Tamara Falcó vuelve a demostrar que no hace falta recurrir a las grandes firmas de lujo para construir un estilismo sofisticado. La marquesa de Griñón participó este jueves en la tertulia de actualidad de ‘El Hormiguero’, su cita habitual de cada semana, y lo hizo con un conjunto que reúne algunas de las tendencias más favorecedoras de la temporada. En esta ocasión, ha dejado a un lado los vestidos de diseñador para apostar por un dos piezas de Sfera en color tostado que, a primera vista, parece un vestido de una sola pieza.
Con una silueta fluida, un delicado juego de drapeados y una falda de largo midi, la propuesta destaca por su estética minimalista y por ese aire de lujo silencioso que continúa marcando buena parte de las tendencias de otoño. Un estilismo que funciona tanto para una jornada de trabajo como para una cena especial y que, además, tiene un precio mucho más accesible de lo que podría parecer.
El conjunto de Sfera de Tamara Falcó que parece un vestido de diseñador
La clave del estilismo está en la combinación de dos prendas que comparten tonalidad y lenguaje estético. Por un lado, un cuerpo drapeado de manga corta y cuello subido, con pliegues diagonales que recorren la parte delantera y aportan movimiento al diseño. Su silueta ligeramente estructurada y el ajuste en la cintura consiguen un efecto especialmente favorecedor, mientras que el cierre posterior mediante botón completa una propuesta de líneas depuradas.
La segunda pieza es una falda midi asimétrica que incorpora una cintura elástica y una caída fluida. Su diseño juega con los diferentes largos y los pliegues de tejido, creando un movimiento que rompe con la sobriedad del conjunto sin necesidad de estampados ni adornos.
El resultado es un estilismo monocromático que consigue el efecto visual de un vestido gracias a la continuidad del color y a la combinación de los drapeados. Tamara lo ha acompañado de unas sandalias de tacón en un tono neutro, dejando todo el protagonismo a la silueta.
La falda de 35,99 euros que convierte el look de Tamara Falcó en una inspiración de otoño
Uno de los grandes atractivos de esta elección está en su precio. La falda, que Sfera comercializa bajo el nombre de ‘Falda asimétrica set’, cuesta 35,99 euros y está disponible en color tostado, con la referencia 56261802849. Está confeccionada en una mezcla de poliéster y elastano que aporta elasticidad al tejido y favorece su caída.
Por su parte, el cuerpo a juego, denominado ‘Cuerpo drapeado set’, corresponde a la referencia 56261101218 y figura agotado en la tienda online de la firma. Su cuello subido y el drapeado delantero son precisamente los detalles que elevan el conjunto y le confieren esa apariencia de diseño mucho más exclusivo.
Más allá de llevar ambas piezas juntas, la elección de Tamara Falcó demuestra las posibilidades de los conjuntos coordinados. La falda puede combinarse con un jersey de punto fino y botas altas para los días más fríos, mientras que el cuerpo funcionaría con unos pantalones de sastre o una falda recta.
Una propuesta que encaja con la estética discreta y sofisticada que caracteriza el armario de la marquesa de Griñón y que convierte un sencillo conjunto de Sfera en una de esas inspiraciones fáciles de adaptar a los estilismos de otoño.
Las joyas de las Casas Reales son mucho más que un complemento. Algunas guardan historias familiares, atraviesan generaciones y adquieren un significado especial cuando pasan de unas manos a otras. Así ha ocurrido con la Princesa Ingrid Alexandra de Noruega, que ha protagonizado una de sus apariciones más significativas al escoger una histórica tiara del joyero de su abuela, la Reina Sonia, para asistir a un solemne banquete en el Palacio Real de Oslo.
La hija de los Príncipes Haakon y Mette-Marit ha participado en su primera cena de gala desde que su padre asumió el trono como Haakon VIII. Una velada celebrada para dar la bienvenida a los miembros del Gobierno noruego y en la que también ha destacado la ausencia de su madre, que continúa recuperándose de su reciente trasplante de pulmón.
Para esta ocasión, Ingrid Alexandra ha dejado a un lado la tiara Boucheron de perlas y círculos que recibió como regalo por su 18 cumpleaños y que había lucido hasta ahora en sus grandes citas oficiales. En su lugar, ha elegido una pieza de amatistas con décadas de historia dentro de la Familia Real noruega.
La histórica tiara de amatistas que Ingrid de Noruega luce por primera vez
La gran protagonista de su estilismo ha sido la tiara de amatistas, una de las joyas más reconocibles de la colección de la Reina Sonia. Se trata de una pieza formada por piedras de tonalidad violeta, engastadas en una delicada estructura que permite lucirlas sobre la cabeza.
Su particularidad reside en que originalmente es un collar que puede transformarse en tiara gracias a una montura especial. Forma parte de un conjunto de joyas que incluye pendientes, anillo, broche y dos pulseras, estas últimas capaces de unirse para formar otro collar.
Aunque su origen exacto no está confirmado oficialmente, una de las versiones más extendidas apunta a que fue un regalo del Rey Harald V a la Reina Sonia, posiblemente con motivo de su 60 cumpleaños, en 1997.
A lo largo de los años, la pieza ha sido utilizada por distintas mujeres de la Familia Real. Además de la Reina Sonia, también la han llevado la Princesa Marta Luisa y Mette-Marit, quien la estrenó durante las celebraciones de la boda de Federico y Mary de Dinamarca.
La propia Ingrid Alexandra ya había lucido anteriormente un broche perteneciente a este conjunto durante el banquete por su 18 cumpleaños, en 2022. Sin embargo, esta es la primera ocasión en la que ha llevado la tiara, marcando una nueva etapa en su relación con las joyas familiares.
Un vestido morado de escote asimétrico y guantes blancos para su gran noche en Oslo
La elección de la tiara no ha sido el único detalle destacado del estilismo de Ingrid Alexandra. La Princesa ha apostado por un vestido largo de color morado oscuro, una tonalidad que combina con las amatistas de la joya.
El diseño presenta un original escote asimétrico, con uno de los hombros al descubierto y el otro cubierto por un tirante ancho que cruza el pecho. El tejido, de apariencia ligera y delicadamente plisado, se adapta a la silueta en la parte superior y cae con fluidez hasta el suelo.
Como complemento, ha incorporado unos largos guantes blancos de ópera, creando un contraste cromático con el vestido y aportando un aire clásico al conjunto. También ha lucido pendientes, pulsera y anillo, además de las condecoraciones correspondientes al protocolo de la velada. En cuanto al peinado, Ingrid Alexandra ha elegido un semirrecogido con raya central que deja parte de su melena suelta, una opción que permite apreciar la tiara sin restarle protagonismo.
Una imagen de gran solemnidad con la que la Princesa ha dado un paso más en su nueva posición dentro de la monarquía noruega. Y lo ha hecho recuperando una de las joyas más especiales de su familia, demostrando cómo las piezas históricas siguen formando parte del presente de las nuevas generaciones reales.
Rosalía ha vuelto a demostrar que la moda ocupa un lugar protagonista en cada una de sus apariciones públicas. La cantante catalana ha sido una de las grandes protagonistas de los Premios Billboard de la Música Latina 2026, celebrados este jueves 22 de octubre en Miami, donde ha recibido el prestigioso Premio Billboard Salón de la Fama. Una noche especialmente significativa para su trayectoria musical que también ha dejado tres estilismos con los que ha reivindicado su faceta más atrevida y su estrecha relación con las grandes casas de moda internacionales.
Para esta ocasión, la catalana ha apostado por dos propuestas completamente negras, pero con personalidades diferentes. Primero, un conjunto de sastrería de Tom Ford firmado por Haider Ackermann, con el abdomen al descubierto y una silueta que juega con los códigos masculinos y femeninos. Después, para recoger su galardón, ha cambiado de registro con un vestido de Givenchy cubierto de destellos y flecos, convirtiendo el escenario en su particular pasarela.
Dos elecciones que comparten un detalle: ambas pertenecen a las colecciones primavera-verano 2027, recién presentadas sobre las pasarelas internacionales.
Rosalía apuesta por la sastrería más atrevida de Tom Ford para la alfombra azul
Para su llegada a los Premios Billboard de la Música Latina, Rosalía ha escogido el look número 49 de la colección primavera-verano 2027 de Tom Ford, diseñada por Haider Ackermann. Una propuesta que reinterpreta el tradicional traje de chaqueta y lo transforma en un conjunto de marcada sensualidad.
El estilismo está compuesto por una americana negra de hombros estructurados, solapas clásicas y corte ligeramente oversize, que la artista ha llevado abierta para dejar a la vista un pequeño top negro de inspiración lencera.
La parte inferior es uno de los elementos más llamativos del conjunto. Se trata de una falda larga de acabado satinado, con una silueta ajustada en la cadera que se prolonga hasta el suelo y forma una pequeña cola. Su diseño incorpora una abertura frontal en la cintura y una fina tira negra que cruza la zona de la cadera, dejando buena parte del abdomen al descubierto.
El resultado es una interpretación contemporánea de la sastrería, en la que las líneas arquitectónicas de la americana contrastan con la fluidez del tejido de la falda y los detalles de inspiración lencera.
Rosalía ha completado el estilismo con el cabello recogido en un moño alto, algunos mechones sueltos alrededor del rostro y un maquillaje protagonizado por los labios en tonos rojizos. Una elección de belleza que ha permitido ceder todo el protagonismo a las formas y los cortes del conjunto.
El vestido de Givenchy con flecos y brillos con el que ha recogido su premio
Si su primera aparición ha estado marcada por la sastrería, su segundo look ha sido una apuesta por el brillo y el movimiento. Para subir al escenario y recoger el Premio Billboard Salón de la Fama, Rosalía ha elegido un vestido de la colección primavera-verano 2027 de Givenchy, concretamente el look número 49 de su desfile.
Se trata de un diseño negro de tirantes finos y escote recto, con una silueta ajustada que se adapta al cuerpo y una superficie cubierta de pequeños destellos que reflejan la luz.
Sin embargo, el detalle más especial se encuentra en la parte inferior. El vestido incorpora largos flecos negros que caen desde la zona de las caderas y crean un efecto de movimiento, dejando entrever las piernas. Una combinación de texturas que aporta dinamismo al diseño y transforma una silueta aparentemente sencilla en una propuesta de gran impacto visual.
Para este segundo estilismo, la cantante también ha cambiado de peinado y ha lucido su melena suelta, con ondas naturales y volumen, aportando un aire más desenfadado al conjunto.
Rosalía apuesta por un tercer vestido negro con volantes para celebrar su premio Billboard
La noche todavía reservaba un tercer estilismo de Rosalía. Después de su apuesta por la sastrería de Tom Ford y el vestido de flecos de Givenchy, la cantante ha vuelto a cambiarse para celebrar su reconocimiento en los Premios Billboard de la Música Latina 2026.
En esta ocasión, ha elegido un vestido negro de silueta ajustada y escote palabra de honor, cuyo elemento más llamativo son los voluminosos volantes que rodean los hombros y el pecho. Un diseño de inspiración escultórica que juega con los contrastes entre la parte superior, de formas arquitectónicas, y la falda larga, mucho más sencilla y ceñida al cuerpo.
Rosalía ha completado este tercer look con el cabello semirrecogido, dejando caer su melena ondulada sobre uno de los hombros. Un estilismo con el que ha posado sonriente junto a sus galardones y ha puesto el broche final a una noche especialmente significativa para su carrera musical.
Con estos tres looks, Rosalía ha convertido una de las noches más importantes de su carrera en una nueva demostración de su conexión con la moda. Dos firmas, dos interpretaciones del negro y dos propuestas recién salidas de la pasarela con las que ha acompañado un reconocimiento a su trayectoria musical, reafirmando su posición como una de las artistas españolas con mayor proyección internacional.
Dulceida (Aida Domènech) es una de las influencers más reconocidas del sector. Desde sus inicios en los blogs hasta en su canal de YouTube hemos seguido su carrera en redes sociales hasta proclamarse una de las mejores vestidas de todos los tiempos. La razón de ello se basa en que la mayoría de sus estilismos son combinaciones de prendas de vestir que todos tenemos en el armario.
Por lo que se convierten en una fuente de inspiración para vestir en el día a día, así como se convierte en una creadora de contenido con un armario accesible. Más allá de sus vestidos de firmas de lujo o de creadores consolidados en el diseño, sobre el asfalto muestra sus looks casuales o urbanos a través de Instagram. Y esta vez se han convertido en protagonistas de este artículo. Este viernes, Dulceida cumple 27 años y estos son todos sus esenciales de otoño.
Camisas de cuadros
Esta temporada de otoño vuelven las camisas de cuadros (también conocidas como las camisas de leñador). Aunque se estén convirtiendo en una de las tendencias más fuertes, llevan completando el armario de Dulceida desde hace muchos años. Tanto para llevar como base del look, a modo de sobrecamisa o atada a la cintura como observamos en la siguiente imagen.
En muchas ocasiones no las lleva de manera al uso, sino que las convierte en una suma mucho más moderna y actual con el juego de las capas. Esta vez, la defendía con una camiseta gris básica junto con unas bermudas a la altura de las rodillas unas botas de caña alta.
Gabardinas
Si hay una pieza que no puede faltar en el vestidor de Dulceida son las gabardinas. Además de ser perfectas para la variación de las temperaturas, también son las responsables de completar un estilismo con un toque más desenfadado, pero sin perder la elegancia. A lo largo de las temporadas hemos conocido diferentes versiones en base a las tendencias del momento correspondiente.
Porque ahora le vemos en la siguiente imagen con un diseño de lo más clásico, pero también han habido otros más diferentes (como de corte corto o de efecto cuero). Su punto fuerte es que combina con absolutamente todo, tanto con la fórmula tradicional como otra más moderna: con pantalones capri, sandalias de tacón y jersey de punto amarillo.
Polos masculinos
Otra de las tendencias fuertes de este otoño son los polos masculinos. Desde hace varias temporadas también se han posicionado como uno de los esenciales de sus estilismos. Además de contar con diferentes diseños que se ajustan tanto a un estilo más urbano como a otro más sofisticado, también son perfectos a la temporada de entretiempo.
Una opción de lo más acertada cuando buscas una prenda más allá de una camiseta básica o de un jersey de punto. Una de las claves para llevarlos son con camisas masculinas, vaqueros rectos y botas de efecto arrugado como ha hecho Dulceida. Como observamos, se trata de una fórmula que podemos replicar con básicos de nuestro armario.
Americanas estructuradas
Podemos decir que las prendas de abrigo de entretiempo son los mejores aliados de Dulceida. Y ahora tenemos que hablar sobre las americanas, una de las piezas imprescindibles de muchos de los looks de la creadora de contenido.
A lo largo de su carrera hemos observado diferentes modelos, pero debemos destacar las estructuradas que favorecen el cuerpo y parecen sacados de un desfile de la Semana de la Moda. No se necesitan más accesorios o prendas llamativas para completar un estilismo perfecto tanto para ir a la oficina como para un evento o simplemente salir a la calle.
Chaquetas de cuero
Las chaquetas de cuero vuelven en cada temporada y Ducleida ya ha sacado sus favoritas. Desde que comenzó en su canal de YouTube siempre ha dejado claro que se trata de una de sus prendas más recurrentes y que encaja en cada uno de sus estilismos. Combina con un gran abanico de posibilidades y una de sus fórmulas más repetidas son con camiseta básica, vaqueros y botas de tacón.
Como observamos, se tratan de prendas de vestir sencillas y de toda la vida que muchos de nosotros tendremos en el vestidor. Por lo que si quieres inspirarte en sus fórmulas, hazte con estos imprescindibles que son perfectos para el entretiempo.
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«I limiti del mio linguaggio significano i limiti del mio mondo», scrive nel 1921 il filosofo Ludwig Wittgenstein nel suo Tractatus Logico-Philosophicus, proposizione 5.6: una frase breve, quasi una puntura di spillo nel velluto nero della logica, eppure sufficiente a far sanguinare un secolo intero. In Beate Skonare Karlsson, però, i limiti non sono soltanto linguistici. Sono muscolari, economici, scenografici, sociali, epidermici. Sono il punto in cui una modella cade e la moda, per una volta, non riesce a fingere di non aver visto. Sono il tacco che si spezza, la cucitura che cede, il pubblico che lancia rifiuti come una folla medievale con accesso al front row. Sono il corpo che smette di essere tempio e torna a essere incidente, animale, carne con una laurea breve in imbarazzo. Il limite, in Karlsson, non somiglia a una legge.
Somiglia a una sutura mal chiusa nel corpo del lusso: la passerella ci cammina sopra con aria innocente, ma basta un passo troppo sicuro perché la ferita si riapra. Non delimita soltanto uno spazio, lo rende sensibile. Entri nella moda convinto di conoscere il catechismo spettrale del defilé, quell’arte di camminare come se il mondo fosse stato stirato a vapore, e lei ti mostra che la grazia, spesso, è una ferita amministrata con buone maniere. Cadono le modelle. Si sfasciano i vestiti. Le scarpe diventano zampe, artigli, protesi di un bestiario scandinavo che ha letto Vogue e poi ha deciso di mordere il direttore marketing. Il pubblico viene trascinato dentro il rito: da spettatore a complice, da occhio a gesto. Beate nasce a Stoccolma nel 1995, ma non nella Svezia levigata, con il design in ordine e il trauma sotto un tappeto Ikea. Viene da una Scandinavia più carnale e nerissima, dove l’oggetto quotidiano può diventare creatura. Cresce fra musica, sorelle creative, piccoli mondi fabbricati a mano; a diciannove anni va a New York per Parsons, poi passa da Central Saint Martins, Coach e Pyer Moss. È lì che l’accessorio smette di essere orpello e diventa frase filosofica con una fibbia. Prima che Avavav diventi sinonimo di passerella che crolla ridendo, Karlsson lavora sulla mutazione: The Bum, replica indossabile in silicone del sedere di Kim Kardashian, e poi le chicken feet shoes indossate da Doja Cat, trasformano celebrity culture e anatomia in zoologia morale.
Avavav, collezione autunno/inverno 2026-27: maglione a rete geometrica
Quando nel 2020 entra nell’orbita di Avavav, marchio fiorentino nato prima di lei e poi reincarnato sotto la sua direzione creativa, trova il teatro ideale: scarti nobili, tessuti deadstock, artigianalità italiana, residui aristocratici del lusso da rianimare come spiritelli in sartoria. Firenze, ma dopo una seduta spiritica con TikTok. Avavav cerca libertà creativa, humour, entertainment, evoluzione del design. Karlsson la chiama creative playhouse, ma non è un parco giochi: è una clinica del contemporaneo con le giostre accese. «Credo che la moda abbia un rapporto complicato con i limiti», dice Karlsson. «Alcuni sono necessari, altri sono giustificati. Abitudini ereditate che non abbiamo messo abbastanza in discussione». Dentro questa frase educata c’è un’intera anatomia del sistema: calendario, produttività infinita, obbligo di mostrarsi, tic della rilevanza, devozione alla novità. Il limite da smascherare è quello che decide, in silenzio, come un designer debba esistere: produrre, mostrare, esibire, restare visibile senza sembrare esausto. «La libertà totale può essere paralizzante», aggiunge. Dunque non abolire ogni confine, gesto da adolescente con forbici e cattiva playlist, ma scegliere quelli che proteggono il lavoro e lasciar morire quelli che lo soffocano.
La prima grande soglia pubblica è Filthy Rich, primavera estate 2023. Le modelle cadono intenzionalmente, trasformando l’errore più temuto della passerella in grammatica. La caduta non è una gag. È un memento mori. È il capitalismo estetico che scopre la gravità, questa vecchia comunista. La moda, che vende verticalità si ritrova orizzontale, umana, sporca. Con Fake It Till You Break It non cedono più i corpi, cedono i vestiti. Top che si aprono, minigonne che franano, tacchi che si spezzano, set che collassa. Il lusso non teme il brutto, teme il difetto. Con No Time to Design, No Time to Explain il limite diventa tempo: contratti, fornitori, avvocati, ritardi, ansia, l’agenda che divora l’immaginazione con le posate da dessert. Karlsson lo dice senza ornamenti: il problema non è solo la velocità del ciclo moda, ma «la frammentazione del ruolo, soprattutto in un piccolo marchio. Non ti limiti a disegnare, fai tutto». Il sogno si trasforma in una contabilità del nervo. Poi arriva Thanks For Your Feedback. Sullo schermo scorrono commenti velenosi, il pubblico è invitato a lanciare spazzatura sulle modelle: bucce di banana, lattine, uova, cartacce. La sezione commenti diventa materia. Il like diventa braccio.
L’algoritmo trova finalmente un cassonetto. Qui il limite è etico. Karlsson lo formula con precisione: «Tutto si riduce al consenso e all’autonomia. Nessuno dovrebbe sentirsi intrappolato, esposto o spinto a fare qualcosa contro la propria volontà». E ancora: «Nel momento in cui qualcosa accade a spese di qualcuno, anziché con lui, il confine è superato». È questo che la salva dal cinismo: non addomestica la violenza che convoca, ma non finge che sia innocente. La vergogna, in questo teatro, è una corrente sotterranea. Karlsson non la tratta come jersey o pelle. La lascia affiorare, perché «ci sono tantissime cose che possono causare imbarazzo. È ovunque». L’imbarazzo è produttivo quando resta visibile per un momento, come una macchia su un abito costoso che improvvisamente lo rende più interessante del gala. Il lavoro, dice, forse serve a evitare «un crollo silenzioso». Meglio far cadere le cose fuori che lasciarle franare dentro. Nel 2025, con The Hole, la soglia si fa quasi sepolcrale. I modelli emergono da una fossa come cadaveri risorti, coperti di terra, sangue, stanchezza, mani scheletriche.
Avavav, felpa con cappuccio Shoulderless Hoodie, collezione autunno/inverno 2026-2026.
Il corpo non è tempio, ma scavo archeologico con pressione bassa. Il grottesco perde brillantezza pop e diventa grave, quasi tenero. È una moda che non finge salute eterna. Finalmente. Con Adidas, Karlsson ironizza sulla performance sportiva: High fashion, low performance, piccolo manifesto contro l’efficienza in sneaker costose e inutili per correre. Poi, con Soon on Sale, compie un gesto meno teatrale e forse più spietato: mette la collezione nell’aldilà commerciale della moda, l’outlet. Non più corpi caduti, abiti rotti, spazzatura. Qui la catastrofe è silenziosa: ha un’etichetta, una percentuale, un neon stanco sotto cui anche il desiderio sembra chiedere il rimborso. Il titolo è una bestemmia pronunciata con educazione. Invece di fingere che il nuovo nasca puro, Avavav lo mostra come se fosse già stato bocciato dal mercato. L’aura benjaminiana non muore solo quando l’opera viene copiata, ma quando viene scontata dell’80 per cento e appesa sotto una luce da supermercato depresso.
Un abito rosso di paillettes con la scritta 80% Sale sulla schienauna pugnalata perfetta fra gala e bancarella. Qui il limite diventa economico, ontologico: quando un vestito smette di essere desiderio e diventa avanzo? Il Minotauro del sistema moda non vive in un labirinto. Vive nei margini, nelle giacenze, nei resi, nelle percentuali innominabili. Nel 2026, con The Female Gaze, Karlsson ribalta il dispositivo: le modelle osservano, gli ospiti camminano. Il front row resta senza scudo. Alcuni attraversano lo spazio in fretta, dice lei, quasi volessero scendere dalla passerella prima di diventare se stessi. Altri rallentano, si offrono, si godono i quindici secondi di fama. Poi nasce «una sorta di silenzioso effetto domino». La moda, che vive guardando corpi, costringe il pubblico a diventare corpo guardato. Non ti spoglia. Ti osserva. È molto peggio. La viralità resta lì, coinquilina brillante e tossica. Karlsson non la insegue più: «La visibilità precede la struttura. Dall’esterno può sembrare crescita, ma internamente crea pressione». Il vero lavoro, ora, è costruire fondamenta, una squadra, un ritmo. Non essere più vista, ma reggere lo sguardo.
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Avavav è diventato famoso facendo rumore, ma il rumore non basta a fondare una casa. Ecco allora il cuore del suo pensiero: la soglia non è ciò che Karlsson attraversa, è ciò su cui ci costringe a sostare: «Per me non si tratta tanto di eliminare del tutto i limiti, quanto piuttosto di sceglierli con cura». È una frase adulta, quasi scandalosa in un’epoca che confonde la trasgressione con la digestione rapida di qualunque cosa. Il limite giusto non è censura. È forma. È ritmo. È una stanza abbastanza stretta perché il pensiero smetta di svenire nel troppo spazio. Per questo la sua biografia è già una teoria della soglia. Stoccolma e New York. Arte e prodotto. Meme e sartoria. Mostro e capo vendibile. Ironia e dolore. Corpo e mercato. Karlsson rifiuta due trappole opposte: l’artista pura che non deve vendere nulla e la stilista commerciale che deve fingere di non pensare. Si sforza di stare in mezzo, dove il prodotto deve funzionare e tuttavia l’idea deve mordere: «Non mi piace ridurre un marchio a un singolo prodotto», dice. «È più come un cast di personaggi». Infatti Avavav è una compagnia teatrale di oggetti lunatici: scarpe a forma di dito, borse larva, sciarpe millepiedi, pantaloni Shar Pei. Oggetti, ma anche personalità. Una piccola borghesia del mostruoso, vestita benissimo.
Resta il limite personale, forse il più difficile. Karlsson lo dice senza eroismo: non è più disposta ad accettare lo squilibrio, «l’idea di dover scegliere tra avere una vita e dedicarsi completamente alla creatività». È quasi commovente, detta da una designer che ha fatto cadere modelli, abiti, pubblici, prezzi e certezze. La prossima soglia non sarà necessariamente spettacolare. Sarà quotidiana. Creare una struttura in cui vita e lavoro possano coesistere: «Perché credo che il lavoro risulti più efficace quando non nasce dalla stanchezza». In un sistema che scambia l’esaurimento per passione, questa frase è più sovversiva di qualunque tacco artiglio. Beate Skonare Karlsson lavora lì, sul bordo dove la moda perde il contegno e, nel panico, dice finalmente qualcosa di interessante. Non demolisce il lusso. Fa di peggio: gli toglie la sedia mentre posa.
Alejada de las pasarelas por voluntad propia, Eugenia Silva ahora ve el mundo de la moda desde otra perspectiva. Hablamos con ella del universo fashion, y en particular de alta joyería, como una de las protagonistas del encuentro Rabat Waves. Leer
Alejada de las pasarelas por voluntad propia, Eugenia Silva ahora ve el mundo de la moda desde otra perspectiva. Hablamos con ella del universo fashion, y en particular de alta joyería, como una de las protagonistas del encuentro Rabat Waves.
A influenciadora Virginia Fonseca, 27, gerou reações nas redes sociais pela escolha do look no aniversário da filha Maria Flor, 4. A festa temática luxuosa da menina, fruto do relacionamento da empresária com o cantor Zé Felipe, 28, foi inspirada no filme “Enrolados”, produzido pela Disney e lançado em 2010.
Para a ocasião, ela escolheu um conjunto de renda lilás, com blusa cropped de mangas longas, gola alta e babados no punho e no colo, além de calça capri ajustada ao corpo.
Para complementar o look, ela usou minissaia da mesma cor sobreposta à calça, sandálias brancas de plataforma com salto alto e uma bolsa estruturada branca com detalhes dourados. O cabelo loiro foi preso em um coque alto, com mechas soltas na frente, e a maquiagem combinando.
No X, o antigo Twitter, um internauta citou: “Aqui a Virgínia deu o nome na breguice, misericórdia, que look pavoroso”. Comentários como: “Virginia não acerta um look”, “Virginia do céu, que roupa horrível, foi vestida de tecido de calcinha” e “o pior look da Virginia é sempre próximo”, também foram mencionados por outros usuários da plataforma.
Em alguns tweets, os internautas ainda culparam o stylist pela escolha. “Virginia tinha tudo para servir look com um vestido lilás bem princesa. Não dá para entender o que se passa na cabeça dos stylists… acho que eles odeiam muito ela, não tem outra explicação”; “Por Deus, que roupa é essa da Virgínia? Coitada! O estilista dela odeia ela”, citaram outras pessoas.
Nas redes sociais, ela posou ao lado do ex-marido e dos três filhos — que também são Maria Alice, 5, e José Leonardo, 2. Apesar de separados, os dois costumam ressaltar que mantêm uma amizade para a criação dos herdeiros.
A decoradora oficial das festas da família de Virginia, Tana Lobo, deu spoiler nas redes sociais de como estava ficando o salão do evento. De acordo com a profissional, foram colocados 300 mil pontos de luz no teto “estrelado” que Maria Flor pediu.
Confira fotos da festa de 4 anos de Maria Flor
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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Maria Flor ganhou comemoração de luxo em festa de quatro anos • Instagram/Virginia Fonseca
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