La realidad es que Guillermo del Toro siempre se ha caracterizado por un estilo muy particular. Después de todo, su fascinación por los monstruos es un elemento clave fundamental de cara a definir su tipo de cine. El director de origen mexicano llegó a Hollywood después del reconocimiento internacional de Cronos, que fue su debut en la industria cinematográfica.

Sin embargo, Mimic terminó siendo una de las etapas más complejas de su carrera. El filme planteó un relato de terror sobre insectos mutantes que amenazan Nueva York. La escala de la propuesta fue lo que le permitió trabajar con un presupuesto mayor. La principal consecuencia fue que pudo hacer un mejor despliegue de su imaginación visual. Sin embargo, también le enfrentó a las exigencias de Miramax y a los hermanos Harvey y Bob Weinstein, los responsables del estudio.

Un rodaje que enfrentó a Guillermo del Toro con Hollywood

En este sentido, Guillermo del Toro recordó que perdió varias peleas relacionadas con el reparto. Aunque reconocía que la película conservaba visualmente buena parte de su visión, el desarrollo se tradujo en un profundo desgaste. El director llegó a comparar aquella etapa con otro episodio traumático de su vida: el secuestro de su padre en México. Esa singular comparación daba una idea de hasta qué punto se había deteriorado su relación vinculada al modelo de producción estadounidense.

Aun así, la experiencia de Mimic sí le sirvió de algo. El filme le enseñó a coordinar los movimientos de cámara con los actores y a desarrollar una puesta en escena que, en esencia, era más elaborada. Pero el aprendizaje técnico no compensaba el daño personal. Después de esa vivencia tan nefasta, necesitaba recuperar la confianza en su capacidad para relatar historias sin renunciar a su propia mirada.

La oportunidad llegó desde España con la oportuna aparición de Pedro Almodóvar. Él era un confeso admirador de su trabajo, por lo que se ofreció a producir El espinazo del diablo. El proyecto llevaba bastante tiempo intentando salir adelante, pero nunca se encontraba financiación suficiente para sacarlo adelante como realmente quería. El respaldo de Pedro Almodóvar fue el detonante que ayudó a cambiar las cosas. Él mismo lo confesaba rotundamente: "Básicamente, me resucitó. Me permitió creer que se podían volver a hacer películas".

Estrenada en 2001, El espinazo del diablo recuperó su gusto por el cine personal y consolidó algunos de los temas que recorrerían su filmografía: la infancia, la memoria, la violencia política y los fantasmas que deja muchas veces el curso de la historia. Con el tiempo, él mismo asumió labores de producción para proteger a otros cineastas de las presiones de los estudios. No quería limitarse a devolver un favor: quería ofrecer a otros la confianza que Pedro Almodóvar le había brindado a él.

© Difoosion

No recuerdo si pertenece a un poema o a una canción algo tan incontestable como: “No hay que volver al lugar donde fuiste feliz”. Por si acaso, para protegerse, para evitar el desencanto. Y no me importa que en el cine recurran machaconamente al remake, a condición de que yo no tenga la obligación de tragármelos. Casi siempre son decepcionantes. Sobre todo los que vuelven a contar historias que te donaron encanto, emoción; las sensaciones que te regala lo que tú identificas con el gran cine.

Seguir leyendo

Sentido y sensibilidad

Dirección: Georgia Oakley.

Intérpretes: Daisy Edgar-Jones, Esmé Creed-Miles, George MacKay, Fiona Shaw, Stacy Martin, Caitríona Balfe.

Género: drama. Reino Unido, 2026.

Duración: 132 minutos.

Estreno: 23 de octubre.

💾

©

En 1980, unas jóvenes Jane Fonda, Lily Tomlin y Dolly Parton interpretaban en Nine to Five (Coling Higgins) a tres empleadas de una empresa que soportan a diario las actitudes machistas de su déspota y autoritario jefe. Tras un accidente que casi le cuesta la vida a dicho supervisor, se alían para trazar un plan y salir airosas de esta situación que, de hecho, termina jugando a su favor: durante su ausencia, ponen en marcha una serie de propuestas progresistas que mejoran las condiciones de sus compañeras y, cuando su jefe se reincorpora, se entera de que dichas medidas obtienen el reconocimiento del propio CEO por sus buenos resultados, lo que le obliga a, por fin, respetarlas.

Seguir leyendo

© Steve Schapiro (Getty Images)

Que la llegada de la derecha radical a los gobiernos democráticos pueda representar una amenaza para la cultura abierta y la libertad de creación ya no es solo una sospecha: el arte crítico y la memoria cívica se encuentran en la diana de los extremistas. Sucede en América y en Europa. Y también en algunos lugares de España. Desde los primeros acuerdos autonómicos con el PP, Vox tuvo como prioridad la derogación de las Leyes de Memoria Democrática. No fue casualidad que en la Comunidad Valenciana se cancelase la suscripción a diversas revistas en catalán en bibliotecas municipales. Ya en 2023 se escucharon tímidas advertencias de lo que estaba por venir. En vano. El sábado estaba previsto que se representase en Valladolid la obra Federico, centrada en la muerte de García Lorca, pero ha sido cancelada y la compañía Proyecto 43-2 ha denunciado a la Consejería de Cultura de la Junta de Castilla y León, en manos de Vox, porque considera que dicha decisión obedece a motivos ideológicos. El episodio ha coincidido con la publicación el pasado día 9 de los requisitos que la Junta establece para solicitar subvenciones para la producción de películas y documentales: “No podrán destinarse los fondos públicos concedidos al amparo de esta convocatoria a actuaciones que impliquen adoctrinamiento ideológico”.

Seguir leyendo

© Thierry Monasse (Getty Images)

José Mota es un cómico con talento para sacarle punta al humor blanco. Su uso del lenguaje, con su particular surrealismo manchego, o las agudas imitaciones de políticos lo han convertido en un referente del sketch televisivo, además de en un actor y doblador habitual de la comedia popular española. Mota debuta con ese bagaje en la dirección con Arriba Tutto, una tragicomedia familiar protagonizada por él, además de Karra Elejalde y el niño Pablo Cabello. La película tiene momentos de gracia y ternura sentimental, aunque su emoción total se resiste.

Seguir leyendo

Arriba Tutto

Dirección: José Mota.

Intérpretes: José Mota, Karra Elejalde, Pablo Cabello, Olivia Molina, Diego Anido.

Género: tragicomedia. España, 2026.

Duración: 98 minutos.

Fecha de estreno: 23 de octubre.

💾

©

Es un drama, pero hay mucho de comedia absurda en Moscas, la nueva obra mínima del mexicano Fernando Eimbcke, acostumbrado a contar historias de calado mediante métodos de suave sencillez. De comedia absurda, e incluso física. De hecho, la película se inicia con una secuencia prólogo que nos retrotrae a un emblemático gag visual del cine de Jacques Tati. Aquel en el que el desgarbado cartero François de Día de fiesta (1948), interpretado por el propio director, intenta cazar una mosca cojonera que no le deja circular con tranquilidad ni hacer su trabajo.

Seguir leyendo

Moscas

Dirección: Fernando Eimbcke.

Intérpretes: Teresita Sánchez, Bastian Escobar, Hugo Ramírez, Enrique Arreola.

Género: comedia dramática. México, 2026.

Duración: 102 minutos.

Estreno: 23 de octubre.

💾

©

Ante Wildwood, nueva película del prestigioso estudio Laika, la factoría de animación que creó obras tan fantásticas como Los mundos de Coraline, El alucinante mundo de Norman y Kubo y las dos cuerdas mágicas, dos aspectos muy distintos te dejan boquiabierto. El primero es que, pasados solo unos minutos, no te puedes creer que todas esas imágenes, movimientos y personajes hayan sido creados con animación stop motion: imagen a imagen, con maquetas, volúmenes, marionetas y decorados físicos, impulsados milímetro a milímetro por sus creadores hasta capturar un movimiento fluido que es simplemente extraordinario. La tecnología ha mejorado a pasos agigantados, pero lo de esta película es asombroso. Arte, paciencia, mimo, creatividad, ilusión y talento.

Seguir leyendo

Wildwood

Dirección: Travis Knight.

Intérpretes: Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Carey Mulligan, Mahershala Ali (voces).

Género: aventuras animadas. EE UU, 2026.

Duración: 132 minutos.

Estreno: 23 de octubre.

💾

©

Ocho años después de su última película, la magnífica Burning (2018), el director surcoreano Lee Chang-dong regresa con un drama igual de sorprendente por lo imprevisible y por su manera de indagar en los anhelos y contradicciones de clase. Si aquella, inspirada en un cuento de Murakami, convertía a un poderoso y misterioso personaje femenino en el centro de los sueños y frustraciones de dos hombres, en Un amor posible son dos mujeres de posiciones sociales diferentes y sus respectivos maridos los que desatan la tormenta de un drama hecho de finas capas, económicas y emocionales.

Seguir leyendo

Un amor posible

Dirección: Lee Chang-dong.

Intérpretes: Jeon Do-yeon, Sol Kyung-gu, Jo In-sung, Cho Yeo-jeong.

Género: drama. Corea del Sur, 2026.

Duración: 164 minutos.

Fecha de estreno: 23 de octubre.

💾

©

La última Ley del Cine en España llegó poco después de Papá Noel. Era el 28 de diciembre de 2007 cuando la publicación en el BOE regaló al fin una nueva normativa al sector. Quizás el espíritu navideño ayudara a cerrar un recorrido polémico: hubo hasta una huelga de las salas. Se discrepaba sobre la definición de productor independiente, la cuota de pantalla obligatoria para filmes europeos o la financiación de las televisiones privadas al cine nacional. Tanto que a punto estuvo de no aprobarse: faltaban 17 días para el cierre de la legislatura. Y aun así, de alguna forma, el flamante texto nacía viejo: ese mismo año debutaban el iPhone y la plataforma online de Netflix. Desde entonces, móviles inteligentes y streaming han revolucionado el mundo, y el cine. En dos décadas, el séptimo arte ha visto cómo cambiaban los hábitos de consumo, la producción, la mirada, la creación, los gustos. Básicamente, todo. Excepto la ley.

Seguir leyendo

© Claudio Álvarez

La magia del cine se crea en los lugares más insospechados. En un polígono industrial a las afueras de Portland (Oregón), al noroeste de Estados Unidos, tras pasar bosquecillos y barrios residenciales, varias naves grises esconden águilas, castillos, monstruos y ratones. Nadie lo diría, pero ahí está Laika que, junto al británico Aardman, es el estudio de cine más famoso especializado en stop motion.

Seguir leyendo

© LAIKA Studios via AP

Director: James Watkins. Guion: Mike Flanagan, Hossein Amini (basado en en la histioria de DC Comics). Fotografía: Rob Hardy. Intérpretes: Tom Rhys Harries, Ruby Sear, Naomi Ackie, Eddie Marsan. EE UU, 2026. Terror.

Si el gran David Cronenberg, creador del pertubador y perverso «concepto de la nueva carne» viese la película de James Watkins («Eden Lake», «La mujer de negro», «No hables con extraños», es decir, terror del bueno), estoy segura de que se haría un admirador, al menos a tiempo parcial, de la factoría DC, y no precisamente porque le vayan los señores con capa. Solo con observar la evolución del protagonista y su chorreante, viscosa y mutable piel, lo que le parecería primoroso.

Bienvenidos a la historia de Matt Hagen/Clayface (Tom Rhys Harries), uno de los villanos más icónicos y trágicos entre los enemigos de Batman, otrora prometedor actor de Gotham que, tras acostarse con la joven equivocada, recibe de su mafiosa pareja una somanta de cuchilladas en el rostro que lo desfiguran completamente. Con la carrera destrozada, sin dinero y acusado de numerosas fechorías, decide someterse a un tratamiento científico de vanguardia dirigido por la atractiva doctora Caitlyn Corr (Naomi Ackie). Y, aunque resulta un éxito, los efectos secundarios alteran su percepción de la realidad y transforman su cuerpo en una especie de viscosa arcilla capaz de adoptar la imagen de cualquiera.

No, esta vez no es otra película más sobre tipos con mallas o bodys ajustados, sino un filme pavoroso, todo un «body horror» a vueltas con la pérdida de la identidad y los caprichosos y tantas veces peligrosísimos vaivenes de la fama. Exacto, David, un estupendo mal rato.

Lo mejor: Es, sin duda, una de las mejores películas del universo DC en bastante tiempo

Lo peor: Una advertencia para quienes no conozcan la historia: aquí no hay capas, pero si mucha sangre

© La Razón

Los Superthings, esos objetos cotidianos transformados en villanos y superhéroes que llevan una década conquistando a los niños, dan el salto a la gran pantalla. «Superthings: La película» amplía su universo con una aventura que aspira a impulsar la expansión internacional de la franquicia sin renunciar al espíritu de los juguetes. La cinta mantiene la mitología de los muñecos, los cómics y la serie televisiva, pero incorpora nuevos personajes y un humor más gamberro, pensado para los adultos que acompañan a los pequeños al cine. «Hemos creado un producto que tiene mensaje para los niños, para los padres, que es potente, que es un tiro, que va a toda velocidad», explica su director, Víctor Monigote, que ha buscado una combinación de acción y humor capaz de mantener al espectador pegado a la pantalla durante hora y media. «Me he dedicado profundamente a buscar gags y guiños para que los padres que vayan no se aburran», confiesa.

Asimismo, Monigote defiende el potencial de la animación española frente a las grandes industrias internacionales. «En España tenemos una tradición artística muy potente. Somos de los países del mundo que más artistas ha dado», afirma. El cineasta destaca también la capacidad de nuestros profesionales para resolver proyectos con recursos limitados: «con lo que se nos agudiza el ingenio». A su juicio, el sector ha experimentado una notable transformación en los últimos años y debe superar la idea de que los dibujos animados son exclusivamente para niños. «La animación es una técnica, no un género», sentencia.

Un mensaje importante

El relato propone una reflexión sobre la amistad, la cooperación y la necesidad de comprender al adversario. Inspirados en el yin y el yang, héroes y villanos no son enemigos irreconciliables, sino contrarios que se necesitan. «No puede haber luz sin oscuridad», sostiene su director, que rechaza la división entre buenos y malos absolutos. «Hay que mirar todo con perspectiva y quizás puedas llegar a entender al de enfrente sin necesidad de prejuzgarlo antes», afirma. Una enseñanza que invita a los más pequeños a ponerse en el lugar del otro.

© La Razón

La película que hace unos meses vimos puede que no haya dejado ninguna cicatriz en nuestra memoria cinéfila. No obstante, aquellas que nos acompañaron durante nuestra infancia, da igual su calidad fílmica, son imborrables. José Mota recuerda con 13 años ver en el cine «Rocky» y salir de la sala siendo una persona distinta. «Es inaudito el poder que puede llegar a tener una cinta», expresa a través de una llamada telefónica.

Al que se erige como uno de los humoristas más aclamados dentro de nuestras fronteras le parece una declaración de intenciones que el cerebro mantenga vivo el recuerdo de esas proyecciones pasadas. Él apunta que nunca deberíamos perder la inocencia que poseíamos durante nuestros primeros años de vida. De hecho, considera que «el alma juguetona e ilusionada» que forjó en sus años mozos, y que mantiene en la actualidad, le ayudó a decantarse por la profesión que sigue ejerciendo y que le catapultó al estrellato. «Si bien de pequeño los magos me sorprendían, la verdadera magia me la transmitían cómicos como Pajares o Tip y Coll», dice.

«La comedia nos hace libres»

Él ya se consideraba a sí mismo un cineasta durante todos esos años en que su cara alumbró los televisores españoles, consiguiendo así mitigar los debates políticos que podrían concluir en un envenenamiento a través de la copa de champán de Nochebuena. Y, a pesar de esta prolífica carrera, acaba de estrenar su primera película como director y protagonista: «Arriba Tutto». «Solemos denostar la ficción que se hace en televisión, pero hay algunos productos que no le tienen nada que envidiar. La serie “Breaking bad”, para mí, vuela por encima de muchas películas», alaba él.

En esta reciente incursión audiovisual, José Mota pretende, una vez más, ensalzar el arte de la risa, capaz de «hacernos libres». Aquí presenta un cuento que alterna los roles, pues es un niño el que narra una historia a un adulto. Michi (Pablo Cabello) tiene 7 años y vive junto a su padre y su familia circense. Su padre, interpretado por Karra Elejalde, le ha enseñado a ver la vida desde un prisma más optimista y ensoñador. Ya convertido Michi en adulto (Mota), y con la Guerra Civil y la segunda contienda de telón de fondo, vivirá una aventura en la que esas enseñanzas paternales le permitirán cumplir viejas promesas y, además, salir de varios aprietos.

Las inspiraciones de José Mota son «La vida es bella», «Cinema paradiso» y «Ser o no ser», entre otras

«Esta cinta es como poner una nariz de payaso frente a un tanque, pues sabe que le va a ganar», compara su cineasta y también guionista. Esa imagen que usa de símil se parece a una de las más famosas de «La vida es bella», la obra culmen de Roberto Benigni. Si bien aclara que en ella el hilo conductor era inverso (adulto ocultando los horrores a un joven Giorgio Cantarini), sí que le sirvió de referencia. Menciona, igualmente, «El viaje a ninguna parte», «El gran dictador» y «Cinema paradiso».

Películas aparte, no faltan tampoco los guiños autóctonos: el protagonista es un trasunto de Don Quijote, paisano de Mota. «Él es el padre de todos los cómicos, el gran soñador», reconoce el artista. «La comedia no deja de ser una semblanza de la imaginación y de la utopía», prosigue sobre su veneración al hidalgo más icónico de tierras manchegas.

De ese deseo de colorear un mundo mejor está llena su ópera prima, un canto al séptimo arte, sobre todo el clásico, y a la alegría. «La comedia cose la infancia con la adultez, puesto que con el paso del tiempo nos damos cuenta de que queremos seguir viendo la vida como un juego, sin comernos la cabeza», explica el cómico. «Tutti» a jugar, pues.

© .

Aunque «Leones en invierno» no escatima a la hora de mostrar brutalidad física, verbal y efectos sonoros de pistolas, acompañados de los correspondientes gritos de dolor, auxilio e, incluso, redención, hay una sensación que le cuesta proyectar: cómo reaccionan unos padres cuando se les comunica que su hija ha fallecido. La cámara no siente pavor de enseñar a una joven María Romanillos ser atropellada en plena Gran Vía por un coche deportivo que no respeta ninguna norma de seguridad vial. No obstante, cuando, acto seguido, cambia el escenario y el teléfono suena en la casa de Inma Cuesta y Luis Zahera, que toman las riendas de progenitores, una elipsis nos transporta directamente a la morgue. «Dicen que no hay nada más aterrador que una llamada de madrugada. Me parecía paja incluir lo que sucede entremedias», considera el director Albert Pintó.

Para preparar esa sensación tan terrorífica, el intérprete gallego y la andaluza admiten que tuvieron bastante libertad. Bajo una premisa mínima concedida por el realizador, pudieron construir su desasosiego del modo que mejor estimasen. «Pudimos ser egoístas en la toma en el depósito de cadáveres», reconoce Zahera. Más allá de esa autonomía dramática, en los detalles de esa escena reside el germen de esta obra: ella se muestra en su versión más vulnerable. Él, completamente hierático. «Esta es una película sobre hombres violentos con una masculinidad mal gestionada», reconoce el que ganara su segundo Goya gracias a su trabajo en la también oscura y claustrofóbica «As bestas».

«Leones en invierno», sin embargo, no se traslada al rural para mostrar el odio y la venganza, pues las calles de Madrid son el enclave en el que brotan los sentimientos más destructivos del ser humano. Adaptando una novela de Carlos Augusto Casas, el que fuera realizador de algunos episodios de «La casa de papel» edifica un thriller con mucha acción y tragedia.

«La violencia la generan los hombres, es una respuesta muy masculina y egoísta»

Luis Zahera

Tras perder a su única hija, sin estar esclarecida la identidad del perpetrador del accidente, Zahera y Cuesta tratan de volver a la normalidad. Ella, buscando una reparación legal, con la ayuda de una periodista de investigación. Él, por el contrario, con la ley del talión, pues en su juventud formó parte de una agrupación «skinhead», y su sed de mal ha resurgido.

Si bien Pintó expone que el libro, posee un ritmo frenético, al igual que su filme, sí que anhelaba que la adaptación alcanzara un trasfondo más sensible. «Mientras que la novela sigue mucho más las acciones violentas de Hidalgo (el protagonista), para mí era necesario crear un universo donde intervinieran más personajes», expone él, razón por la que le aconsejó al reparto que no se leyeran la pieza literaria y, así, evitaran las comparaciones.

Esa voluntad de articular un mayor rango de personalidades da lugar a un diverso elenco, que incluye a Jordi Mollà como jefe de un clan mafioso, José Manuel Poga ejerciendo de policía infiltrado en el mundo de la droga y Ana Wagener, la única agente que conoce la identidad de su compañero. «Durante todo el metraje vemos un abanico de posibilidades de cómo gestionar el tormento. Quizá no te sientes identificado con las decisiones que toman los personajes, pero sí puedes identificar conductas y entender su porqué», aplaude ella.

Tramas mafiosas españolas

Precisamente, Mollà aplaude estos espejos curvos que el guion de Juma Fodde acristala. «Todos los personajes son víctimas, y por eso no consiguen superar sus problemáticas. No pueden evitar tener una mentalidad de “sálvese quien pueda”», asegura el catalán. Esta carrera por no caer en las garras del hampa es la que consigue que, durante las casi dos horas que dura el largometraje, el espectador no tenga ni un momento de descanso. No hay «zonas valle», como define Wagener. «Cada escena te propone una emoción distinta, saltando todo el rato sin dejarte reflexionar sobre la anterior. Sabiendo que nuestra capacidad de distracción es cada vez más alta, es un logro que la película consiga mantenernos activos», alaba Mollà, también contento de que desde España se apueste por narrativas mafiosas. «No hay que trasladarse al barrio de Harlem para plasmar estas vivencias. Mi personaje, por ejemplo, no renuncia a su acento andaluz», continúa.

Albert Pintó también se muestra feliz de poder representar ante la cámara un conflicto de narcotráfico, pues estima que en la industria nacional sigue habiendo reparo en llevar a cabo este tipo de sinopsis al parecer inverosímil que sucedan en terrenos ibéricos. Sin embargo, «Leones en invierno» nace para recordar que el mal puede provenir de cualquier punto geográfico. Para Zahera, además, tiene género: «La violencia la generan los hombres, es una respuesta muy masculina y egoísta», expresa. Él nos invita a esta producción «rock and roll», como lo define su compañera Cuesta, que se mueve entre el cine gánster neoyorquino y el tremendismo más visceral. «Yo tenía en mente la crudeza de “Perros de paja” mientras rodaba», confiesa Pintó. Todo puede arder en cualquier instante.

© .

Top Democrats on the House Energy and Commerce Committee demanded answers Thursday from the Centers for Disease Control and Prevention (CDC) about the agency’s funding of a controversial hepatitis B clinical trial in Guinea-Bissau.  The CDC awarded $1.6 million last year to Danish researchers to conduct the study in Guinea-Bissau, a small country in West…

Top Democrats on the House Energy and Commerce Committee demanded answers Thursday from the Centers for Disease Control and Prevention (CDC) about the agency’s funding of a controversial hepatitis B clinical trial in Guinea-Bissau.  The CDC awarded $1.6 million last year to Danish researchers to conduct the study in Guinea-Bissau, a small country in West…

A lo largo de su carrera participó en películas como 'Magnolias de acero', 'Contact' y 'El río de la vida' Leer

El actor Tom Skerritt, ganador de un premio Emmy y conocido por sus papeles en Top Gun y Picket Fences, ha fallecido a los 93 años por causas naturales, según ha informado este jueves su familia en un comunicado al que ha tenido acceso la agencia Associated Press. Su muerte se produjo este miércoles. "Estamos desconsolados por su pérdida", reza el texto.

"Si bien el mundo conoció a Tom por su destacada carrera como actor, nosotros lo conocimos por su humor, curiosidad, sabiduría, generosidad y el amor que trajo a nuestras vidas. Le importaban profundamente la imaginación, la creatividad, la narración de historias, el servicio a la comunidad, los veteranos, la naturaleza y ayudar a otros a encontrar y compartir sus propias voces", reza la nota.

Skerritt fue nominado dos veces al Emmy, ambas por Picket Fences, y ganó el premio al mejor actor principal en una serie dramática en 1993. Otros momentos destacados de su carrera incluyen su papel como el paciente esposo de Shirley MacLaine en Turning Point, el esposo de Sally Field en Steel Magnolias y un oportunista intrigante que se interpone en el camino del intento de Jodie Foster de comunicarse con vida extraterrestre en Contact.

"Un escritor me describió una vez como un actor de carácter atrapado en el cuerpo de un protagonista, y siempre me ha encantado. Es un halago muy bonito. He podido moverme con soltura entre la televisión y el cine", declaró Skerritt al Seattle Post-Intelligencer en 1997.

En el escenario, fue el narrador en Our Town en el Intiman Theatre de Seattle en 2004 e hizo su debut en Broadway en 2013 en una adaptación de A Time to Kill de John Grisham.

El actor Tom Skerritt, que protagonizó grandes éxitos de Hollywood como el clásico de ciencia ficción Alien, la comedia bélica MASH y el drama de acción Top Gun, ha fallecido a los 93 años, según confirmó su representante. Skerritt, natural de Detroit y cuya carrera en Hollywood se extendió desde la década de 1960 hasta la de 2020, murió el miércoles por causas naturales, informó ABC7 citando un comunicado de su familia. Conocido por su aspecto rudo y su capacidad para destacar en géneros muy diversos, Skerritt dejó interpretaciones memorables tanto en papeles protagonistas como secundarios en cine y televisión.

Seguir leyendo

"Me meto en líos por decir esto, pero la IA ha llegado para quedarse". Así de contundente se mostraba Sylvester Stallone en una entrevista en vídeo para The Overlap. El icono del cine de 80 años sigue en primera línea de la atención mediática sea por la serie Tulsa King de Paramount+ o por, siguiendo los pasos de su colega Schwarzenegger, el montón de proyectos que tiene por delante, como la secuela de Samaritan.

También dirigiendo y coprotagonizando junto a Adam Driver el drama Tough as They Come, basándose en la historia real de Travis Mills, un soldado en Afganistán que perdió sus cuatro extremidades poco antes de cumplir los 25 años a causa de la explosión de un artefacto explosivo durante una misión en Afganistán.

Pero, a la espera de comprobar cuales de sus proyectos se materializan, recordó que para la precuela de John Rambo ya quiso recurrir a la IA para recrear una versión más joven de sí mismo. Una idea que generó polémica incluso cuando la sugirió a los productores de Lionsgate. "Quería combinar lo humano con la IA, y, por supuesto, todo el mundo se volvió loco. Yo les dije: 'Esto está ocurriendo, amigos. La gente está vendiendo su imagen. Va a haber 20 avatares de Elvis... Es una realidad".

Para Stallone, aunque su uso pueda comportar suplantaciones digitales, pérdida de oportunidades de trabajo o quitar humanidad a las interpretaciones, acepta asumir ese riesgo. "A pesar de que la comunidad creativa te critique con vehemencia. ¡Y tienen razón en sus quejas! Tienen razón. Pero no podemos detener esto. Es una avalancha. Simplemente está fuera de nuestro control. Si no te dejas llevar por ella, acabarás siendo arrollado", vaticinó.

También tuvo unas palabras para los jóvenes que intentan labrarse un futuro. "Han elegido la profesión más difícil del mundo. Y se va a volver aún más complicada debido a la inteligencia artificial", así que no ha tenido reparos, según cuenta, en aconsejar a su misma hija, Scarlet Rose Stallone, que también es actriz, para disuadirla de seguir por ese camino. "Por favor, dedícate a los videojuegos. Haz cualquier otra cosa".

Un joven Stallone por partida doble

Stallone no pudo seguir adelante con su idea de rejuvenecerse mediante la IA y fue reemplazado por el actor Noah Centineo, de 30 años, en John Rambo que dirige el finlandés Jalmari Helander, el autor de la desmadrada Sisu y secuela. Ya está en postproducción y con estreno previsto para el 4 de junio de 2027.

Antes también verá como otro actor le interpreta en una versión más joven, Anthony Ippolito de 27 años, en Yo soy Rocky dirigida por Peter Farrelly narrando la épica odisea personal de Stallone por sacar adelante la película que le lanzaría al estrellato en 1976. Se estrenará en Estados Unidos, al principio en un número limitado de cines, el 6 de noviembre, y el día 20 llegaría a un mayor número de salas. En España en principio no se estrenaría hasta el 22 de enero de 2027.

Así que tendremos a dos actores distintos para las versiones de la rejuvenecida estrella, porque en el fondo Stallone es demasiado Stallone. Irrepetible, sea con IA o sin ella.