limitación: en los primeros años de las encuestas, muchos participantes desconocían la concentración de nicotina de sus dispositivos. Esa falta de información, indicaron, podría hacer que las estimaciones sobre el uso de productos de alta concentración sean conservadoras.

El análisis plantea si esos dispositivos siguen cumpliendo los criterios de salud pública exigidos para sus autorizaciones de comercialización en Estados Unidos. Por eso, los investigadores pidieron una reevaluación sobre el equilibrio entre su uso por fumadores adultos y la aparición de una nueva población joven con dependencia de la nicotina.

Jeff Goldblum remite de inmediato al Dr. Ian Malcolm, el matemático carismático y excéntrico de Jurassic Park especializado en la teoría del caos. El actor estadounidense cumple 74 años este jueves 22 de octubre y conserva una rutina orientada al cuidado físico. Este año llegó a contar que cada mañana realiza 45 minutos de ejercicio, con una combinación de cardio, pesas y estiramientos.

El actor, reconocido también por La mosca y por interpretar al Mago de Oz en la saga Wicked, reserva ese entrenamiento para antes de que comience la jornada con su familia. Su método no parte de una preparación deportiva profesional ni de un plan centrado en desarrollar grandes volúmenes musculares. La clave está en una práctica breve, repetida a diario y adaptada a sus prioridades actuales: mover todo el cuerpo, elevar las pulsaciones y conservar fuerza y movilidad.

Según contó en diálogo con GQ, Goldblum suele levantarse a las 5 para entrenar en su casa o, cuando viaja, en el gimnasio disponible. Después sigue con su rutina cotidiana: prepara el desayuno, comparte tiempo con sus hijos y los lleva al colegio.

La sesión empieza con cardio para activar el cuerpo

El primer tramo del entrenamiento de Goldblum está dedicado a la cinta de correr. Ese momento funciona como calentamiento y como una primera instancia de trabajo cardiovascular antes de pasar a los ejercicios de fuerza.

La elección del cardio al comienzo responde a una lógica simple: aumentar la temperatura corporal, poner en marcha la circulación y preparar músculos y articulaciones para la exigencia posterior. En su caso, la carrera o la caminata rápida no ocupan toda la sesión, sino que forman parte de un circuito más amplio.

El actor también incorpora una segunda tanda aeróbica hacia el final de los 45 minutos. De esa manera, la rutina tiene dos bloques de cardio, uno al inicio y otro antes de los estiramientos, con el entrenamiento de fuerza en el medio.

La estructura se sostiene en tres etapas: calentamiento cardiovascular, circuito de pesas y cierre con movilidad. Esa combinación le permite concentrar distintas capacidades físicas en menos de una hora, sin dividir cada día en grupos musculares aislados.

Pesas libres y máquinas para trabajar todos los grupos musculares

Después del cardio inicial, Goldblum realiza un circuito con pesas libres y máquinas. Su objetivo no es repetir el esquema de culturismo que practicó durante otras etapas de su vida, cuando separaba el trabajo de piernas, pecho u otras zonas del cuerpo según el día.

Con el paso de los años, modificó ese enfoque. Ahora privilegia ejercicios que involucren varios grupos musculares y que le permitan completar una sesión integral en poco tiempo. La rutina puede incluir movimientos de empuje, tracción, piernas y zona media, siempre con una carga que se ajuste a las posibilidades de cada jornada.

El entrenamiento de fuerza es uno de los pilares de su constancia. Goldblum prioriza conservar la fuerza funcional antes que perseguir un cambio estético puntual. Ese criterio resulta importante para sostener tareas cotidianas, mantener estabilidad y reducir la pérdida de masa muscular que puede aparecer con la edad.

El actor ha explicado que le gusta entrenar con rapidez, sin extender innecesariamente los descansos entre ejercicios. La intensidad, sin embargo, no equivale a improvisar ni a buscar agotamiento extremo. Su sesión está diseñada para ser eficiente y, sobre todo, sostenible todos los días.

Los estiramientos cierran una rutina enfocada en la movilidad

El último componente de su entrenamiento son los estiramientos. Tras el bloque de pesas y el segundo tramo de cardio, dedica unos minutos a aflojar el cuerpo y recuperar movilidad.

Esta parte de la rutina cobra relevancia en un programa que se repite con frecuencia. Los estiramientos pueden ayudar a disminuir la sensación de rigidez después del esfuerzo y a mantener un rango de movimiento adecuado en articulaciones como hombros, caderas y tobillos.

La movilidad completa el plan de 45 minutos y evita que el entrenamiento quede limitado a levantar peso o correr. En lugar de enfocarse en una sola cualidad física, el actor reúne resistencia cardiovascular, fuerza y flexibilidad dentro de una misma práctica matutina.

Más allá de ese esquema fijo, Goldblum intenta caminar lo suficiente durante el resto del día. También disfruta del tenis y ha compartido ese deporte con sus hijos, aunque reconoce que no siempre puede incorporarlo a su agenda con la misma regularidad que el gimnasio.

La constancia organiza el entrenamiento antes de la vida familiar

La elección de las 5 de la mañana tiene un motivo práctico. Goldblum busca entrenar antes de que se despierten los demás integrantes de su familia y así liberar el resto de la jornada para sus compromisos laborales y personales.

El actor fue padre por primera vez en 2015 y tuvo a su segundo hijo dos años después. Desde entonces, la organización del tiempo adquirió otra dimensión. Entrenar temprano le permite sostener una actividad que considera importante sin desplazar el tiempo destinado a sus hijos.

Su caso muestra que el elemento central de una rutina no siempre es la complejidad. La regularidad de una sesión breve puede ser más útil que un plan ambicioso que resulta difícil de mantener. Goldblum entrena todos los días, incluso durante los viajes, y adapta el lugar sin abandonar la estructura general.

La alimentación también forma parte de su enfoque. Tras el rodaje de Wicked, adoptó una dieta pescetariana y redujo el consumo de carne y aves. Además, procura limitar el alcohol, los alimentos fritos, los dulces y otros productos ultraprocesados, mientras prioriza frutas, verduras y cereales integrales.

En paralelo con esos hábitos, el actor sostiene una mirada más serena sobre el envejecimiento. Para Goldblum, la edad dejó de ser una preocupación central. Su objetivo no es replicar el físico de otra etapa, sino mantenerse activo, fuerte y disponible para su trabajo, su familia y sus intereses personales.

En una noche marcada por los códigos del cine y la alta costura, Kendall Jenner convirtió los lunares en el eje de su look para la Academy Museum Gala 2026. La modelo asistió al evento celebrado en Los Ángeles con un vestido a medida de Valentino, una elección que trasladó un motivo clásico del vestuario femenino a una silueta de gala de líneas precisas.

La propuesta se apoyó en una combinación de blanco marfil y negro, una paleta que mantiene vigencia en la moda de noche por su contraste y su capacidad de funcionar tanto en diseños minimalistas como en prendas de mayor elaboración.

En este caso, los lunares no aparecieron como un detalle secundario: ordenaron toda la composición visual del vestido y definieron la lectura del conjunto desde la alfombra roja.

Un vestido de Valentino con lunares, moños y abertura lateral

El diseño fue confeccionado en georgette estampado con lunares negros sobre una base clara, con aplicaciones de satén y una estructura que dejaba los hombros al descubierto. El cuerpo palabra de honor acompañó una falda larga hasta el suelo, mientras que una abertura lateral aportó movimiento a una prenda de proporciones tradicionales.

La construcción incorporó dos moños a la altura de las caderas, un recurso que introdujo volumen y delimitó la silueta. En la parte inferior, los lunares recibieron un tratamiento con cuentas negras, una intervención que modificó el efecto del estampado bajo las luces del evento.

El vestido combinó georgette, satén duquesa y bordados de cuentas, con capas y texturas distintas dentro de una misma gama cromática.

La elección tiene una referencia clara en la historia de la moda. El lunar ha atravesado décadas de diseño, desde los vestidos de día de mediados del siglo XX hasta las interpretaciones gráficas de firmas contemporáneas.

Su presencia en un vestido de gala requiere un equilibrio entre escala, tejido y corte para que el estampado no desplace a la forma. Valentino resolvió esa tensión con una base de color limitada y una silueta que concentró los detalles en áreas específicas.

Las joyas de Cartier reforzaron la paleta en blanco y negro

Para completar el conjunto, Kendall Jenner llevó zapatos de punta en negro y piezas de la colección Panthère de Cartier.

Los pendientes y el anillo reunieron oro blanco de 18 quilates, diamantes, esmeraldas y ónix. La elección del ónix dialogó con los lunares del vestido, mientras que las esmeraldas sumaron un color contenido sin alterar la predominancia del blanco y negro.

El calzado siguió la misma lógica de continuidad. En lugar de introducir una sandalia metalizada o un zapato de tono contrastante, la modelo eligió unos pumps negros de punta fina. La decisión sostuvo la verticalidad de la falda y dejó que la atención se concentrara en el estampado, los moños y las joyas.

La Academy Museum Gala reúne cada año a figuras del cine, la música, la moda y el entretenimiento con el objetivo de respaldar el trabajo del museo dedicado a preservar y celebrar la historia cinematográfica. Por la visibilidad de su alfombra roja, el encuentro se consolidó como un espacio para presentar piezas de archivo, diseños exclusivos y colaboraciones entre celebridades y casas de moda.

El estilo de Kendall Jenner alterna entre el minimalismo y las referencias de archivo

El look se inscribe en una línea reconocible dentro del estilo público de Jenner. En sus apariciones de noche suele recurrir a vestidos ceñidos, siluetas limpias y colores sólidos, especialmente negro, blanco, rojo oscuro y tonos neutros.

También ha incorporado referencias a la lencería, el minimalismo de los años noventa y el glamour de Hollywood, con prendas que privilegian el corte por encima de una acumulación de accesorios.

En el día a día, su vestuario se acerca más a un registro relajado: pantalones rectos, jeans, chaquetas de cuero, camisas amplias, prendas deportivas y básicos de inspiración ecuestre.

Esa alternancia entre piezas funcionales y vestidos de alta visibilidad explica por qué su elección para la gala conserva una estructura relativamente sobria, aun cuando trabaja con un estampado de fuerte presencia.

El estilismo de Danielle Goldberg acompañó esa dirección con una selección de accesorios limitada y una belleza sin excesos. El peinado y el maquillaje mantuvieron el foco sobre el vestido, sin competir con las aplicaciones de cuentas ni con el brillo de las piezas de Cartier.

La fórmula responde a una de las claves de las alfombras rojas actuales: un elemento dominante, complementos precisos y una ejecución pensada para funcionar tanto en persona como en fotografía.

Dua Lipa convirtió su paso por la Metropolitan Opera de Nueva York en una declaración de moda de alfombra roja, con un vestido negro de lentejuelas que llevó los códigos de la pasarela a la premiere de Lincoln in the Bardo.

La cantante eligió una silueta larga, de hombros descubiertos y con cola, pensada para responder al carácter ceremonial de una noche de estreno sin renunciar a una imagen contemporánea.

La elección tuvo lugar en una cita donde la indumentaria forma parte de la experiencia cultural. La ópera conserva un protocolo de noche asociado a vestidos largos, trajes formales y acabados que dialogan con la iluminación del teatro.

En ese marco, Dua Lipa apareció con una prenda de superficie brillante, abertura alta y un body visible bajo la falda, elementos que sumaron una lectura más actual a una estructura clásica de gala.

El resultado fue un atuendo sostenido por una idea precisa: dejar que el vestido concentrara el protagonismo. La artista completó el conjunto con zapatos negros y accesorios mínimos, una decisión que puso el foco en el volumen de la cola, la textura de las lentejuelas y la línea de los hombros.

Las lentejuelas negras actualizaron un código clásico de la noche

El negro continúa siendo uno de los tonos más frecuentes en la moda de gala por su capacidad de adaptarse a distintos contextos. Sin embargo, el acabado elegido por Dua Lipa evitó una lectura plana.

Las paillettes, lentejuelas pequeñas y planas aplicadas sobre el tejido, modifican la forma en que la luz recorre la prenda y aportan profundidad al color sin necesidad de recurrir a estampados o contrastes cromáticos.

En esta propuesta, el brillo no apareció como un recurso aislado. La prenda combinó el efecto luminoso con una caída suave sobre el cuerpo, un escote de hombros descubiertos y una tira fina alrededor del cuello.

La abertura lateral mostró una capa interior de corsetería ligera, una solución que introduce referencias a la lencería dentro de una pieza diseñada para un evento formal.

La combinación de una cola amplia con una silueta ceñida y una abertura alta resume una de las direcciones más visibles de la moda de noche actual: prendas con presencia escénica que preservan libertad de movimiento.

El vestido mantiene una construcción reconocible de alfombra roja, aunque incorpora detalles que remiten directamente a las colecciones de pasarela.

Dua Lipa construye sus alfombras rojas a partir de una pieza central

Más allá de esta premiere, Dua Lipa ha consolidado una forma reconocible de vestirse para las alfombras rojas. Sus elecciones suelen partir de un elemento dominante, una silueta con volumen, un color intenso, un escote definido o un tejido de gran presencia, y organizan el resto del estilismo alrededor de esa decisión. Así evita que el conjunto se disperse entre demasiadas referencias.

En sus apariciones, la cantante alterna vestidos de inspiración retro con propuestas de cortes asimétricos, transparencias, corsetería visible y prendas que recuperan códigos de la lencería.

También recurre con frecuencia a siluetas ceñidas que subrayan la figura, aunque las equilibra con abrigos, colas, guantes o plataformas cuando la ocasión exige una construcción más teatral.

La relación entre ropa, peinado y maquillaje es otra de las claves de su estilo. Cuando el vestido concentra brillo, volumen o detalles complejos, Lipa suele elegir un peinado pulido y joyas medidas. Si la prenda tiene una línea más limpia, en cambio, puede trasladar el foco hacia un accesorio, una textura de belleza o un calzado con presencia.

Su estilo de alfombra roja privilegia el contraste entre una prenda de impacto y un acompañamiento preciso.

El vestido negro elegido para la ópera se integra en esa lógica. La cola, las lentejuelas y la abertura ofrecen una imagen pensada para las fotografías, mientras que los accesorios reducidos ordenan la mirada sobre la silueta.

Para sus próximas apariciones públicas, ese equilibrio entre referencias de pasarela, sensualidad y decisiones de estilismo seguirá siendo una de las señas de su imagen.

Kim Kardashian cumple 46 años este 21 de octubre. Entre referencias a la cultura popular, códigos del lujo y una presencia calculada en cada aparición, la empresaria creó un estilo único y se consolidó como ícono de moda.

Su ropa suele funcionar como una extensión de su estrategia de comunicación. A diferencia de las figuras que separan el vestuario de su actividad empresarial, Kardashian convirtió ambos planos en un mismo lenguaje.

Sus elecciones de siluetas, materiales y marcas acompañaron etapas de su carrera y dialogaron con los productos de su marca, la firma de prendas moldeadoras y básicos que fundó en 2019.

La silueta ceñida se convirtió en una de sus firmas más reconocibles

La imagen de su marca SKIMS asociada a Kardashian se apoya desde hace años en prendas ajustadas al cuerpo: vestidos de punto, faldas tubo, corsés, bodys, tops cortos y conjuntos monocromáticos. Esa silueta no apareció como un detalle aislado, sino como una constante que trasladó a la moda masiva una estética antes vinculada al vestuario de fiesta, la lencería y la alfombra roja.

El cuerpo ocupa un lugar central en esa propuesta. Kardashian suele elegir piezas que marcan la cintura, enfatizan las curvas y reducen el espacio entre la prenda y la piel.

En su caso, la ropa no busca disimular la figura ni seguir una idea convencional de discreción; presenta las formas como parte del look. La combinación de prendas moldeadoras, tejidos elásticos y escotes definidos se volvió uno de los códigos más imitados.

Ese lenguaje coincidió con el crecimiento de las redes sociales como escaparate de tendencias. Muchas de sus apariciones circularon primero como imágenes digitales y luego influyeron en colecciones de cadenas comerciales, marcas independientes y estilismos de otras personalidades.

El vestido ceñido de tonos neutros, los conjuntos de dos piezas y los bodys dejaron de ser elecciones de nicho para integrarse al vestuario cotidiano de una parte amplia del público.

Los tonos neutros ordenan una estética reconocible

Negro, blanco, gris, beige, chocolate y nude forman la base de buena parte de su guardarropa público. La paleta permite que el protagonismo recaiga en las proporciones y en los materiales, desde el látex hasta el jersey, el cuero o las telas técnicas.

También establece continuidad entre looks muy distintos: un conjunto deportivo, un vestido de gala y una campaña comercial pueden pertenecer al mismo universo visual.

La preferencia por el monocromo aporta una apariencia depurada, aun cuando la prenda es extrema por su ajuste, transparencia o volumen. Kim Kardashian ha alternado esa sobriedad cromática con piezas de alto impacto, como abrigos de gran tamaño, botas que cubren toda la pierna, lentes oscuros envolventes y accesorios de inspiración futurista.

El contraste explica parte de su influencia: puede construir una imagen accesible a partir de básicos y, al mismo tiempo, llevar la propuesta hacia el espectáculo.

En sus looks de calle, las prendas deportivas y de descanso tienen un peso equivalente al de los vestidos de alfombra roja. Calzas, sudaderas, zapatillas, musculosas y prendas interiores visibles forman parte de una estética que ayudó a borrar límites entre ropa para estar en casa, indumentaria deportiva y atuendo urbano.

Esa mezcla se relaciona de manera directa con el posicionamiento de SKIMS y con un mercado que convirtió la comodidad en un argumento de moda.

Una etapa de mayor experimentación en su imagen pública

La evolución de Kardashian tuvo un punto de inflexión durante su relación con el músico y diseñador Kanye West, con quien estuvo casada entre 2014 y 2022. En ese período, su vestuario se acercó a referencias minimalistas, deportivas y futuristas, con una presencia recurrente de firmas como Balmain, Givenchy, Balenciaga y Yeezy.

La transformación no consistió solo en usar marcas de lujo. Cambió también la manera de presentar cada conjunto: menos joyas, maquillaje más contenido en ciertos momentos, abrigos voluminosos sobre prendas mínimas y una mayor atención a la arquitectura de las piezas. La moda pasó a ser un tema central de su personaje público y no solo un complemento de su fama televisiva.

Algunas de sus apariciones más comentadas expresaron esa disposición a probar límites. En la Met Gala de 2021 asistió cubierta de negro de pies a cabeza con un diseño de Balenciaga; al año siguiente llevó el vestido que Marilyn Monroe usó para cantar “Happy Birthday” al presidente John F. Kennedy en 1962.

Ambas elecciones abrieron debates sobre identidad, archivo de moda, celebridad y espectáculo, y confirmaron que cada aparición podía generar conversación más allá de la alfombra roja.

La Fórmula 1 consolidó al paddock como un nuevo escaparate de moda

La presencia de Kardashian en el entorno de la Fórmula 1 se inscribe en una transformación más amplia del campeonato. El paddock dejó de ser un espacio reservado para equipos, pilotos y personal técnico: hoy reúne a celebridades, diseñadores, músicos y figuras de las redes sociales, mientras la ropa se integra a la conversación que rodea cada carrera.

Esa estética combina prendas vinculadas al automovilismo, camperas de cuero, monos, botas, gafas envolventes, logos y referencias a los equipos, con códigos de lujo y alfombra roja. A diferencia de otros eventos deportivos, los Grandes Premios habilitan propuestas que oscilan entre lo funcional, lo deportivo y lo teatral, con una circulación inmediata de las imágenes en redes sociales.

En ese contexto, la Fórmula 1 amplió su influencia sobre la moda y convirtió el vestuario de las celebridades en parte del espectáculo que acompaña a la competencia. Para una figura como Kardashian, cuya imagen se construye alrededor de la visibilidad y las siluetas reconocibles, ese escenario resulta coherente con su forma de entender la moda como comunicación.

Su armario mezcla lujo, cultura pop y una lógica empresarial

El estilismo de Kardashian representa una forma de celebridad en la que la imagen personal es, a la vez, contenido, producto y mensaje. Sus elecciones no dependen únicamente del gusto individual: se insertan en lanzamientos comerciales, campañas, episodios televisivos, eventos de moda y publicaciones que llegan a millones de seguidores.

Por eso, su influencia se mide menos por una sola tendencia que por su capacidad para instalar códigos visuales.

El contorno facial, los conjuntos neutros, las prendas transparentes, la ropa moldeadora como prenda exterior y el uso de archivos históricos se asociaron, en distintos momentos, con su figura. Su estilo representa la conversión de la imagen de una celebridad en una plataforma de negocios y de circulación cultural.

A los 46 años, Kardashian conserva la capacidad de alternar entre el minimalismo de una segunda piel y los gestos de alto impacto propios de la moda de gala.

Su vestuario sigue apoyado en una fórmula precisa: siluetas reconocibles, colores controlados, marcas de peso y una relación permanente con el presente digital. Cada nueva aparición se integra así a una narrativa visual que lleva más de dos décadas en construcción.

En la celebración posterior al Victoria’s Secret Fashion Show 2026, celebrado en Los Ángeles, Bella Hadid recuperó el vestido negro de encaje que Britney Spears llevó a los MTV Video Music Awards de 2001.

La modelo eligió una lectura contemporánea de aquella referencia pop, con un diseño corto, transparente y acompañado por calzado clásico en negro.

El atuendo apareció después del desfile de Victoria’s Secret, cuya pasarela reunió a figuras como Candice Swanepoel, Adriana Lima, Gigi Hadid, Anok Yai y Alex Consani.

Tras la presentación, las modelos asistieron a una fiesta privada en el hotel Chateau Marmont, donde Hadid mantuvo la estética de lencería que dominó parte de la propuesta de la noche.

El encaje negro conectó el look de Bella Hadid con Britney Spears

El vestido de Bella Hadid estaba confeccionado en encaje negro y tenía una silueta ajustada al cuerpo. La transparencia del tejido dejaba ver el conjunto de ropa interior oscuro elegido para completar el estilismo, una fórmula que trasladó al exterior códigos vinculados con la ropa íntima.

En aquella alfombra roja, Spears apareció con un minivestido de encaje de Dolce & Gabbana, una elección que quedó ligada a la estética de comienzos de siglo y que ha sido recreada en numerosas ocasiones dentro de la cultura pop.

Hadid no reprodujo aquel conjunto de forma literal. La modelo apostó por una interpretación que actualiza la referencia desde las tendencias de 2026, cuando las transparencias, el encaje y las prendas inspiradas en lencería volvieron a tener presencia tanto en la calle como en las pasarelas. El look combinó un minivestido transparente, ropa interior visible y una paleta completamente negra.

Uno de los detalles que distinguió la elección de Hadid fue el calzado. En lugar de sandalias de tiras o botas altas, optó por zapatos de salón negros de satén, de punta cerrada y tacón alto. La decisión aportó una nota más clásica a un vestido construido alrededor de la transparencia y la exposición de la lencería.

Los zapatos de salón funcionan como una pieza de contraste en este tipo de propuestas. Frente al carácter explícito del encaje, su diseño cerrado ordena la silueta y evita sumar más elementos al conjunto. En este caso, el satén también sostuvo el efecto de textura sin competir con el dibujo del vestido.

Bella Hadid desfiló con las alas de Victoria’s Secret en Los Ángeles

Antes de llegar a la fiesta, Hadid participó en el Victoria’s Secret Fashion Show 2026 en Los Ángeles. La modelo formó parte del grupo de nombres convocados para la pasarela, en una edición que reunió a varias figuras asociadas históricamente con la marca y a rostros de una generación más reciente.

En el desfile, las alas volvieron a ocupar un lugar central dentro de la puesta en escena. Bella Hadid desfiló junto a modelos reconocidas, en una pasarela que recuperó uno de los símbolos más identificables de Victoria’s Secret.

Hadid abrió el desfile con un conjunto inspirado en la primavera. Llevó un sostén verde cubierto con aplicaciones florales de cuentas multicolores, una minifalda semitransparente en tono verde lima sobre ropa interior a juego y zapatos de tacón con la punta abierta.

El elemento central fueron unas alas de gran tamaño armadas como enredaderas verdes y decoradas con flores, que extendían el motivo botánico a toda la silueta. Completó el estilismo con el cabello rubio suelto y maquillaje en tonos bronce.

Para su segunda aparición, la modelo cambió esa combinación de color por un minivestido blanco plisado y alas de ángel a juego.

El contraste entre ambos atuendos marcó dos registros distintos dentro de la pasarela: el primero se apoyó en referencias florales y una paleta verde intensa; el segundo recurrió al blanco y a una silueta más cercana al imaginario tradicional de las alas de Victoria’s Secret.

Nicolás Pottery tiene 44 años y hace cerámica desde los 12. Más de tres décadas con las manos en la arcilla le dejaron una convicción que repite como mantra: “Es un arte que hace bien”.

En diálogo con Infobae, el ceramista y emprendedor porteño explicó por qué está convencido de que el trabajo manual es el mejor antídoto contra la ansiedad y cómo esa idea lo llevó a instalarse entre marcas internacionales de lujo.

“Todas las actividades manuales hacen que tu cabeza funcione. No te puede funcionar un brazo, una pierna, pero si la cabeza funciona, está todo bien. Si la cabeza no funciona, no te funciona nada”, sostuvo. La frase sintetiza la filosofía con la que diseñó cada uno de sus espacios: lugares pensados menos para enseñar técnica y más para que la gente se desconecte.

La cerámica como refugio contra el ritmo de vida acelerado

El ceramista describió un escenario que le resulta familiar. La gente alterada en la calle, el celular encendido veinte horas por día, las preocupaciones que no frenan.

“Yo siempre digo que capitalicen esas dos horas para ellos. Después terminan y volvés a la realidad, a las preocupaciones. Pero por lo menos tu cabeza frenó dos horas de todo el día que vivimos”, señaló.

Esa pausa, según cuenta, tiene efectos que van más allá de la clase. “Veo la evolución de los alumnos cuando entran y después al tiempo. Se forman grupos, después los ves porque los sigo en redes, ves que salieron a cenar, se generan amistades”, describió. Algunos de sus alumnos originales de Acassuso siguen asistiendo semana tras semana, quince años después.

La idea de fusionar el taller con una cafetería nació justamente de observar esos vínculos. “Los alumnos traían cosas para compartir en las clases y se quedaban después. Dije: ‘Yo tengo que poner un espacio donde vengan un rato antes, donde se queden después’”, reconstruyó.

Hoy, Pottery es elegido por artistas y celebridades como Dalma Maradona, Julieta Zylberberg y Rosario Ortega.

El origen de una vocación que empezó a los doce años

La diferencia con un taller convencional, insiste, no pasa por la técnica. “Los talleres de cerámica siempre existieron. De hecho, yo aprendí a los doce años. Pero yo lo fui llevando a espacios de recreación donde la gente viene y la pasa bien”, detalló.

Su madre tuvo mucho que ver con ese primer contacto. Conductora de un programa de radio en San Isidro, lo anotó en un taller a través de un canje publicitario cuando él tenía doce años.

“Fue una mamá de hoy hace treinta y dos años, porque me hubiese mandado a aprender fútbol. Ella vio en mí que me gustaban las manualidades y me mandó a un taller de cerámica donde aprendí todo este arte”, recordó.

Pero junto a la vocación artística apareció temprano otra mirada. “Cuando vi lo que era un torno de alfarería, dije: ‘¿Cómo se puede producir desde esta máquina?’. Siempre lo vi desde el lado comercial”, reconoció. Esa doble condición, artesano y comerciante, terminó por definir su recorrido.

Su padre enfermó joven y la situación económica familiar cambió. Esa urgencia funcionó como motor. “Eso me hizo trabajar, trabajar y seguir apostando a lo que creía”, explicó.

Con esa determinación abrió hace quince años su primer taller en Acassuso, en la zona norte del conurbano bonaerense. Cinco años después sumó Palermo. Y hace cuatro meses se instaló en Patio Bullrich.

“Armé este proyecto de cero y nos costó mucho. Me queda el mensaje de que sí se puede”, agregó.

El espacio de 250 metros cuadrados articula los cursos regulares de cerámica, la cafetería, las experiencias rápidas de pintura sobre piezas para visitantes ocasionales y la venta de vajilla elaborada en el lugar. En apenas cuatro meses acumula alrededor de 150 alumnos.

Cuando se le pide un consejo para quienes buscan vivir del arte, vuelve siempre a la misma tensión. “Hay mucha gente muy talentosa que vos decís ‘¡guau, mirá lo que hace!’, pero no tiene ese lado comercial”, observó.

Y cerró con una frase que condensa sus tres décadas de oficio: “Vos podés crear, podés hacer lo que quieras. Ahora, si no sabés cómo comercializarlo, chau, no sirve. Cuando las dos cosas fusionan, ahí es donde funciona”.

Lady Kitty Spencer llevó un vestido rojo de Dolce & Gabbana y un conjunto de diamantes en el British Museum Ball, Londres. La modelo y aristócrata británica, hija mayor de Charles Spencer y sobrina de la princesa Diana, eligió una silueta de satén con capa para una gala cuyo código de vestimenta giró en torno al rojo.

El resultado puso el foco en una de las figuras más observadas de la nueva generación de la familia Spencer. El vestido, confeccionado en satén rojo, reunió varios recursos habituales de la alta costura de noche: escote de hombros descubiertos, drapeados en el cuerpo, falda de largo completo y una abertura que dejaba ver los zapatos de salón del mismo tono.

La capa en mismo tono extendía la línea del diseño y aportaba movimiento a la silueta. Spencer completó el conjunto con piezas de Chatila Jewels: un collar ancho de diamantes, pendientes con motivo floral y una pulsera a juego.

La cita congregó a alrededor de 850 invitados de los ámbitos del arte, la moda y la música en el museo londinense.

El collar de diamantes fue el eje del estilismo

La joyería concentró buena parte de la atención del atuendo. El collar, de dibujo calado y piedras engastadas sobre metal blanco, cubría la base del cuello sin convertirse en una pieza compacta. Esa estructura permitió que el diseño se recortara sobre la piel y acompañara el escote sin competir con el drapeado del vestido.

El uso de joyas de gran formato forma parte de la imagen pública de Lady Kitty Spencer. En sus apariciones nocturnas suele elegir pendientes de piedras de color, collares cortos de diamantes o piezas arquitectónicas que funcionan como el punto central de conjuntos de líneas limpias.

En esta ocasión, el rojo del vestido dejó el marco necesario para que el blanco de las piedras definiera el contraste.

El vestido rojo y un recuerdo de Diana

La elección invitó a comparaciones con Diana, princesa de Gales, quien llevó un vestido rojo de hombros descubiertos de Victor Edelstein en 1992.

Ambas propuestas comparten el color y la zona del escote, dos elementos que explican la asociación inmediata. Sin embargo, el diseño de Spencer construye una imagen distinta.

El vestido de Dolce & Gabbana Alta Moda incorpora un trabajo de drapeado, una caída más ceñida y una capa que modifica por completo el contorno.

La prenda de Diana respondía a los códigos de la moda de comienzos de los años noventa; la de su sobrina se inscribe en el lenguaje contemporáneo de la firma italiana, con volumen escénico y un protagonismo mayor de la joyería.

Esa distancia es relevante en la evolución estilística de Spencer. La relación con la princesa de Gales forma parte de su historia familiar y suele reaparecer en la conversación pública, pero su armario se ha desarrollado a partir de referencias propias.

Su estilo combina códigos aristocráticos británicos, formación internacional y una preferencia sostenida por casas italianas de espíritu ornamental.

La presencia de Dolce & Gabbana en el British Museum Ball prolonga una relación profesional de varios años. Spencer desfiló para la firma durante la Semana de la Moda de Milán en 2017 y, desde entonces, ha usado de forma recurrente sus vestidos de corsetería, encaje, estampados florales y siluetas de inspiración histórica. En febrero de 2021 fue presentada como embajadora global de la casa.

La asociación alcanzó una dimensión especial en su boda con el empresario Michael Lewis, celebrada en julio de 2021 en Villa Aldobrandini, cerca de Roma. Para los festejos de tres días, la modelo llevó cinco diseños a medida de la firma.

El vestido principal era una creación de encaje de inspiración victoriana, con cuello alto, mangas largas, botones forrados y una cola extensa.

Aquella prenda incluyó una referencia a Victoria Lockwood, madre de Spencer, que se casó con Charles Spencer en 1989 con un vestido de aire victoriano.

Kitty optó entonces por no usar la tiara Spencer, una decisión que reforzó la idea de una novia conectada con la tradición familiar, aunque alejada de una reconstrucción literal de las imágenes más conocidas de la familia.

Los otros conjuntos nupciales mostraron otra faceta de su estilo: tul azul con bordados florales, una falda pintada a mano con aplicaciones y cristales, un vestido de cóctel bordado en plata y oro y un diseño de seda Mikado con lentejuelas y flores aplicadas.

Esa sucesión confirmó su interés por la artesanía visible y las prendas concebidas para momentos concretos.

Su estilo combina sastrería, vestidos de ceremonia y alta joyería

A sus 35 años, Spencer construyó una imagen de moda marcada por los vestidos de ceremonia, los trajes de sastrería y los accesorios de alto valor.

Nació en Londres, creció en gran medida en Ciudad del Cabo y estudió psicología, política y literatura inglesa antes de completar estudios vinculados al arte, el italiano y la gestión de marcas de lujo. Ese recorrido internacional se percibe en la amplitud de sus referencias.

En el día a día, suele optar por prendas de cortes clásicos, abrigos estructurados, vestidos camiseros y conjuntos monocromáticos. Para las alfombras rojas, en cambio, aumenta la escala: emplea capas, faldas de volumen, corsés, transparencias de encaje y joyas de piedras preciosas.

El contraste entre ambos registros sostiene una imagen versátil, aunque coherente en su gusto por las terminaciones elaboradas.

Hoy, 20 de octubre, Viggo Mortensen cumplió 68 años. En las apariciones públicas que han acompañado sus estrenos y proyectos como director, el actor mantiene un código de vestir reconocible: trajes de líneas clásicas, colores sobrios y una formalidad sin exceso de artificio.

Su estilo parte de una paradoja. Mortensen dijo que no se considera especialmente interesado en la moda y que procura, ante todo, llevar ropa limpia.

Sin embargo, esa distancia frente a la tendencia no impide que sus elecciones hayan construido una identidad visual consistente, basada en la comodidad, la sobriedad y una selección puntual de prendas de sastrería.

Los trajes definen su vestuario de alfombra roja

En estrenos, festivales y ceremonias, Mortensen suele recurrir a trajes de dos piezas de corte tradicional. Predominan el gris, azul marino, negro y marrón, combinados con camisas lisas y corbatas discretas. La fórmula deja el foco en la estructura de la prenda, más que en logos, accesorios ostentosos o contrastes fuertes.

La silueta tampoco busca reproducir el corte ajustado que dominó parte de la moda masculina durante los años 2010. Sus sacos tienden a conservar espacio en hombros y torso, mientras que el pantalón suele caer de forma recta. El resultado es una imagen formal que prioriza la movilidad y la proporción por encima de la tendencia inmediata.

El actor también optó por tonos menos previsibles cuando el contexto lo permite. En distintos estrenos usó trajes rojos, verdes, blancos y azules, aunque esos colores aparecen dentro de conjuntos contenidos: camisas sin estampados llamativos, calzado clásico y pocos elementos complementarios.

La estrategia no es convertir el traje en un disfraz, sino modificar una pieza central sin alterar el conjunto.

La naturalidad se impone fuera de los eventos

Lejos de las alfombras rojas, el vestuario de Mortensen se mueve hacia una lógica funcional. Camisas de cuadros o lisas, camisetas, chaquetas sencillas, pantalones de jean y botas conforman una imagen más cercana al uniforme cotidiano que a una construcción de celebridad. También agrega accesorios, como gorras de diferentes colores.

Esa continuidad entre el vestuario diario y el formal explica parte de la coherencia de su estilo. Incluso cuando lleva traje, rara vez parece adoptar una estética ajena a su forma habitual de presentarse.

La corbata, el saco o una camisa de cuello cerrado funcionan como extensiones de un guardarropa práctico.

Mortensen planteó que la manera de vestir está ligada al contexto y a los grupos sociales, y cuestionó la homogeneización de la moda global.

El actor no se siente conscientemente interesado en la moda. Esa declaración ayudó a leer su vestuario como una elección personal antes que como una adhesión a una tendencia.

Del cuero de Aragorn a la sastrería contenida

El vínculo entre Mortensen y la ropa tiene otro capítulo en sus personajes. Su papel como Aragorn en la trilogía El señor de los anillos instaló una imagen asociada a cuero envejecido, capas, botas y piezas de apariencia artesanal.

La indumentaria del personaje respondió a un universo de fantasía, pero reforzó una asociación pública entre el actor y una masculinidad de materiales robustos, tonos tierra y prendas que aparentan tener uso.

Esa conexión reaparece de otro modo en su vestuario fuera de pantalla. Aunque cambia el cuero de ficción por la lana, el algodón o el lino, persiste un interés por prendas que no necesitan parecer nuevas para funcionar. La ropa no ocupa el centro de la escena: acompaña el cuerpo y el trabajo del intérprete.

El actor destacó en entrevistas el recorrido narrativo de esa prenda, que comienza impecable y termina deteriorada por los acontecimientos de la historia. Para Mortensen, el vestuario puede tener una función dramática propia, incluso cuando su estilo personal evita la exhibición.

A los 68 años, el actor sostiene una estética que no depende de cambios radicales. El pelo canoso, usado con mayor longitud en algunas temporadas, y la barba en apariciones recientes refuerzan un registro relajado. Cuando asiste a una premiere, el traje ordena la imagen; cuando no hay obligación de etiqueta, vuelve a prendas simples.

La vigencia de ese código no radica en anticipar lo que marcarán las pasarelas. Está en conservar una línea personal en un momento en que buena parte de la moda masculina oscila entre la sastrería amplia, la ropa deportiva y los gestos de alto impacto visual.

Mortensen se mantiene en otra zona: la de un clasicismo funcional, con espacio para el color y sin una búsqueda evidente de protagonismo.