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Los productores de la anunciada secuela de Dirty Dancing no quieren cometer con Patrick Swayze el mismo error que con, por ejemplo, la controvertida decisión de resucitar a Val Kilmer en su película póstuma, As Deep as the Grave, aún pendiente de estreno, por obra y gracia de la IA tras su muerte en abril del pasado año.
"Ese es uno de los aspectos en los que realmente hay que centrarse: cómo permitir que la gente lo llore en una película. Y no se preocupen: no vamos a traerlo de vuelta mediante inteligencia artificial", aseguró Nina Jacobson, productora de la película, este sábado 17 de octubre durante el evento Future of Filmmaking Summit organizado por IndieWire.
Su interpretación de Johnny Castle, el instructor de baile que enamora a "Baby", encarnada por Jennifer Grey, en sus vacaciones en el complejo turístico de Catskills, sigue siendo junto a Ghost el papel más popular de Swayze, fallecido en 2019 a los 57 años a causa de un cáncer de páncreas.
Grey sí que estará en esta nueva entrega, también en calidad de productora, pero la trama se centraría en un nuevo romance protagonizado por un reparto jóvenes actores. Y si el filme ochentero estaba ambientado a inicios de los 60, en esta la acción tendría lugar en los 90. La intención de sus autores con esta secuela, anunciada hace ya cuatro años, no es hacer una copia sino ser fiel al espíritu del original.
"Recuerdo que, cuando la vi por primera vez, me pareció un entretenimiento muy pulido. Ahora, en cambio, se percibe casi como una película independiente. Asumen muchos riesgos y abordan temas que hoy en día ya no se suelen tratar en el cine", explicó Jacobson y añadió un comentario más al respecto. "Si hoy intentaras incluir una subtrama sobre un aborto en una película romántica, creo que recibirías un sinfín de observaciones sobre ello".
Dirigida por Emile Ardolino, Dirty Dancing contó con un modesto presupuesto, de apenas 6 millones de dólares como mucho, y se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1987 con 214 millones recaudados en cines. Pero donde de verdad encontró a su público y llegó a cimentar su fama fue a partir de su llegada el vídeo doméstico y en los distintos pases televisivos, sorprendiendo a propios y extraños.
Además de su pareja protagonista, y de ser la película por la que sigue siendo recordada Jennifer Grey, también enamoró a los espectadores con su banda sonora musical. Así, (I've Had) The Time Of My Life, además de ganar el Oscar, es una de las canciones de película más icónicas de los 80.
Hubo una intentona de seguir aprovechando el éxito del filme en 2004 con Dirty Dancing 2 (Dirty Dancing: Havana Nights) con Romola Garai y Diego Luna en la Cuba de 1958, y en la que Swayze participó con un cameo. Y el futuro proyecto, el tercero de la franquicia, aún sin elenco definido, más detalles sobre el argumento o posible fecha de estreno, si cuenta de momento con director, Jonathan Levine (Memorias de un zombie adolescente) cuando la intención era estrenarla en 2024, y Grey volvería con su personaje de Frances "Baby" Houseman.
"Grey tiene una perspectiva fascinante sobre por qué cree que (Dirty Dancing) ha perdurado tanto, o qué es lo que tiene su personaje que conectó —y sigue conectando— de forma tan profunda con el público", valoró Jacobson.
Ninguno de los estrenos del pasado viernes logró tan siquiera hacerle sombra en la taquilla a La bola negra que, por cuarto fin de semana consecutivo, sigue dominado el box office en España y con una recaudación increíble. Según los datos aún no definitivos de Rentrak Spain, se hizo con 2,8 millones de euros, acumula 29,5 y 4,1 millones de espectadores ya han pasado por taquilla.
Solo el survival En el corazón de la bestia protagonizado por Brad Pitt y su fiel amigo perruno aguanta el tipo en el segundo lugar con 503 mil euros más que añadir a una cuenta particular que ya asciende hasta los 5,3 millones en nuestros cines.
En lo referente a las novedades, Street Fighter, pese a debutar en el número uno en Estados Unidos y Canadá con 31 millones de dólares, aquí solo ha podido hacerse con el cuarto puesto ingresando 440 mil euros. La siguió La invitación con 290 mil euros, remake de la producción española Sentimental de Cesc Gay y con un reparto que incluye a nada menos que Oliva Wilde, Seth Rogen, Edward Norton y una Penélope Cruz de la que ya se especula con una posible una nominación al Oscar.
Sexta fue Whalefall, la historia de supervivencia en el interior de... ¡una ballena! La protagonizan Austin Butler y Josh Brolin y recaudó 281 mil en su primer fin de semana. En el séptimo lugar encontramos la reposición de uno de los clásicos de Pixar por su 20 aniversario, Cars, con 268 mil euros. Y, cerrando el top 10 con 175 mil euros, la comedia romántica española La maleta dirigida por Carlos Therón y protagonizada por Lucía Caraballo y Alejandro Speitzer.
1 - La bola negra. 2.803.834 euros (y en 24 días acumula 29.542.558 euros y 4.176.631 espectadores).
2 - En el corazón de la bestia. 503.559 euros (y en 24 días, 5.376.528 euros y 751.172 espectadores).
3 - La otra madre. 474.478 euros (y en diez días, 1.887.309 euros y 250.066 espectadores).
4 - Street Fighter. 440.330 euros y 55.401 espectadores en tres días.
5 - La invitación. 290.873 euros y 38.502 espectadores en tres días (y sumando los pases previos, 292.640 euros y 38.920 espectadores).
6 - Whalefall. 281.524 euros y 37.017 espectadores en tres días.
7 - Cars (reestreno). 268.117 euros y 38.471 espectadores en tres días.
8 - Resident Evil. 234.565 euros (y en 31 días, 6.608.890 euros y 889.152 espectadores).
9 - Verity: La sombra de un engaño. 197.712 euros (y en 17 días, 1.916.457 euros y 264.925 espectadores).
10- La maleta. 175.365 euros y 23.726 espectadores en tres días.
Puede que Christopher Nolan tenga algo de crístico, por la manera en que ha partido en dos la historia del cine reciente. A algunos esto no les gustará nada, pero la irrupción del londinense a finales del siglo pasado trajo consigo un antes y un después por su predilección por apostar por el realismo, ya fuera a la hora de adentrarse en el mundo de los sueños o de revisitar el universo de un personaje tan icónico como Batman, sacándolo de la fantasía para trasladarlo al mundo real.
Esta querencia por lo realista, tan consustancial a la ficción de este primer cuarto del siglo XXI, impregna (o contamina) un elevado porcentaje de las series y películas actuales, cuyos estilos visuales se alejan a menudo del aspecto de aquellos cándidos años ochenta y noventa, en los que incluso un drama judicial podía tener cierta pátina de magia en su imagen.
Tan solo un año antes de que llegara a los cines la ópera prima del realizador, Following, hubo quien se propuso reimaginar uno de los cuentos más populares de la historia: Blancanieves. Y lo hizo apostando por llevarlo a un territorio más realista y descarnado, en sintonía con el que Nolan exploraría poco después en El caballero oscuro, donde cambiaba el gusto por el art déco de Tim Burton por unas atmósferas que olían a thriller de Michael Mann.
La nueva versión de este clásico, felizmente inmortalizado por el genio de Walt Disney en la obra maestra de la animación estrenada en 1937, proponía un ejercicio de crudeza no apto para pieles finas, profundizando en el cuento de los hermanos Grimm desde una perspectiva cuanto menos oscura.
Bajo el esclarecedor título de Blancanieves, un cuento de terror (La verdadera historia), la película llegó directamente al mercado doméstico en 1997, dentro de una serie de producciones de la época que recuperaban personajes y clásicos populares de la literatura desde enfoques diferentes. Así ocurrió también con Merlín, en 1998, o Alicia en el país de las maravillas, en 1999, ambas estrenadas en televisión.
Esta película, de apenas 100 minutos, fue dirigida por Michael Cohn y contó, como solía ser habitual en este tipo de producciones, con un reparto nada desdeñable en el que destacaban Sigourney Weaver y el tristemente fallecido Sam Neill. Ambos interpretaban a la madrastra y al padre de la protagonista, encarnada por Monica Keena. Gil Bellows, conocido por su papel en la serie Ally McBeal, daba vida a uno de los mineros enanos.
La historia nos transporta a un mundo que sigue siendo mágico, pero salpicado de elementos grotescos que lo alejan del clásico de Disney estrenado seis décadas antes. Aunque la película se toma ciertas licencias y tampoco es una adaptación estrictamente fiel, sí se aproxima más al material original, cuyo origen se encuentra en una antigua historia del folclore alemán.
A comienzos del siglo XIX, los hermanos Grimm incorporaron Blancanieves a Cuentos de la infancia y del hogar, la célebre recopilación que contribuyó a popularizar algunas de las historias más conocidas de la literatura universal. El relato procedía del folclore alemán, aunque durante años se ha especulado con la posibilidad de que su protagonista estuviera inspirada en Margaretha von Waldeck, una noble alemana del siglo XVI e hija del conde de Waldeck-Wildungen.
Las coincidencias entre ambas historias han alimentado la hipótesis de que Margaretha murió a los 21 años en circunstancias que se han relacionado con un posible envenenamiento, y su complicada relación con su madrastra también recuerda a la del cuento. A ello se suma el pasado minero de Bad Wildungen, la localidad en la que creció.
Sus minas de cobre empleaban a niños que sufrían problemas de desarrollo por la desnutrición y las duras condiciones laborales. Algunos han querido ver en estos trabajadores el posible origen de los siete enanitos, aunque esta conexión, al igual que la identificación de Margaretha con Blancanieves, no está demostrada.
En Blancanieves, un cuento de terror (La verdadera historia), la protagonista recibe el nombre de Lilliana. Su madre muere durante el parto y, poco después, su padre contrae matrimonio con Lady Claudia, una mujer tan hermosa como vanidosa que oculta una naturaleza mucho más siniestra de lo que aparenta.
Obsesionada con su propia ambición, la nueva esposa pretende tener un hijo y convertirse en reina con la ayuda de un espejo mágico. Cuando fracasa en su intento de acabar con la vida de la joven, Lilliana huye y se adentra en un bosque oscuro, donde encuentra refugio junto a siete enanitos dispuestos a protegerla de la malvada Claudia.
Casi tres décadas después de su estreno en vídeo, este entretenido telefilm sigue siendo una de las adaptaciones que mejor reflejan la evocadora atmósfera de los grotescos cuentos ambientados en la Selva Negra alemana. Prime Video se ha encargado de rescatarla del olvido y la incluyó en su catálogo el pasado 19 de octubre.
Las lluvias torrenciales vuelven a poner en alerta a la Comunitat Valenciana. La DANA Adam ha provocado inundaciones, rescates y evacuaciones en distintos municipios, con acumulaciones de lluvia extraordinarias que han obligado a activar medidas de emergencia. Un episodio que vuelve a traer a la memoria la tragedia de octubre de 2024, cuando las riadas dejaron 233 víctimas mortales en la provincia de Valencia.
En un momento en el que las imágenes de calles anegadas y vecinos atrapados vuelven a ocupar la actualidad, hay un documental que permite recordar lo ocurrido desde la perspectiva de quienes se jugaron la vida para salvar a los demás. Se trata de Operación DANA, un mediometraje documental de 56 minutos que reconstruye las horas más duras de la catástrofe.
Dirigido por Raquel Hombrados, el documental se divide en dos partes. La primera, titulada El día de la DANA, revive en tiempo real las lluvias torrenciales, las inundaciones repentinas y los rescates que marcaron la jornada. La segunda, El día después, se centra en las labores posteriores: la búsqueda de desaparecidos, la evaluación de los daños y el trabajo de los equipos de emergencia para recuperar la normalidad en las localidades afectadas.
La producción reúne vídeos grabados durante la emergencia por los propios profesionales y los ciudadanos, comunicaciones reales, audios y testimonios inéditos. También cuenta con la participación de la meteoróloga Isabel Moreno, que explica cómo se formó la DANA y qué factores contribuyeron a su impacto.
Más allá de las imágenes de la catástrofe, Operación DANA pone el foco en los más de 43.000 profesionales movilizados, entre efectivos de los Cuerpos de Seguridad del Estado, las Fuerzas Armadas y los equipos de emergencias. Su relato recorre localidades como Chiva, Paiporta, Catarroja, Benetússer y Sedaví, y reivindica la labor de quienes trabajaron contrarreloj para salvar vidas.
El documental está disponible en Movistar Plus y HBO Max. Estrenado originalmente el 28 de octubre de 2025, este documental es un duro retrato de uno de los mayores desastres naturales de nuestra historia reciente.
Netflix vive un momento de transición. El cual pasa por un recorte drástico de plantilla (1.000 empleados a la calle), por la salida de su directora de contenidos (Bela Bajaria, sustituida por el veterano de Disney Peter Rice) y una repentina apuesta por la exhibición tradicional.
Este negocio nunca le había interesado mucho, pero ahora que su crecimiento se ha estancado quiere probar suerte con las salas de cine, y la primera película de esta nueva era no es otra que La bola negra.
Sí, el film de Javier Ambrossi y Javier Calvo que ya ha superado a Torrente presidente como cuarto mayor taquillazo del cine español.
Ocurre con La bola negra que tiene amplísimas posibilidades en la carrera de premios (los medios estadounidenses especulan incluso con que podría arrebatarle el Oscar a Mejor película a La Odisea de Christopher Nolan), así que Netflix estuvo muy espabilada cuando decidió adquirir los derechos de distribución internacionales tras su proyección en el Festival de Cannes, donde ganó el premio a Mejor dirección para los Javis.
Este fin de semana, entonces, fue el elegido por Netflix para estrenar La bola negra en EEUU. Siendo además, como muestra de su nuevo compromiso con el negocio analógico, la primera vez que la plataforma iba a revelar sus ingresos en taquilla.
Desde luego que Netflix ya ha estrenado películas en cines antes (si no lo hiciera no podría haber competido nunca en los Oscar) pero con la relativa excepción de Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion en 2022 (cuando se habló de un gran rendimiento sin entrar en detalles), la plataforma no había querido compartir sus cifras con nadie.
Teniendo en mente el ejemplo cercano de Apple, era la mejor idea. Entre 2023 y 2024 Apple fue mandando a cines varias películas originales (estilo Argylle, Napoleón o Fly Me to the Moon) y todas fueron un rotundo fracaso laureado además públicamente, quitándole las ganas de seguir intentándolo en este negocio. Parece, sin embargo, que La bola negra no correrá esa suerte. Según IndieWire, las primeras cifras que han trascendido de su estreno estadounidense son bastante positivas, teniendo en cuenta que además se trata de un lanzamiento limitado.
Por ahora La bola negra solo dispone de cuatro salas entre Nueva York y Los Ángeles. Durante este fin de semana de apertura ha recaudado entonces 277.500 dólares, pero supone un gran rendimiento porque la media por pantalla estaría en 69.375 dólares. Es el segundo promedio en pantalla más alto para una película no inglesa (el primero, como cabía esperar, es Parásitos), y además resulta que la mayor parte del público tiene menos de 35 años. La bola negra ha apelado fundamentalmente a un espectador joven, que avalará su inminente carrera en los premios.
Al margen de lo que suceda en los Oscar con La bola negra (que estará la friolera de 47 días en cines), Netflix ya se ha decidido a darle un tratamiento similar a próximos estrenos. Títulos como Las nuevas desventuras de Cliff Booth, Narnia: El sobrino del mago, Ink o la próxima adaptación animada de Charlie y la fábrica de chocolate de Taika Waititi pasarán por aquí.
La actriz y cantante brasileña Lua Blanco, conocida internacionalmente por interpretar a Roberta en la versión brasileña de Rebelde, ha fallecido a los 39 años. La noticia ha sido confirmada por su familia a través de las redes sociales, donde su hermano Daniel Blanco ha compartido un mensaje de despedida en el que también ha revelado que la intérprete llevaba varios meses luchando contra un cáncer intestinal.
La artista se mantuvo rodeada de sus seres queridos durante la enfermedad, que afrontó lejos de los focos y con discreción. Según el comunicado familiar, sus últimos meses estuvieron marcados por el apoyo de sus amigos y familiares, que permanecieron a su lado hasta el final.
"Durante este tiempo estuvo completamente rodeada del amor de familiares y amigos que estuvieron con ella toda su vida. Falleció en paz, llena de amor y con la fe completa de que iba directo a las manos de Dios. Estará con nosotros para siempre, iluminándonos con su fuerte luz eterna", escribió su hermano en una publicación de Instagram.
El fallecimiento de Lua Blanco ha provocado numerosas muestras de cariño entre compañeros de profesión y seguidores. Una de las reacciones más destacadas ha sido la de Dulce María, actriz y cantante mexicana que interpretó a Roberta Messi en la adaptación mexicana de Rebelde, con quien Blanco tuvo la oportunidad de coincidir durante su trayectoria.
"Completamente en shock, tuve la oportunidad de conocerla y grabar juntas. Lo siento muchísimo, pido a Dios que les de fuerza y pronta resignación a sus familiares, amigos y fans. Les mando un abrazo con todo mi cariño. Vuela alto Lua bonita", escribió la artista.
También se han sumado a las condolencias otras figuras del mundo del espectáculo brasileño. Ana Terra, hermana de la intérprete, compartió un mensaje de despedida en el que recordó el vínculo que las unía: "La vida es efímera. Te amo, hermana. Permanecerás con nosotros para siempre".
Nacida en São Paulo el 5 de marzo de 1987, Lua Blanco desarrolló una carrera que abarcó la interpretación, la música, la composición y la escritura. Hija del músico Billy Blanco Jr. y de Maria Claudia Blanco, creció en una familia vinculada al mundo artístico y encontró pronto su camino en la televisión brasileña.
Antes de alcanzar la popularidad internacional, participó en las producciones Três Irmãs (2008), donde interpretó a Bia, y Malhação (2009), en la que dio vida a Joe. Sin embargo, fue su papel de Roberta en Rebelde, la adaptación brasileña emitida por Record entre 2011 y 2012, el que la convirtió en un rostro conocido para toda una generación de espectadores.
Tras aquel éxito, la actriz continuó trabajando en televisión con títulos como Pecado mortal (2013) y A força do querer (2017). Después de esta última producción, decidió centrarse más en su carrera musical y reducir su presencia en las telenovelas. También participó en la película As irmãs Fox, dirigida por Wagner de Assis.
La muerte de Lua Blanco supone una pérdida para el entretenimiento brasileño y para los seguidores de Rebelde, una ficción que dejó huella entre el público joven y que contribuyó a impulsar su carrera más allá de las fronteras de su país.
Puede que la cosa empezara a cambiar oficialmente cuando a Netflix se le ocurrió comprar Warner Bros. Discovery.
Pese a que finalmente Paramount se impusiera (y como resultado Warner y Paramount se han fusionado en forma de Skydance), durante los meses que duró la contienda esta plataforma de streaming vio cómo todo Hollywood se le ponía en contra, y sus responsables tenían que reafirmar una y otra vez su compromiso con las salas de cine. Al fin y al cabo, a Netflix siempre le ha causado bastante indiferencia la exhibición tradicional, entendiendo que su negocio está en el catálogo streaming.
Pero, si tenía intención de comprar Warner, tocaba comprometerse a mantener este negocio. Uniendo esto a otros factores como el estancamiento de los suscriptores (que esta misma semana provocó una de las grandes reducciones de plantilla de su historia. 1.000 empleados a la calle) o la sensación de que películas que pasan por salas luego tienen un gran rendimiento doméstico, el interés de Netflix por la exhibición tradicional ha ido creciendo exponencialmente en los últimos meses.
Hasta el punto de que La bola negra, que Netflix estrena en EEUU a partir de este fin de semana, va a ser el film que lo cambie todo.
Hasta entonces, la vinculación de Netflix con las salas se reducía a estrenos limitados de películas prestigiosas para poder aspirar al Oscar, o a algún evento estilo el reestreno de Las guerreras K-Pop tras haber arrasado en visualizaciones domésticas.
Si hablamos de Oscar, pasa justamente con La bola negra que es una frontrunner absoluta: la película de los Javis ganó el premio a Mejor dirección en el Festival de Cannes y luego el premio del público en Toronto, amparada por unas críticas extraordinarias y, en su España natal, una recaudación que la ha colocado en el top histórico. Es un bombazo comercial, pero también un film de prestigio con el que Netflix (que compró los derechos internacionales de distribución) podría obtener por fin el Oscar a Mejor película que tanto tiempo se le ha resistido.
Así que, ¿cuál es el plan exacto de Netflix con La bola negra? Pues un periodo de exclusividad en salas mucho más largo de la cuenta.
47 días nada menos, más tiempo que el que ningún otro estreno de la compañía haya ostentado. Con el añadido, según IndieWire, de otra decisión histórica en lo que se refiere a la estrategia de Netflix: la compañía va a empezar a hacer públicas sus cifras de taquilla. La bola negra será el primer film con el que lo haga.
Netflix siempre ha mantenido ocultas las recaudaciones de sus incursiones en cines, por mucho que en los últimos años haya habido éxitos evidentes como Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion. El motivo es la exposición pública que implica revelar las cifras, y es algo que por ejemplo le ha salido bastante caro a Apple.
Entre 2023 y 2024 la compañía se animó a estrenar en salas varias películas (Napoleón, Los asesinos de la luna, Argylle o Fly Me to the Moon), y todas se hundieron. Todo el mundo fue consciente del fracaso, sobre todo, y Apple dejó de mandar películas a cines. Incluso perdieron aplomo sus ambiciones de competir en la carrera hacia los Oscar.
Pero Netflix quiere arriesgarse. Sabe que con La bola negra tienen un caballo ganador, y que hay que proceder con cautela según las particularidades de cada proyecto. “Analizamos este modelo y nos preguntamos: ¿cómo podemos satisfacer a los amantes del cine que quizá quieran ver esta película en una sala, cómo evitamos perjudicar el valor de Netflix y cómo posicionamos la película de la mejor manera posible a nivel mundial?”, ha apuntado Ted Sarandos, uno de los líderes de Netflix.
La plataforma no pierde de vista que su negocio es el streaming, pero indudablemente hay mucho que ganar si su desembarco en salas funciona. Está, desde luego, el prestigio: que Netflix le dé un tratamiento tradicional a determinadas películas ayudará a que los grandes directores quieran trabajar con ellos. Y es lo que nos lleva sin ir más lejos a Greta Gerwig. La directora de Barbie, un hito de taquilla, estrenará con Netflix el año que viene Narnia: El sobrino del mago.
Todo un blockbuster que tendrá otra ventana pionera: desde el 12 de febrero, y arramblando con todas las salas IMAX posibles, Narnia se tirará en cines 49 días. No se incorporará al catálogo hasta el 2 de abril.
A lo que hay que sumar, para lo que queda de año, Las nuevas desventuras de Cliff Booth que dirige David Fincher, e Ink de Danny Boyle. Dos propuestas de autor y atractivo oscarizable que también tendrán estreno en cines, y de las que también Netflix irá informando de sus logros en taquilla. La bola negra, con sus amplias opciones de seguir arrasando comercialmente como ya está haciendo en España, supone por tanto un gran punto de inflexión para Netflix. Un antes y un después para una compañía a la que el streaming se le está quedando pequeño.
La Fiesta del Cine vuelve del 19 al 22 de octubre con una nueva edición que permitirá disfrutar de las películas en cartelera por solo 3,5 euros la entrada. Una oportunidad para ponerse al día con los estrenos de la temporada y descubrir en pantalla grande algunas de las propuestas más interesantes del momento.
La iniciativa, que cumple ya 17 años, llega después de que la edición de abril registrara sus mejores cifras de asistencia desde 2019, con un aumento del 4,3% de espectadores respecto a la convocatoria de junio de 2025. En esta ocasión, 321 cines de toda España se han sumado a la promoción.
Como suele ocurrir con la Fiesta del Cine, la cartelera ofrece opciones para todos los gustos, desde grandes producciones de Hollywood hasta thrillers, películas de terror, comedias y propuestas del cine español. Para ayudarte a elegir, repasamos algunas de las películas que merece la pena ver en estos cuatro días de entradas a precio reducido.
La Fiesta del Cine coincidirá con la llegada a las salas, el 16 de octubre, de títulos como La invitación, con Penélope Cruz y Edward Norton; Street Fighter, la nueva adaptación del videojuego de Capcom; La maleta, con Lucía Caraballo y Alejandro Speitzer, y Whalefall, con Austin Abrams. Además, seguirán en cartel películas como Digger, con Tom Cruise; El precio de la red, secuela de La red social; Verity. La sombra de un engaño, con Anne Hathaway, y La otra madre, protagonizada por Jessica Chastain.
Entre La llamada (2017) y La bola negra, Javier Calvo y Javier Ambrossi han firmado tres series de autoría inquebrantable (Paquita Salas, Veneno, La Mesías) donde la abundancia de ideas narrativas siempre se resuelve de manera viviente y ligera. Justo lo que más se echa en falta en su segundo largo, desbordado por una ambición que no encuentra vías de salida para respirar. Lee la crítica completa aquí.
Se levanta el telón y aparece Tom Cruise caracterizado como un hombre de su edad. Es la primera señal del absurdo metaficcional sobre el que se asienta el séptimo largometraje de Iñárritu. Que un actor de 64 años que aparenta 35 tenga que cubrirse con protésicos y peluca despeluchada para encarnar a un hombre con sus mismos años. De todas las metáforas con las que Digger intenta retratar el mundo desquiciado en el que vivimos quizás esta, la más involuntaria, sea la más redonda y la más clara. Lee la crítica completa aquí.
La secuela de La red social, esta vez con su guionista, el aclamado Aaron Sorkin, como director. Una película activista que denuncia el papel que ha jugado conscientemente Facebook, ahora Meta, en la polarización y radicalización de la sociedad y en el deterioro de la salud mental de los jóvenes con el único fin de ganar dinero. Te gustará si te gustan El dilema, de Michael Mann, o Todos los hombres del presidente. Lee la crítica aquí.
Una película deliciosa que viene a responder a esa gran pregunta: ¿por qué no se hacen más películas sobre mujeres en la madurez si el público mayoritario del cine es eminentemente femenino y de esa franja de edad? La estupenda Lea Druker interpreta a una cirujana cuadriculada a la que un affaire con una mujer pone la vida patas arriba. Lee la crítica aquí.
Si buscas una comedia divertida, chispeante y bien escrita, La invitación es lo que necesitas. Remake de Sentimental, de Cesc Gay, dirigido por Olivia Wilde, es la historia de un matrimonio en crisis que invita a cenar a sus vecinos de arriba, que les proponen hacer un intercambio de parejas. Protagonizada por la propia Wilde, un entrañable Seth Rogen, Edward Norton y una explosiva Penelope Cruz. Lee la crítica aquí.
Quizás conozcas a Diego Luna por Andor o Rogue One, pero su faceta como director merece la misma atención. Su última película, Ceniza en la boca, es cine social del que te cambia la mirada. En este caso, sobre la inmigración latina en España y sobre las grietas que los procesos migratorios abren en las familias. Lee la crítica aquí.
Una propuesta para ir con toda la familia pero que entusiasmará por igual a los pequeños y a los mayores de la casa. El director de la última película de las Tortugas Ninja dirige esta genial reaparición del Coyote y el Correcaminos en la que el primero demanda a Acme harto de que le fallen una y otra vez sus productos en su persecución del segundo. Leer la crítica aquí.
En el transcurso del último tercio del año Austin Abrams ha pasado a convertirse el nuevo saco de boxeo favorito de Hollywood. Tras su paso por los 95 minutos más vertiginosos del cine de terror reciente en Resident Evil (2026) viene ahora a por más maltrato de la cámara en Whalefall, adaptación de una novela de Daniel Kraus que tiene como concepto principal una idea muy simple: un hombre escapando del interior de una ballena. Lee la crítica completa aquí.
Street Fighter destaca por una voluntad de estilo presente tanto en el trabajo de su reparto (el trabajo de David Dastmalchian como malo malísimo no nos hace olvidar a Raúl Juliá en la versión de 1994, pero da para nota) como en sus estupendos flashbacks animados, así como en una puesta en escena y una dirección de fotografía que se vienen muy arriba, hasta el punto de dificultar a veces nuestra apreciación del festín de guantazos. Lee la crítica completa aquí.
Es posible encontrar trazas de cada una de esas experiencias en Su propio infierno, un regreso al cine llamado a exasperar incluso a los seguidores más devotos del danés. De entrada, pocos más aceptarán asomarse a este magma visual casi antinarrativo, desplegado sobre las siluetas espigadas de Sophie Thatcher, Havana Rose Liu y Kristine Froseth y la musculatura torácica de Charles Melton. Lee la crítica completa aquí.
Si a la incomprendida Return to Silent Hill le cayeron palos por tomarse libertades con el videojuego en el que se inspira, a esta nueva adaptación de Resident Evil le espera una penitencia acorde a la inventiva que despliega. Poco importa la fidelidad si Zach Cregger es capaz de sacar los colores a las ocho intentonas previas, cada una más garrafal que la anterior, con la ligera excepción de Bienvenidos a Raccoon City, cuya escena de apertura, por cierto, era exactamente igual a la de esta. Lee la crítica completa aquí.
El ritmo de trabajo de Sylvester Stallone se ha relajado bastante en los últimos años, y seguramente sea su cuerpo el que más se lo agradece. Desvinculado de sagas históricas como Rambo, Rocky o Los mercenarios (aunque manteniéndose en primera fila con Tulsa King, serie que no le exige tantos trotes), Stallone se ha podido permitir un respiro y a sus 80 años acaba de publicar un libro de memorias, The Steps.
Promocionándolo, Stallone ya se ha lamentado de haber tratado a su cuerpo “de forma masoquista” durante mucho tiempo.
Entrevistado en Fox News, Stallone se ha sincerado un poco más para revelar que tiene “millones y millones de remordimientos” por su exposición física al rodar tantas y tantas películas de acción.
Y todo por haberse negado reiteradamente a usar dobles: “Podría pasar literalmente media hora hablando de lesiones, de la cantidad… No es solo una, sino que estoy hablando de 30 horas y 30 minutos solo de lesiones individuales, porque se van acumulando”.
“Me he lesionado muchas, muchas veces, pero tras Los mercenarios acabé sometiéndome a nueve operaciones de espalda y tres fusiones cervicales. Me desgarré ambos hombros, en el ojo me pusieron todo tipo de lentes… fue brutal”. De cara a esta película, que dirigió y protagonizó en 2010, una escena de riesgo salió mal y le provocó tanto una luxación en los hombros como una fractura en el cuello que requirió siete operaciones, hasta que finalmente le pusieron una placa metálica.
Stallone reconoce que nunca ha vuelto “a ser de todo el mismo” tras todas estas intervenciones. Y lo lamenta mucho.
¿La moraleja? En sus propias palabras, “dejar que los demás hagan su trabajo”: dobles y especialistas. “No te hagas el protagonista, o como quieras llamarlo, no montes el numerito. Sé que mucha gente está pensando en hacer acrobacias… no lo hagáis. No lo hagáis. Dejad que lo hagan los profesionales. No puedes vencer a la gravedad; cuando te estrellas contra el suelo, pierdes, y la gravedad volverá a actuar”.
“Quiero decir, pregúntaselo a cualquier futbolista del mundo. Así que sí, y la gente dice ‘¿no estás orgulloso?’ No. Creo que soy un idiota por hacer eso. ¿Estoy orgulloso de haberme hecho pedazos? Claro que no”, concluye.
Damien, interpretado por el joven Harvey Stephens, era la siniestra presencia de La profecía, el clásico de hace 50 años dirigido con mano maestra por Richard Donner, entonces conocido por realizar episodios de la serie Kojak, a partir de un guion igualmente extraordinario escrito por David Seltzer que creó toda una mitología sobre la llegada del Anticristo.
Trataba sobre el hijo de Satanás (y una chacal), criado en el seno de un matrimonio influyente en la política, en sus primeros años por un veterano embajador, interpretado por un Gregory Peck que, contra todo pronóstico, aceptó el papel para superar el trauma del suicido de su hijo Jonathan a finales de junio de 1975, Por su parte, la también siempre estupenda Lee Remick encarnaba a su esposa.
En principio, no resultaría excepcional saber de posibles fenómenos sobrenaturales que rodean la gestación de un filme de terror. Suelen funcionar de maravilla como campaña de promoción. Pero el caso de La profecía es el más llamativo e interesante, como si de alguna manera se hubiera invocado a fuerzas malignas. Es la película que tiene más historias que contar al respecto e incluso un reguero de muertes horripilantes.
Pese a que ninguna de ellas afectó al equipo artístico o técnico (bueno, excepto en un caso), darán qué pensar a más de uno que quizás el Diablo podría haber estado presente como un tenebroso integrante más del equipo de rodaje. Y, para ir poniéndonos en alerta, empecemos por unas cuantas, llamémosle, "casualidades".
En septiembre de 1975, el avión en el que viajaba Gregory Peck a Londres fue alcanzado por un rayo sin causar incidencias fatídicas. Poco después, le ocurrió lo mismo al avión en que viajaba a Los Ángeles el productor ejecutivo Mace Neufeld, y otro más en el del guionista David Seltzer. Y, durante el rodaje en Roma, también un rayo a punto estuvo directamente de alcanzar al productor Harvey Bernhard.
Cosas de los fenómenos meteorológicos. Aunque en la película una de las muertes se producía con una tormenta repentina y un pararrayos partido por la mitad, cayendo y empalando a un sacerdote.
En el siguiente apartado pasaremos de puntillas, porque tentar a la suerte es ir a rodar a Londres durante una oleada de atentados terroristas con explosivos del IRA, y algunos pillando muy de cerca a director y productores. Todo esto entraría en lo que podría ser "normal", dadas las circunstancias. Pero, a partir de aquí, pondremos el macabro contador a cero para las muertes que siguen.
Y llega la primera muerte. Se utilizaron varios animales durante el rodaje. Destacan los rottweilers que representaban a los perros del infierno, y no fue nada normal que a menudo se rebelaran contra sus propios cuidadores, incluso hiriendo gravemente al doble de acción Terry Walsh.
En la visita a un parque safari del pequeño Damien junto a su madre (no biológica, aunque ella ni lo supiera), los babuinos se mostraron más agresivos de lo habitual. El pánico que siente Lee Remick encerrada en su escena en el coche era más real de lo esperado.
Pero la tragedia no tardó en llegar. Según quien lo cuente, el segundo día de rodaje con las escenas de los babuinos, parece ser que uno de los guardias de seguridad del parque debió dejarse unas jaulas abiertas. Un fatal descuido que le costó la vida. Murió entre las fauces de dos leones (o de un tigre, según otras versiones). ¿Coincidencia? Sea como fuere, el fatal desenlace quedó para siembre ligado a la maldición de La profecía.
Otra casualidad aún más aciaga tuvo lugar en un pequeño aeropuerto. Una escena en la que debía intervenir Gregory Peck fue cancelada a última hora por lo que el jet privado alquilado para trasladarlo ya no era necesario. La compañía les pidió permiso para alquilarlo a otras personas, y el destino final fue que el aparato chocó contra una bandada de pájaros y perdió altura.
En el accidente murió el piloto y un número indeterminado de "hombres de negocios" que supuestamente le acompañaban. La mala suerte no acabó allí. Al salirse de su ruta y descender, el avión impactó contra un coche. En el interior viajaban la esposa e hijos del piloto. Todos fallecieron.
Como las informaciones no permiten precisar si el piloto viajaba solo o acompañado de otras personas, el funesto medidor ya contabiliza al menos 5 muertes seguras. Y la sexta es la más impactante y escabrosa, la de Liz Moore.
Moore era la asistenta y novia del maestro en efectos visuales John Richardson, cuyo currículum incluye desde Aliens, su único Oscar, a películas de James Bond y Harry Potter. La profecía se estrenó en Estados Unidos el 25 de junio de 1976 y, unas semanas después, un viernes 13 de agosto, John y su pareja se encontraban en los Países Bajos para trabajar en el rodaje de la superproducción bélica Un puente muy lejano.
El coche en el que viajaban sufrió un choque frontal del que Richardson salió casi ileso, pero su pareja murió al instante decapitada por un neumático que impactó contra el vehículo. La noticia adquiere una dimensión más sobrecogedora si tenemos en cuenta que Richardson fue quien diseñó la muerte más impresionante y recordada de la película, una escena de decapitación provocada por una lámina de cristal que se deslizaba de un camión.
Otro dato que añade un plus terrorífico es que el accidente tuvo lugar cerca de un cartel indicando que Lieja quedaba a 66,6 kilómetros de distancia. Así lo explica el productor y autor de la idea original Harvey Bernhard en ¿Maldición o coincidencia?, uno de los extras del Blu-ray de la película. En cambio, otras versiones, tal vez para darle más morbo, se decantan por mencionar que era la ciudad también neerlandesa de Ommen la que figuraba en el rótulo. El "666" era el número de la Bestia que popularizó el filme, y The Omen el título original en inglés.
La profecía es una de la mejores películas de terror de la historia, y al igual que El exorcista, con la que fue frecuentemente comparada, realizada por un gran estudio, 20th Century Fox. Y, sin querer restarle ni un ápice de mérito a la caracterización de Linda Blair, el Damien de Harvey Stephens no necesita de maquillaje ni truco alguno para aparecer siniestro. Le bastaba con una leve y maligna sonrisa.
Por lo demás, a ver quién se atreve a verla solo en la oscuridad potenciada por la música, y ese espeluznante Ave Satani, el estremecedor tema coral y litúrgico más bien propio de una misa negra, infalible para poner los pelos de punta incluso al más valiente y que le valió su único Oscar al 18 veces nominado gran compositor Jerry Goldsmith.
Y, a todo esto, ¿qué fue de ese niño de sonrisa mefistofélica? Harvey Stephens participó en 1980 en un telefilme titulado Gauguin, el salvaje, y luego se retiró de los rodajes. Pasó de gestionar una empresa de seguridad al sector inmobiliario, que es a lo que se dedica actualmente. Aún así, en el remake de 2006 de La profecía tuvo un cameo como periodista.
Nada hay más taquillero que una cárcel. Netflix, adepta y adicta a los true crime, lo sabe bien. Por eso, este 21 de octubre llega a Netflix España El experimento de la cárcel de Stanford: Un nuevo enfoque, documental de título no precisamente sintético que, para los que sepan de lo que habla, es una golosina siniestra.
El experimento de la cárcel de Stanford es una de las investigaciones psicológicas que más conversación han generado. Se ha puesto como ejemplo para bien, para mal y para muy mal. Se admira la idea que la inspiró y se aborrecen los resultados o, al menos, la puesta en práctica y deriva del experimento. Pero empecemos por el final.
Este documental de Netflix intenta darle una segunda oportunidad a la teoría de que el cambio de roles perpetúa las dinámicas sociales: en 1971, un sociólogo llamado Philip Zimbardo reclutó a alumnos universitarios y los introdujo en una cárcel, asignándoles aleatoriamente los papeles de carceleros y presos. Pretendía ver hasta qué punto era sostenible el reparto y el nuevo contexto. Y lo comprobó muy a su pesar.
Solo seis días duró el experimento, pese a que se buscaba un mantenimiento a medio e incluso largo plazo. Philip Zimbardo creía que necesitaría tiempo para formarse una opinión sobre unas relaciones a priori simuladas. El sociólogo suponía que a los presos y a los carceleros le llevaría bastante asumir sus papeles recién escogidos. No fue así.
Zimbardo se basó en la película de Paul Newman La leyenda del indomable para diseñar los uniformes de los guardias: porras y gafas que impedían el contacto visual. Prácticamente robóticos. Zimbardo solo les puso un reparo a los universitarios que eligió como guardias: les prohibía la violencia física. Y nada más.
Todo saltó pronto por los aires cuando hasta la única norma fue rota y los guardias comenzaron a ser sádicos con unos prisioneros que respondieron y, como consecuencia, se produjo un motín. Este fue sofocado y se separaron arbitrariamente a los presos en dos grupos, generando la idea entre estos de que había informantes de los guardias.
El maltrato a los presos se incrementó: se impidió que se duchasen, se los insultaba y por la noche se les dieron palizas, creyendo los guardias que las cámaras dejaban de funcionar al apagarse las luces. Uno de los prisioneros inició una huelga de hambre que atrajo a la prensa, y un periodista que desconocía que los presos y guardias no eran tales denunció el estado de la cárcel. Zimbardo tuvo que cancelar el experimento, para enfado de los guardias, que querían continuar en un puesto que ya habían asumido como suyo.
Los zombis siempre salen de sus tumbas por estas fechas: deben estar listos para Halloween. Prime Video estrenó en 2024 Apocalipsis Z: El principio del fin, subtítulo que prometía una secuela. Y ha llegado por fin: este 30 de octubre, llega al catálogo de Prime Video en España la película Apocalipsis Z: Nuevo Mundo.
Dirigida por Carles Torrens y guionizada por Ángel Aguado, que se encargaron de Apocalipsis Z: El principio del fin, esta película de 95 minutos (algo menos que su predecesora) emprende una renovación parcial del elenco. Si la anterior tenía al frente a Francisco Ortiz y Berta Vázquez, el primero desaparece en Nuevo Mundo y la segunda da un paso atrás. Su lugar es ocupado por el mexicano José María Yazpik (secundario en El principio del fin) y por Carlos Alcaide, que se estrena en Apocalipsis Z. También lo hace Mónica López o Julia Martínez.
Apocalipsis Z se basa en la saga de novelas de Manel Louirero. No obstante, Nuevo Mundo supone una ruptura con la colección literaria, ya que si bien El principio del fin, desde el título, era fiel a la primera entrega; Nuevo mundo propone un camino propio. No hay un Nuevo Mundo en la saga de Louirero (seguida por Los días oscuros y finiquitada con La ira de los justos), lo que pone de manifiesto la libertad de esta película y que, quizá, sea la última. O que la franquicia no tenga que acabarse en su siguiente secuela.
Si el mundo está sumido en un apocalipsis zombie, ¿por qué no irse a las Canarias? Se encuentran lo suficientemente lejos del continente como para que los monstruitos tarden en llegar. Y si llegan, morirse en las Canarias está mejor que en varios puntos de la península. Ese parece ser el punto de partida de Nuevo Mundo, ya que las islas se han transformado en un edén antizombis tras el nefasto brote del virus TSJ.
Roberto (Carlos Alcaide) capitanea una expedición hacia la España peninsular con el propósito de pertrecharse de recursos. Esto devuelve a Roberto y a los suyos a la truculenta realidad en la que viven los demás españoles. Su objetivo militar se ve sustituido por otro cuando el miedo a morir entra en avalancha: ¿merece la pena mirar por los demás cuando hay varios cadáveres llamando a tu puerta?
Sin duda, 2026 ha sido el año de Zendaya. También de Anne Hathaway, pero centrémonos en Zendaya y en todas las películas que ha estrenado.
Al margen de la tercera temporada de Euphoria (que no tuvo grandes críticas pero concentró todas las miradas), la actriz ha ido encadenando éxitos de crítica y público a un ritmo amedrentador. Primero fue El drama junto a Robert Pattinson. Luego vino La Odisea (donde también estaba Robert Pattinson). Luego Spider-Man: Brand New Day (donde estaba su pareja Tom Holland, quien a su vez participaba en La Odisea), y por último llegaría Dune: Parte Tres estas Navidades. Donde volvería a cruzarse con Robert Pattinson, por tercera vez. Es un año peculiar.
Un año, en fin, que ha reforzado a Zendaya como gran estrella de su generación, mientras prepara con cuidado sus siguientes pasos. La idea entonces es que el año que viene protagonice Be My Baby de Barry Jenkins interpretando a la cantante Ronnie Spector, a la vez que pone voz a la hija de Shrek en la quinta parte que estrena DreamWorks el año que viene. Y eso no es todo: según Hollywood Reporter, la actriz de Rivales acaba de confirmar su presencia al frente de lo nuevo de Alex Garland.
Garland tampoco necesita presentación, e igualmente es alguien que ha estado de lo más ocupado en los últimos años. Al margen de su labor como guionista en el relanzamiento de 28 años días después (con una trilogía, 28 años después, que aún tiene pendiente la tercera parte), Garland ha ido estrenando Men, Civil War y Warfare. Todas con A24, a productora independiente que asimismo se ha quedado cerca de Zendaya, auspiciando tanto Euphoria como El drama como la próxima Be My Baby.
En algún punto Zendaya y Garland tenían que cruzar sus caminos. Una vez Garland concluya el rodaje de Elden Ring (adaptación del videojuego homónimo que también produce A24), el plan es que Zendaya protagonice su siguiente film: una historia original de ciencia ficción de la que no han trascendido detalles más allá de la presencia de Zendaya y de que la idea es rodarla en 2027. Es probable que, cuando se estrene finalmente, ambos ya hayan acumulado muchos más proyectos en la agenda.
Es de lo más extraño que se estrene una secuela de Érase una vez en Hollywood centrada en uno de sus personajes principales, Cliff Booth, y que no la dirija Quentin Tarantino. De hecho la dirige David Fincher a partir de su guion, con Netflix haciéndose cargo de la dirección.
Pero es más extraño aún que, mientras Las nuevas desventuras de Cliff Booth está a punto de estrenarse, Tarantino no se esté dedicando a una nueva película como director (la que sería la décima, y por tanto la última según no deja de decir), sino a una obra de teatro.
Así es: Tarantino va a debutar en este medio como dramaturgo, habiendo desarrollado un proyecto que lleva como título The Popinjay Cavalier (algo así como El caballero fanfarrón) y que desde que empezamos a saber de él tuvo la ambición de estrenarse en el West End de Londres.
Esto es, la meca del teatro y el musical europeo, donde Tarantino ha podido finalmente escoger sala y fecha: The Popinjay Cavalier, según acabamos de saber, debutará en el Phoenix Theatre, con una premiere programada para el 18 de marzo de 2027.
Habrá funciones previas desde el 23 de febrero, y la idea es que se extiendan hasta el 13 de junio. “Estoy deseando ofrecer al West End una noche inolvidable”, declara Tarantino. Como ya trascendió hace tiempo, el protagonista de The Popinjay Cavalier (¿el caballero fanfarrón del título?) es Sacha Baron Cohen, que hoy se dispone a estrenar una nueva película de uno de sus personajes fetiche: Ali G, en Ali G: Kien es yo?
El también creador de Borat no podía sentirse más honrado por el fichaje de Tarantino: “Dije que sí antes incluso de que llegara a soltar su primer ‘hijo de puta’. Cuando te llama el mejor director del mundo, no haces preguntas”, declaró. “Estoy más que encantado de que vayamos a perder juntos nuestra ‘virginidad’ en el West End. Le he hecho prometer que no se andará con miramientos”.
The Popinjay Cavalier se ambienta en Europa, en 1830. Se trata de “una desenfrenada comedia de capa y espada sobre el engaño y el disfraz, inspirada en las grandes epopeyas de capa y espada del teatro y la gran pantalla”. Como por otra parte es habitual en Tarantino, lo relevante del proyecto no es tanto el argumento como sus variopintas inspiraciones:
“Una grandiosa celebración del teatro y su romanticismo exacerbado, narrada con el estilo característico de Tarantino y su inconfundible ingenio, The Popinjay Cavalier se inspira en el género clásico de las películas de capa y espada del viejo Hollywood, incluyendo las obras de George Bruce, Ernst Vajda y Jesse Lasky Jr.”, leemos en la descripción.
Las entradas para The Popinjay Cavalier saldrán a la venta el próximo lunes, con precios a partir de 25 libras (unos 30 euros). Sony está detrás de la producción, y si la obra tiene éxito (y Tarantino deja de preocuparse por lo de las 10 películas) no es descabellado que The Popinjay Cavalier pueda saltar próximamente al cine. Ya está publicado por lo demás un póster conceptual de la obra, confirmando su aire vintage.
Es un clásico de Brian de Palma, pero hubo un tiempo en que Atrapado por su pasado (1993), el thriller criminal protagonizado por Al Pacino, pudo ser un éxito de Abel Ferrara (Bronx, Nueva York, 75 años). A principios de los noventa el legendario director llevaba un año ensayando con Al Pacino cuando apareció un guionista nuevo. Semanas después, Tom Pollock, jefe de Universal, le llamó aparte durante una cena en un restaurante de Cannes para hablarle de otra nueva versión del guion, lo cual a Ferrara le pareció una tomadura de pelo. Dejó su botella de vino blanco en la mesa de Pollock antes de ir a hablar con él, y al volver la cogió y se la metió dentro de la chaqueta, por esa costumbre neoyorquina de esconder el alcohol al salir a la calle. A los pocos días, le despidieron: alguien fue contando que le había robado una botella a Pollock.
© Ernesto Ruscio (Getty Images)
US measles outbreak reaches 4,410 cases in 2026, with Pennsylvania hit hardest as health officials urge families to complete MMR vaccination.
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The US measles outbreak has reached 4,410 confirmed cases in 2026, according to the Centers for Disease Control and Prevention, known as the CDC.
The figure is more than double the total recorded during all of 2025 and represents the country’s highest level of measles transmission since 1991.
The CDC said the cases had been reported across 45 states and Washington, D.C. as of October 15. The agency also reported 451 hospitalizations, equivalent to approximately 10 percent of confirmed infections.
Health officials say the outbreak reflects a sustained decline in vaccination coverage across the country. Measles is one of the most contagious viruses known to medicine, and communities with low immunization rates are especially vulnerable to rapid transmission.
The CDC has deployed specialists from its Epidemic Intelligence Service to support contact tracing, community containment and local public-health responses in the most affected areas.
The agency has urged residents in outbreak zones to ensure that they have received the two recommended doses of the measles, mumps and rubella vaccine, known as the MMR vaccine.
The vaccine is considered highly effective and has been used for decades to prevent measles, a disease that can cause pneumonia, brain inflammation, permanent disability and death.
The current outbreak has exposed the consequences of declining immunization rates, vaccine misinformation and the weakening of public-health infrastructure in several US communities.
CDC measles surveillance | Pennsylvania Department of Health
Pennsylvania has become the epicenter of the US measles outbreak, with 1,260 confirmed cases across 43 counties.
The state has reported 238 hospitalizations and five measles-related deaths, according to the Pennsylvania Department of Health.
Pennsylvania’s outbreak has grown rapidly. The state reported only 106 cases in 2025, meaning the current total represents an increase of more than ten times compared with last year.
Health officials have described the situation as the most severe measles emergency in the United States and have intensified contact tracing, isolation measures and vaccination campaigns.
South Carolina has reported the second-highest number of cases, with 670 infections. The state has recorded 67 hospitalizations and no confirmed deaths.
Utah follows with 535 cases, including 53 hospitalizations and no reported deaths.
Wisconsin has recorded 256 cases, 25 hospitalizations and no deaths. Texas has reported 192 cases, 19 hospitalizations and no deaths.
New York has recorded 103 cases when state and New York City figures are combined. The state has reported 10 hospitalizations and no deaths.
The CDC said children and adolescents between the ages of 5 and 19 account for 42 percent of infections, or 1,856 cases.
Adults over the age of 20 account for approximately 40 percent of cases, while children under five represent about 17 percent.
The distribution shows that measles is affecting people across all age groups, although unvaccinated children remain particularly vulnerable.
The CDC reported that 96 percent of patients had no documented record of MMR vaccination. The figure highlights the central role of immunization gaps in the spread of the virus.
Measles can spread through the air when an infected person coughs, sneezes or breathes. The virus can remain infectious in the air and on surfaces for up to two hours after an infected person leaves an area.
A person with measles can transmit the virus to as many as 12 to 18 people who are not immune. That makes measles one of the most transmissible infectious diseases in the world.
Symptoms usually begin with fever, cough, runny nose, red eyes and a sore throat. A rash typically appears several days later, beginning on the face and spreading to the rest of the body.
Complications can include ear infections, diarrhea, pneumonia, encephalitis and long-term neurological damage. Young children, pregnant women and people with weakened immune systems face the greatest risk.
Pan American Health Organization | World Health Organization—Measles
The resurgence of the US measles outbreak is being driven by declining vaccination coverage and the accumulation of susceptible people in communities across the country.
The United States declared measles eliminated in 2000 after achieving sustained reductions in domestic transmission. The designation meant that the virus was no longer circulating continuously within the country.
That achievement depended on high vaccination coverage, strong surveillance systems and rapid responses to imported cases.
However, the number of nonmedical school exemptions has increased in recent years. Some families have declined vaccination because of religious beliefs, personal objections or distrust of public-health institutions.
Anti-vaccine groups have also spread misinformation about the MMR vaccine, including false claims linking it to autism. Scientific studies have repeatedly found no credible evidence supporting that claim.
The decline in trust has left some communities below the threshold needed for herd immunity.
Health experts say that at least 95 percent of a community must be immune to prevent sustained transmission of measles. The threshold is higher than for many other vaccine-preventable diseases because measles is so contagious.
When coverage falls below that level, imported cases can quickly trigger outbreaks, particularly among children who have not been vaccinated.
The CDC has reported that 18 of this year’s cases involved international visitors to the United States. Imported infections can introduce the virus into communities with low immunity and lead to extensive local transmission.
The outbreak has also raised concerns about the country’s measles-elimination status. If transmission continues for more than 12 consecutive months, the United States could lose the designation it achieved in 2000.
The Pan American Health Organization, known as PAHO, has warned that the risk of measles transmission across the Americas is very high.
The organization reported that the region had recorded its highest number of confirmed measles cases in 22 years. As of epidemiological week 28, countries and territories in the Americas had reported 47,459 confirmed cases.[paho]
PAHO said the increase was linked to ongoing outbreaks, low vaccination coverage, accumulated immunity gaps and greater population mobility associated with international travel and mass gatherings.
The organization has urged countries to strengthen routine vaccination, improve surveillance and respond rapidly to suspected cases.
PAHO has also warned that declining immunization rates threaten the protection achieved over previous decades and could expose communities to repeated health crises.
The organization has called on governments to ensure that vaccines are available, accessible and trusted by local communities.
The US measles outbreak has implications beyond public health because it reflects the weakening of international cooperation against vaccine-preventable diseases.
Measles does not respect borders. A single infected traveler can introduce the virus into a country or region with low immunization coverage.
The outbreak in the United States could affect travel, schools, workplaces and health systems in neighboring countries. Canada, Mexico and other nations in the Americas have already reported significant increases in measles cases.
PAHO has urged countries to coordinate surveillance and share information to prevent further regional spread.
The crisis also highlights the political consequences of vaccine misinformation. Public trust in health institutions has declined in many countries, making it harder for authorities to promote vaccination campaigns.
The United States has faced growing resistance to routine immunization, particularly in communities where political polarization has influenced attitudes toward public-health measures.
The current outbreak could force federal, state and local authorities to strengthen vaccination requirements, improve access to clinics and invest in community outreach.
Health experts say the response must combine vaccination with accurate information, accessible healthcare and support for families who have questions about vaccines.
The immediate priority is to increase MMR coverage in affected communities and prevent further hospitalizations and deaths.
The CDC has emphasized that two doses of the MMR vaccine provide long-lasting protection and are essential for preventing severe disease.
The current outbreak demonstrates that measles can return quickly when immunization coverage weakens. Restoring herd immunity will require coordinated action by federal agencies, state governments, healthcare providers and local communities.
Las cosas parecen estar más o menos en orden en DC, aún fresco el fracaso de Supergirl pero con la buena acogida de Linternas y las reacciones positivas a Clayface como correctivo.
Es una calma relativa que en cualquier caso contrasta con la antigua continuidad, cuando Zack Snyder ponía la primera piedra con El hombre de acero y a partir de ahí iban sucediendo las situaciones rocambolescas. Una serie de episodios que posiblemente Joe Manganiello haya sufrido en especial, vinculado al personaje de Deathstroke desde hace años.
Deathstroke es un popular villano de Batman que por ahora en el cine no ha tenido mucha presencia más allá de Teen Titans Go! La película, una producción animada de 2018. Por entonces este actor ya había sido vinculado a este cazarrecompensas, y de hecho llegó a aparecer en una escena poscréditos de Liga de la Justicia.
La idea de la directiva era entonces que en algún punto Manganiello llegara a enfrentarse abiertamente con el Batman de Ben Affleck, pero así como recientemente este actor hablaba de lo difícil que había sido su experiencia en DC, ahora es Manganiello quien se sincera sobre la misma.
Y suena bastante traumatizado. Manganiello, a quien veremos en breve interpretando a Sir Crocodile en la serie de acción real de One Piece, ha hablado sobre el asunto con el youtuber Rich Roll: “Batman se canceló y yo nunca… bueno, pude volver a interpretar al personaje durante unos dos minutos en el rodaje adicional”.
Manganiello se refiere a la película de Batman que Affleck habría dirigido y protagonizado poco después de Liga de la Justicia, y que nunca llegó a hacerse. “Durante los seis años siguientes no pararon de llover proyectos y llamadas a mi agente, una tras otra, diciendo ‘sí, usarán a tu personaje para esto, vas a salir en esto otro’. ‘Vas a ser el villano de Aquaman 2. Vas a salir en Escuadrón suicida 2 con este director. No, con este otro. No, tú contra Will Smith. Ah, va a ser una película independiente”.
Un revoltijo de anuncios y proyectos que no se suspendió definitivamente hasta que, llegado 2023, James Gunn y Peter Safran se hicieron con las riendas del estudio. “¿Tengo suerte o mala suerte? Tengo suerte de haber conseguido este papel, pero en aquel momento me sentí con mala suerte porque me dieron ese proyecto que luego se canceló y esfumó”, concluye.
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