The NFL is satisfied with the manner in which the Philadelphia Eagles handled the Jalen Hurts blood clot situation the past two weeks, a league source confirmed on Tuesday.
The matter is closed as far as the league is concerned.
That means the NFL review of the matter will not result in any team punishment for how the Eagles handled the injury designation for Hurts ahead of the Week 5 game between them and the Jacksonville Jaguars in London.
The Eagles did not report Hurts had been discovered to have a superficial blood clot the day before the game.
Hurts played in the game and even practiced multiple days afterward. But late last week further evaluations revealed that Hurts has a deep vein trombosis as well as a bilateral pulmonary emboli – which the Eagles and Hurts' agent announced on Monday.
Hurts is out for the remainder of the season.
The Eagles have made it clear they have been in contact with the league throughout the process. That process included the NFL's chief medical doctor having Hurts seen at the Cleveland Clinic in London on that fateful Saturday before the game against Jacksonville.
The NFL released a statement provided to OutKick and Fox News Digital on the matter:
"The league had been in contact throughout the process with the Eagles medical personnel, and the Cleveland Clinic in London where the tests were conducted.
"The league’s Chief Medical Officer Dr. Allen Sills arranges for medical resources with leading providers in every international market with approval from the NFL Players Association.
"Medical care for players is provided by club medical staff in coordination with independent doctors."
After the superficial blood clot in Hurts’ calf was first discovered, the team, staff, doctors and Hurts made the determination that he could play the following day against the Jaguars.
Aside from their two publicly disseminated statements on the matter, the only person in the Eagles organization to discuss the Hurts matter is coach Nick Sirianni. And he hasn't been forthcoming.
"You know, the health of our players are, is always at the forefront of our mind," Sirianni said. "And leave that up to the medical experts, but we always, always care deeply about our players. And that's when you are completely focused on together and connection. You're always thinking about the well-being of your guys and that's what we were in that situation."
Beyond that, Sirianni repeated during his press conference on Monday that he is not a medical expert and added, "I trust the people that are involved in helping us all make these decisions."
But the club had no one from the medical staff answer reporters' questions. GM Howie Roseman, who is in charge of the medical staff under the Eagles structure, also did not address the matter.
Roseman typically does not speak with reporters during the season, in deference to the coaching staff's messaging, with the rare exception of trades being made and an NFL-required availability.
The lack of answers from the team has opened the door to more questions. And those will persist even as the team and the league are trying to move forward.
Será por falta de escenas de acción, peleas cuerpo a cuerpo, tiros, persecuciones o violencia en las películas de James Bond, pero a la cadena de televisión británica ITV en la emisión del domingo 18 de octubre por la tarde de El mañana nunca muere de 1997, la que no le pareció adecuada para todos los públicos, además de algún que otro momento, fue en concreto una a bordo de un jet.
Dirigido por Roger Spottiswoode, el largometraje oficial número 18 de la saga, el segundo de los cuatro que protagonizó Pierce Brosnan (actualmente triunfando con la serie Tierra de mafiosos) encarnando al agente 007, tiene una escena de apertura, antes de los tradicionales títulos de crédito y canción, en la que Bond se introduce en una instalación secreta llena de terroristas y traficantes de armas pesadas, que incluye misiles, helicópteros de ataque y armamento nuclear soviético.
Para evitar un desastre inminente, y escapar de la base antes de que explote, roba un Aero L-39 Alabatros y no solo deberá hacer frente a un caza enemigo que le persigue. En el interior de su aeronave estaba escondido un terrorista que intenta estrangularle mientras está en el aire pilotando.
Y es en este punto donde se ha aplicado el tijeretazo, eliminando al villano infiltrado, de manera que el sentido de la escena cambia completamente. Bond ya no está siendo estrangulado sino que parece gritar de miedo ante el avión que le dispara. La escena quedaría como ha recogido un usuario en Twitter que además se permite bromear con el cambiazo: "ITV realizó uno de los mejores cortes por censura que se han visto en El mañana nunca muere".
La podemos comparar con la escena original en el siguiente vídeo de Youtube, a partir más o menos de los dos minutos y diez segundos.
En horario familiar
ITV (Independent Television) es la mayor red de televisión comercial en abierto del Reino Unido, creada en septiembre de 1955 para competir con la BBC, y no es la primera vez que es motivo de controversia entre los telespectadores por considerar que se extralimita en sus gestos de ideología "woke" y resultar políticamente correcta son con frecuencia ridículos.
La causa de los cortes de censura es que la estricta regulación en el Reino Unido no permite a las cadenas de televisión en abierto emitir contenido violento, sexual o con lenguaje soez por la tarde. A excepción de algunas como la cadena Sky porque los usuarios deben introducir antes un PIN en el horario protegido, entre las 5:30 y las 21:00 horas.
Según informa Digital Spy, el problema es que todas las películas estrenadas desde Licencia para matar (1989) están clasificadas para mayores de 12 años (12A en cines) o 15 años, y tienen escenas de carácter sexual o violento que no pueden emitirse por televisión antes de las 21:00 horas. Esto ha conducido a ITV a editar las películas para estas reposiciones, lo que ha dado lugar a resultados bastante cómicos o absurdos al alterar totalmente el contenido de las escenas.
"Tiene más cortes que una pizza"
Concretamente, la emisión de El mañana nunca muere, en la que Bond se enfrenta a un poderoso magnate de los medios de comunicación (Jonathan Pryce), fue a partir de las 13:45 horas, y un televidente señaló que, además de la del jet, "tenía más cortes que una pizza".
Por ejemplo, en otra de las escenas censuradas del filme "el Dr. Kaufman (Vincent Schiavelli) parece desplomarse por culpa de una descarga eléctrica de un teléfono. Nada de un disparo en la cabeza", según indicó otro telespectador.
Entre las quejas, un seguidor sugirió que, si ITV sigue emitiendo estas versiones televisivas editadas, "deberían avisar claramente desde el principio de que el contenido ha sido modificado; así, los espectadores podrán decidir por sí mismos cambiando de canal". Pero, ¿qué sentido tiene programar una obra editada y censurada? Otro usuario propone simplemente que "no se debería permitir a ITV seguir emitiendo las películas de Bond".
Christina Applegate no tiene esclerosis múltiple: su diagnóstico fue un error. La actriz ha dado la noticia en su pódcast, llamado MeSsy, que presenta junto a la también actriz y paciente de esclerosis, Jamie Lynn Sigler. En él ha contado, este martes, que los médicos se equivocaron en su diagnóstico, hace cinco años. Y que eso, lejos de liberarla, no la ha hecho nada feliz.
A sus 25 años, es uno de las principales exponentes de la nueva oleada de cineastas españoles. Realizadora, actriz, profesora y bailarina, ahora ultima el guion de su segundo filme Leer
A sus 25 años, es uno de las principales exponentes de la nueva oleada de cineastas españoles. Realizadora, actriz, profesora y bailarina, ahora ultima el guion de su segundo filme
La Fiesta del Cine vuelve del 19 al 22 de octubre con una nueva edición que permitirá disfrutar de las películas en cartelera por solo 3,5 euros la entrada. Una oportunidad para ponerse al día con los estrenos de la temporada y descubrir en pantalla grande algunas de las propuestas más interesantes del momento.
La iniciativa, que cumple ya 17 años, llega después de que la edición de abril registrara sus mejores cifras de asistencia desde 2019, con un aumento del 4,3% de espectadores respecto a la convocatoria de junio de 2025. En esta ocasión, 321 cines de toda España se han sumado a la promoción.
Como suele ocurrir con la Fiesta del Cine, la cartelera ofrece opciones para todos los gustos, desde grandes producciones de Hollywood hasta thrillers, películas de terror, comedias y propuestas del cine español. Para ayudarte a elegir, repasamos algunas de las películas que merece la pena ver en estos cuatro días de entradas a precio reducido.
La Fiesta del Cine coincidirá con la llegada a las salas, el 16 de octubre, de títulos comoLa invitación, con Penélope Cruz y Edward Norton; Street Fighter, la nueva adaptación del videojuego de Capcom; La maleta, con Lucía Caraballo y Alejandro Speitzer, y Whalefall, con Austin Abrams. Además, seguirán en cartel películas como Digger, con Tom Cruise; El precio de la red, secuela de La red social; Verity. La sombra de un engaño, con Anne Hathaway, y La otra madre, protagonizada por Jessica Chastain.
'La bola negra'
Entre La llamada(2017) y La bola negra,Javier Calvo y Javier Ambrossi han firmado tres series de autoría inquebrantable (Paquita Salas, Veneno, La Mesías) donde la abundancia de ideas narrativas siempre se resuelve de manera viviente y ligera. Justo lo que más se echa en falta en su segundo largo, desbordado por una ambición que no encuentra vías de salida para respirar. Lee la crítica completa aquí.
'Digger'
Se levanta el telón y aparece Tom Cruise caracterizado como un hombre de su edad. Es la primera señal del absurdo metaficcional sobre el que se asienta el séptimo largometraje de Iñárritu. Que un actor de 64 años que aparenta 35 tenga que cubrirse con protésicos y peluca despeluchada para encarnar a un hombre con sus mismos años. De todas las metáforas con las que Digger intenta retratar el mundo desquiciado en el que vivimos quizás esta, la más involuntaria, sea la más redonda y la más clara. Lee la crítica completa aquí.
'El precio de la red'
La secuela de La red social, esta vez con su guionista, el aclamado Aaron Sorkin, como director. Una película activista que denuncia el papel que ha jugado conscientemente Facebook, ahora Meta, en la polarización y radicalización de la sociedad y en el deterioro de la salud mental de los jóvenes con el único fin de ganar dinero. Te gustará si te gustan El dilema, de Michael Mann, o Todos los hombres del presidente. Lee la crítica aquí.
'La vida de una mujer'
Una película deliciosa que viene a responder a esa gran pregunta: ¿por qué no se hacen más películas sobre mujeres en la madurez si el público mayoritario del cine es eminentemente femenino y de esa franja de edad? La estupenda Lea Druker interpreta a una cirujana cuadriculada a la que un affaire con una mujer pone la vida patas arriba. Lee la crítica aquí.
'La invitación'
Si buscas una comedia divertida, chispeante y bien escrita, La invitación es lo que necesitas. Remake deSentimental, de Cesc Gay, dirigido por Olivia Wilde, es la historia de un matrimonio en crisis que invita a cenar a sus vecinos de arriba, que les proponen hacer un intercambio de parejas. Protagonizada por la propia Wilde, un entrañable Seth Rogen, Edward Norton y una explosiva Penelope Cruz. Lee la crítica aquí.
'Ceniza en la boca'
Quizás conozcas a Diego Luna por Andor o Rogue One, pero su faceta como director merece la misma atención. Su última película, Ceniza en la boca, es cine social del que te cambia la mirada. En este caso, sobre la inmigración latina en España y sobre las grietas que los procesos migratorios abren en las familias. Lee la crítica aquí.
'Coyote Vs. Acme'
Una propuesta para ir con toda la familia pero que entusiasmará por igual a los pequeños y a los mayores de la casa. El director de la última película de las Tortugas Ninja dirige esta genial reaparición del Coyote y el Correcaminos en la que el primero demanda a Acme harto de que le fallen una y otra vez sus productos en su persecución del segundo. Leer la crítica aquí.
'Whalefall'
En el transcurso del último tercio del año Austin Abrams ha pasado a convertirse el nuevo saco de boxeo favorito de Hollywood. Tras su paso por los 95 minutos más vertiginosos del cine de terror reciente en Resident Evil(2026) viene ahora a por más maltrato de la cámara en Whalefall, adaptación de una novela de Daniel Kraus que tiene como concepto principal una idea muy simple: un hombre escapando del interior de una ballena.Lee la crítica completa aquí.
'Street Fighter'
Street Fighterdestaca por una voluntad de estilopresente tanto en el trabajo de su reparto (el trabajo de David Dastmalchian como malo malísimo no nos hace olvidar a Raúl Juliá en la versión de 1994,pero da para nota) como en sus estupendos flashbacks animados, así como en una puesta en escena y una dirección de fotografía que se vienen muy arriba, hasta el punto de dificultar a veces nuestra apreciación del festín de guantazos. Lee la crítica completa aquí.
'Su propio infierno'
Es posible encontrar trazas de cada una de esas experiencias en Su propio infierno, un regreso al cine llamado a exasperar incluso a los seguidores más devotos del danés. De entrada, pocos más aceptarán asomarse a estemagma visual casi antinarrativo, desplegado sobre las siluetas espigadas de Sophie Thatcher, Havana Rose Liu y Kristine Froseth y la musculatura torácica de Charles Melton.Lee la crítica completa aquí.
'Resident Evil'
Si a la incomprendida Return to Silent Hillle cayeron palos por tomarse libertades con el videojuego en el que se inspira, a esta nueva adaptación de Resident Eville espera una penitencia acorde a la inventiva que despliega. Poco importa la fidelidad si Zach Cregger es capaz de sacar los colores a las ocho intentonas previas, cada una más garrafal que la anterior, con la ligera excepción de Bienvenidos a Raccoon City, cuya escena de apertura, por cierto, era exactamente igual a la de esta. Lee la crítica completa aquí.
Lola Flores es la gran protagonista del cartel oficial de la próxima edición del Festival de Cine en Español de Málaga, con una fotografía de Carlos Saura intervenida en 2021 por el propio cineasta aragonés en uno de sus denominados 'Fotosaurios'.
Lolita Flores, presente este martes en la presentación del cartel de la que será la 30ª edición del certamen, ha resaltado que su madre "se ha muerto hace 31 años, pero sigue viva. No hay día que ponga la tele y no la vea, o no sea protagonista de muchas de las cosas que se hacen en este país".
"En esto se han juntado dos genios, Carlos Saura y Lola Flores. Cuando Saura llamó a mi madre para hacer la película Sevillanas, ella se emocionó, primero porque nunca la llamaban para hacer cine, esa espina la tenía clavada, y sabía que tenía mucho más talento y madera para ser una gran actriz", ha añadido Lolita.
Por eso, su madre en ese momento "daba saltos de alegría y parecía una niña chica. Lo admiraba mucho, y al pensar Saura en ella se le abrieron las pajarillas, como diría ella". "Ella ya estaba medio malita, pero le pasaba como a muchos artistas, que cuando te llaman para hacer algo con lo que vibras se te pasan los males", ha dicho.
Cree que "de Saura se tiene que aprender por su forma de ser" porque "cuanto más humilde eres, más grande eres, y Carlos Saura y Lola Flores eran humildes, porque no sabían la clase de genios que eran", ha resaltado Lolita, que ha asegurado que, "dentro de treinta años", tendrá este cartel "en su corazón".
Amante de la fotografía
Por su parte, Anna Saura, hija del cineasta, se ha mostrado convencida de que a su padre le "haría mucha ilusión" este cartel porque "él hacía películas, pero lo que realmente le gustaba era la fotografía".
Ha explicado que esta es una fotografía del rodaje de Sevillanas tomada por el propio Carlos Saura, que "era un gran amante del flamenco", y que "por primera vez intervenía una obra en formato grande, porque siempre lo hacía en tamaño A-4 o A-3".
"Le haría mucha ilusión que su 'Fotosaurio' esté presente en todos los rincones del festival", ha insistido Anna Saura, que ha asegurado que su padre tenía "mucho amor" por el certamen malagueño, adonde ella lo acompañaba en su infancia.
"Fue el último festival al que vino, y donde él tomó conciencia de que estaba dejando un legado y de que lo que había hecho le importaba a la gente", ha desvelado Anna.
Una tipografía especial
En la creación del cartel ha participado también el artista Javier Calleja, que ha explicado que al recibir el encargo se planteó "mantener muy detrás" su estética", pero no estar "presente en un cartel que habla por sí solo".
"Mi primer pensamiento fue cómo poner mi mano sin meter la pata", ha agregado Calleja, que descubrió que Saura "tenía una tipografía muy especial", por lo que "había que recuperarla de alguna manera", y él solo ha añadido un "acento boquerón" en la palabra "Málaga".
Juan Antonio Vigar, director del Festival de Málaga, que se celebrará del 26 de febrero al 7 de marzo de 2027, ha afirmado que con este cartel se "simbolizan treinta años de apoyo al cine español y al patrimonio fílmico, y habrá distintas secciones que incidirán en este tema".
"Vamos a transformar toda la imagen del festival y la vamos a centrar en las imágenes de Saura, no solo los 'Fotosaurios', sino también una serie de dibujos que estarán presentes en la imagen del certamen", ha avanzado Vigar.
Los productores de la anunciada secuela de Dirty Dancing no quieren cometer con Patrick Swayze el mismo error que con, por ejemplo, la controvertida decisión de resucitar a Val Kilmer en su película póstuma, As Deep as the Grave, aún pendiente de estreno, por obra y gracia de la IA tras su muerte en abril del pasado año.
"Ese es uno de los aspectos en los que realmente hay que centrarse: cómo permitir que la gente lo llore en una película. Y no se preocupen: no vamos a traerlo de vuelta mediante inteligencia artificial", aseguró Nina Jacobson, productora de la película, este sábado 17 de octubre durante el eventoFuture of Filmmaking Summit organizado por IndieWire.
Su interpretación de Johnny Castle, el instructor de baile que enamora a "Baby", encarnada por Jennifer Grey, en sus vacaciones en el complejo turístico de Catskills, sigue siendo junto a Ghost el papel más popular de Swayze, fallecido en 2019 a los 57 años a causa de un cáncer de páncreas.
Grey sí que estará en esta nueva entrega, también en calidad de productora, pero la trama se centraría en un nuevo romance protagonizado por un reparto jóvenes actores. Y si el filme ochentero estaba ambientado a inicios de los 60, en esta la acción tendría lugar en los 90. La intención de sus autores con esta secuela, anunciada hace ya cuatro años, no es hacer una copia sino ser fiel al espíritu del original.
"Recuerdo que, cuando la vi por primera vez, me pareció un entretenimiento muy pulido. Ahora, en cambio, se percibe casi como una película independiente. Asumen muchos riesgos y abordan temas que hoy en día ya no se suelen tratar en el cine", explicó Jacobson y añadió un comentario más al respecto. "Si hoy intentaras incluir una subtrama sobre un aborto en una película romántica, creo que recibirías un sinfín de observaciones sobre ello".
El mejor momento de sus vidas
Dirigida por Emile Ardolino, Dirty Dancing contó con un modesto presupuesto, de apenas 6 millones de dólares como mucho, y se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1987 con 214 millones recaudados en cines. Pero donde de verdad encontró a su público y llegó a cimentar su fama fue a partir de su llegada el vídeo doméstico y en los distintos pases televisivos, sorprendiendo a propios y extraños.
Además de su pareja protagonista, y de ser la película por la que sigue siendo recordada Jennifer Grey, también enamoró a los espectadores con su banda sonora musical. Así, (I've Had) The Time Of My Life, además de ganar el Oscar, es una de las canciones de película más icónicas de los 80.
Hubo una intentona de seguir aprovechando el éxito del filme en 2004 con Dirty Dancing 2 (Dirty Dancing: Havana Nights) con Romola Garai y Diego Luna en la Cuba de 1958, y en la que Swayze participó con un cameo. Y el futuro proyecto, el tercero de la franquicia, aún sin elenco definido, más detalles sobre el argumento o posible fecha de estreno, si cuenta de momento con director, Jonathan Levine (Memorias de un zombie adolescente) cuando la intención era estrenarla en 2024, y Grey volvería consu personaje de Frances "Baby" Houseman.
"Grey tiene una perspectiva fascinante sobre por qué cree que (Dirty Dancing) ha perdurado tanto, o qué es lo que tiene su personaje que conectó —y sigue conectando— de forma tan profunda con el público", valoró Jacobson.
Chris Pratt cayó de pie en Hollywood y, con el tiempo, el viento ha comenzado a arreciar. El actor, hoy rayando los 50 años, sigue en plena forma y solo este año ha estrenado cuatro títulos. Uno de ellos, Petros Eni, está producido en España y rodado por Paula Ortiz.
En cambio, las grietas en la popularidad de Pratt provienen en gran parte por su actitud tras el divorcio con la también actriz Anna Faris. Poco ha dicho o hecho directamente Pratt para avivar el fuego, aunque publicaciones en redes sociales como una tras el parto de su esposa Katherine Schwarzenegger, a la que felicitó por darle una “hija sana” (su hijo con Faris padece varias enfermedades), no ayudaron.
Pese a que con el tiempo Chris Pratt se ha convertido en un héroe de acción habitual en Hollywood, en sus inicios era un actor de perfil diferente. De hecho, algunos de los títulos más aplaudidos de Pratt, como Parks and Recreation o Her, lo incluyen en una faceta muy lejana a la montaña musculosa que es en la actualidad. Y de esto “acusa” (con comillas) a Anna Faris.
Nutriendo a un Chris Pratt diferente
Cuando aún estaban juntos Anna Faris y él, Chris Pratt concedió una entrevista en la que repasaba su cambio de carrera y de físico. Durante varios años, Pratt y six pack eran antónimos, y Pratt señala a Faris como culpable: “Yo era su pequeño Hansel en el bosque y ella me engordaba para echarme al fuego”, bromeó el actor, que recordó que Faris cocinaba mucho y comía poco, y él acababa engullendo lo suyo y lo que dejaba su mujer.
Pratt fue consciente de su ganancia de peso cuando revisaba un episodio de Parks and Recreation. “Pensé: '¡Caramba! Nunca me había visto tan gracioso'. Y relacioné las dos cosas’”, dijo Pratt, que decidió engordar a conciencia para potenciar su vis cómica, y por la vía rápida: “Comía cuatro hamburguesas en cada lectura de guion. Engordé muchísimo y llegué a pesar casi 136 kilos”.
Por supuesto, esto desembocó en un problema de salud a todos los niveles y Pratt, con ayuda, debió ponerle solución. “Estaba débil, impotente, constantemente cansado y emocionalmente devastado”, reconoció Pratt, que insta a quienes atraviesan etapas como la que él sufrió a que mantengan la esperanza porque, “con trabajo duro, disciplina y perseverancia, puedes cambiar más que solo tu apariencia física. Cambia por completo tu perspectiva de la vida”.
Richard Riehle, actor cuya maratoniana carrera le llevó a trabajar con Martin Scorsese y David Lynch, además de en innumerables series, murió el 15 de octubre en Los Ángeles a los 78 años. Según Variety, el fallecimiento se debió a causas naturales.
Con una filmografía de 440 títulos (incluyendo diez todavía pendientes de estreno), Riehle fue un exponente modélico de esos currantes de Hollywood que forman el espinazo de la industria. En el comunicado que anunció su muerte, sus representantes han hecho notar "su bondad genuina, su amabilidad que no hacía distingos y esa infatigable generosidad hacia actores y cineastas principiantes, a los que apoyaba y animaba siempre que tenía ocasión".
Richard Riehle, un actor de carrera infatigable
Nacido en Wisconsin en 1948, hijo de un cartero y una enfermera, Richard Riehle trabajó como actor teatral hasta que, en 1975, debutó en el cine con un pequeño papel en El rifle y la Biblia, la secuela de Valor de ley protagonizada por John Wayne y Katharine Hepburn.
Desde ese momento, su nombre apareció en infinidad de créditos, sin distinguir entre grandes producciones, títulos de serie B y shows televisivos. Lo mismo actuaba para Ridley Scott (Black Rain), David Lynch (la serie On The Air) o Martin Scorsese (Casino) que aparecía en episodios de Las chicas de oro, Falcon Crest o Star Trek: La nueva generación.
Si bien Riehle trabajó también en éxitos como El fugitivo, La boda de mi mejor amiga y Ally McBeal, su papel más memorable tuvo lugar en Trabajo basura. La película, debut en acción real del animador Mike Judge (Beavis y Butthead), contó con él para encarnar a Tom Smykowski, un currito entrado en años que pierde los nervios al ser entrevistado con vistas a una regulación de plantilla... para después encontrar la felicidad gracias a un accidente que le deja parapléjico.
Durante su larga y prolífica carrera, Riehle también compartió platós con Woody Allen, Charlie Sheen, James Spader, Tim Allen y un larguísimo etcétera de nombres mucho más famosos que el suyo. Deja esposa y cuatro hijos.
Una película sobre el confinamiento de Wuhan, la ciudad china donde se detectaron los primeros casos de covid-19, llegará a los cines del país asiático el próximo 6 de noviembre, casi seis años después de concluir su rodaje y en medio del debate sobre la conveniencia de revivir aquella etapa de la pandemia.
La cinta, titulada Héroes de blanco(Baiyi Nixingzhe, literalmente "quienes avanzan en dirección contraria vestidos de blanco", en referencia al personal sanitario que acudió a combatir la pandemia), está protagonizada por el actor hongkonés Andy Lau y la actriz china Yang Zishan, bajo la dirección del cineasta Herman Yau, también de Hong Kong, según informaron medios locales.
La producción recrea los 76 días de confinamiento de Wuhan, entre enero y abril de 2020, a través de las experiencias de personal sanitario, pacientes y residentes que afrontaron las consecuencias de la aparición del nuevo coronavirus.
El tráiler, publicado junto al anuncio del estreno bajo el título "76 días y noches", muestra hospitales desbordados, restricciones a la movilidad, escasez de suministros y familias separadas por las medidas de aislamiento.
La polémica película china sobre el covid
La historia sigue, entre otros personajes, a un matrimonio interpretado por Lau y Yang que se desplaza a Wuhan para colaborar con el personal sanitario durante la emergencia.
El rodaje concluyó en diciembre de 2020, apenas unos meses después del levantamiento del confinamiento, aunque la película no llegará a las salas hasta casi seis años después, sin que hayan trascendido las razones de ese intervalo.
El anuncio ha provocado reacciones diversas en las redes sociales chinas, donde algunos internautas han expresado su rechazo a volver a contemplar las dificultades de aquellos meses, según recogió el diario hongkonés The Standard.
"No puedo verla", escribió uno de los usuarios citados por el periódico, mientras que otros cuestionaron la decisión de estrenar ahora una producción sobre una experiencia que todavía despierta recuerdos dolorosos.
Otros comentarios recogidos por medios chinos, en cambio, destacan el paso del tiempo desde 2020 y la importancia de recordar a quienes vivieron la emergencia sanitaria.
El cine chino sobre la pandemia
El estreno se suma a otras producciones audiovisuales chinas que han abordado la pandemia desde distintas perspectivas, entre ellas An Unfinished Film, del director Lou Ye, que obtuvo en 2024 los premios a mejor película y mejor dirección en los Golden Horse de Taiwán.
Aquella cinta, centrada en un equipo de rodaje atrapado por el confinamiento cerca de Wuhan, fue reconocida en unos galardones en los que la industria cinematográfica china tiene prohibido participar oficialmente desde 2019, aunque cineastas del país siguen presentando sus obras.
Wuhan permaneció confinada durante 76 días a comienzos de 2020, en una de las primeras y más estrictas medidas de aislamiento adoptadas durante la pandemia, que dio paso a una política de 'cero covid' basada en confinamientos, controles fronterizos y pruebas masivas, mantenida por China hasta finales de 2022.
Ninguno de los estrenos del pasado viernes logró tan siquiera hacerle sombra en la taquilla a La bola negra que, por cuarto fin de semana consecutivo, sigue dominando el box office en España y con una recaudación increíble. Según los datos aún no definitivos de Rentrak Spain, se hizo con 2,8 millones de euros, acumula 29,5 y 4,1 millones de espectadores ya han pasado por taquilla.
Solo el survival En el corazón de la bestia protagonizado por Brad Pitt y su fiel amigo perruno aguanta el tipo en el segundo lugar con 503 mil euros más que añadir a una cuenta particular que ya asciende hasta los 5,3 millones en nuestros cines.
En lo referente a las novedades, Street Fighter, pese a debutar en el número uno en Estados Unidos y Canadá con 31 millones de dólares, aquí solo ha podido hacerse con el cuarto puesto ingresando 440 mil euros. La siguió La invitación con 290 mil euros, remake de la producción española Sentimental de Cesc Gay y con un reparto que incluye a nada menos que Oliva Wilde, Seth Rogen, Edward Norton y una Penélope Cruz de la que ya se especula con una posible una nominación al Oscar.
Sexta fue Whalefall, la historia de supervivencia en el interior de... ¡una ballena! La protagonizan Austin Butler y Josh Brolin y recaudó 281 mil en su primer fin de semana. En el séptimo lugar encontramos la reposición de uno de los clásicos de Pixar por su 20 aniversario, Cars, con 268 mil euros. Y, cerrando el top 10 con 175 mil euros, la comedia romántica española La maleta dirigida por Carlos Therón y protagonizada por Lucía Caraballo y Alejandro Speitzer.
Las 10 más taquilleras en España (del 16 al 18 de octubre)
1 - La bola negra. 2.803.834 euros (y en 24 días acumula 29.542.558 euros y 4.176.631 espectadores).
2 - En el corazón de la bestia. 503.559 euros (y en 24 días, 5.376.528 euros y 751.172 espectadores).
3 - La otra madre. 474.478 euros (y en diez días, 1.887.309 euros y 250.066 espectadores).
4 - Street Fighter. 440.330 euros y 55.401 espectadores en tres días.
5 - La invitación. 290.873 euros y 38.502 espectadores en tres días (y sumando los pases previos, 292.640 euros y 38.920 espectadores).
6 - Whalefall. 281.524 euros y 37.017 espectadores en tres días.
7 - Cars (reestreno). 268.117 euros y 38.471 espectadores en tres días.
8 - Resident Evil. 234.565 euros (y en 31 días, 6.608.890 euros y 889.152 espectadores).
9 - Verity: La sombra de un engaño. 197.712 euros (y en 17 días, 1.916.457 euros y 264.925 espectadores).
10- La maleta. 175.365 euros y 23.726 espectadores en tres días.
José Mota debuta en la dirección cinematográfica conArriba tutto, una comedia emotiva que llegará a los cines este jueves y que combina episodios de la historia española con una historia personal marcada por la pérdida, el resentimiento y la búsqueda de la felicidad. El humorista manchego se pone al frente de un proyecto que recorre desde los primeros años del siglo XX hasta el final de la Guerra Civil para mostrar cómo un hombre puede recuperar la ilusión y la capacidad de mirar el mundo con otros ojos.
Tras cuatro décadas de trayectoria, principalmente en televisión, el actor apuesta por una historia que reivindica la comedia como una vía para acercar a personas enfrentadas y combatir el odio. El largometraje cuenta con un reparto encabezado por el propio Mota, Karra Elejalde, Olivia Molina, Diego Anido y el joven Pablo Cabello.
Una historia entre el Toledo de 1905 y la Guerra Civil
La película presenta a Michi, un niño cuya visión de la vida está profundamente marcada por la influencia de su padre, un artista que recorre los pueblos con una compañía teatral ambulante. Ambientada inicialmente en el Toledo de 1905, la historia muestra cómo este hombre transmite a su hijo el amor por la literatura, la poesía y las artes escénicas, además de una forma de entender la existencia en la que la imaginación y el humor ocupan un lugar central.
La muerte del padre supone un punto de inflexión para el protagonista, que acaba convertido en un adulto dominado por la amargura. Sin embargo, una aparición inesperada y el reencuentro con Conchita, su amor de infancia, le ofrecen la posibilidad de recuperar parte de aquella alegría perdida. El relato avanza hasta la Guerra Civil española, un periodo convulso que sirve de telón de fondo para explorar las heridas personales y colectivas.
El humor como una forma de reconciliación
Uno de los principales mensajes de Arriba tutto es la capacidad del humor para reunir a personas que mantienen posiciones enfrentadas. Mota defiende que la comedia puede convertirse en un espacio compartido incluso en contextos de división política y social. Según cuenta EFE, el humorista recuerda como ejemplo la figura del humorista Gila, cuyos monólogos conseguían que públicos muy diferentes se rieran de las mismas situaciones.
El director considera que el trabajo de un cómico no consiste únicamente en provocar carcajadas, sino también en encontrar elementos capaces de acercar a la sociedad. Esa idea atraviesa una película que aborda el pasado sin renunciar a la posibilidad del perdón y la convivencia. La historia pretende mostrar que, incluso después de experiencias traumáticas, es posible reconstruir los vínculos personales y recuperar una mirada más esperanzadora.
Las inspiraciones de José Mota
Para construir el universo de Arriba Tutto, Mota ha recurrido a algunas de las grandes referencias de la historia del cine. En una entrevista con RTVE, el humorista destacó la influencia de obras comoSer o no ser, de Ernst Lubitsch, yLa vida es bella, de Roberto Benigni, por su manera de utilizar la comedia para afrontar situaciones dramáticas. También señaló como inspiración El viaje a ninguna parte, dirigida por Fernando Fernán Gómez, una película que retrata las dificultades de una compañía de cómicos ambulantes.
Estas influencias ayudan a entender la combinación de humor, aventura y drama que propone su primera película como director. Mota plantea la comedia como una forma de enfrentarse al miedo y al odio, pero también como una vía para recuperar la libertad y la capacidad de disfrutar de la vida. La historia del protagonista conecta así con una tradición cinematográfica que utiliza la risa para abordar conflictos personales y sociales.
En cuanto a la edad recomendada del film, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) establece que la película no está recomendada para menores de 12 años. Aunque José Mota defendía en su entrevista en EFE, que "es un poco triste" pero "muy bonita y recomendada para toda la familia".
Jesse Eisenberg (Nueva York, 43 años) pasó de estar nominado a un Oscar por su papel protagonista en La red social (2010) a ganar el premio a peor actor de reparto por su antagónico en Batman v Superman: El amanecer de la justicia (2016). El cineasta reveló que, tras recibir el Raspberry Award (mejor conocido como Razzie), su carrera como actor se vio perjudicada, hasta el punto de que decidió volcarse en la dirección. “En gran medida, todo surgió del miedo”, comentó Eisenberg durante el Festival de Cine de Londres (BFI) el pasado 18 de octubre,según recoge la revista Variety.
La consejería de Cultura de la Junta de Castilla y León, de alianza entre PP y Vox, ha incluido una cláusula en las subvenciones a la creación cinematográfica por la cual no se financiarán “actuaciones que impliquen adoctrinamiento ideológico, propaganda partidista o apoyo expreso a opciones políticas concretas”. El departamento, dirigido por Vox, ha publicado este criterio en las “subvenciones destinadas a financiar la preproducción, producción y distribución de largometrajes, documentales y de ficción, y pilotos de series de animación y de televisión” para el año 2026, si bien no aclara cómo analizará si las obras incluyen esos elementos. De momento, la Consejería no ha respondido a las preguntas de este diario sobre cómo se realizará esa evaluación.
Una imagen de 'Las locas del obelisco', de Pablo Moreno, la película que recibió la mayor cuantía de ayudas públicas por parte de la Junta de Castilla y León el año pasado.
Chris Pratt cayó de pie en Hollywood y, con el tiempo, el viento ha comenzado a arreciar. El actor, hoy rayando los 50 años, sigue en plena forma y solo este año ha estrenado cuatro títulos. Uno de ellos, Petros Eni, está producido en España y rodado por Paula Ortiz.
En cambio, las grietas en la popularidad de Pratt provienen en gran parte por su actitud tras el divorcio con la también actriz Anna Faris. Poco ha dicho o hecho directamente Pratt para avivar el fuego, aunque publicaciones en redes sociales como una tras el parto de su esposa Katherine Schwarzenegger, a la que felicitó por darle una “hija sana” (su hijo con Faris padece varias enfermedades), no ayudaron.
Pese a que con el tiempo Chris Pratt se ha convertido en un héroe de acción habitual en Hollywood, en sus inicios era un actor de perfil diferente. De hecho, algunos de los títulos más aplaudidos de Pratt, como Parks and Recreation o Her, lo incluyen en una faceta muy lejana a la montaña musculosa que es en la actualidad. Y de esto “acusa” (con comillas) a Anna Faris.
Nutriendo a un Chris Pratt diferente
Cuando aún estaban juntos Anna Faris y él, Chris Pratt concedió una entrevista en la que repasaba su cambio de carrera y de físico. Durante varios años, Pratt y six pack eran antónimos, y Pratt señala a Faris como culpable: “Yo era su pequeño Hansel en el bosque y ella me engordaba para echarme al fuego”, bromeó el actor, que recordó que Faris cocinaba mucho y comía poco, y él acababa engullendo lo suyo y lo que dejaba su mujer.
Pratt fue consciente de su ganancia de peso cuando revisaba un episodio de Parks and Recreation. “Pensé: '¡Caramba! Nunca me había visto tan gracioso'. Y relacioné las dos cosas’”, dijo Pratt, que decidió engordar a conciencia para potenciar su vis cómica, y por la vía rápida: “Comía cuatro hamburguesas en cada lectura de guion. Engordé muchísimo y llegué a pesar casi 136 kilos”.
Por supuesto, esto desembocó en un problema de salud a todos los niveles y Pratt, con ayuda, debió ponerle solución. “Estaba débil, impotente, constantemente cansado y emocionalmente devastado”, reconoció Pratt, que insta a quienes atraviesan etapas como la que él sufrió a que mantengan la esperanza porque, “con trabajo duro, disciplina y perseverancia, puedes cambiar más que solo tu apariencia física. Cambia por completo tu perspectiva de la vida”.
La obsesión de Quentin Tarantino por concluir su carrera como director con diez películas perfectas (según su creencia de que superado ese número es fácil que lleguen los trabajos con peor calidad) tiene considerablemente frustrados a sus seguidores.
Y quizá él también lo esté un poco, a tenor de movimientos como la decisión de cancelar The Movie Critic cuando estaba a punto de rodar (el guion no era lo bastante bueno, se nos dijo) o su ausencia enLas nuevas desventuras de Cliff Booth, secuela deÉrase una vez en Hollywood.
Este último film está dirigido por David Fincher y protagonizado por Brad Pitt con guion de Tarantino, y distribuido por Netflix se estrena en cines seleccionados este 25 de noviembre.
Ha sido un proyecto accidentado (su posproducción, sin ir más lejos, ha provocado que Fincher rescinda su contrato con Netflix) así que Tarantino ha hecho bien en mantener la distancia, pero el caso es que sigue sin confirmar cuál será esa película final y ahora está ocupado de hecho con… ¿una obra de teatro?
La obra de teatro de Tarantino
En efecto, The Popinjay Cavalier, una comedia de capa y espada, se estrena el próximo marzo en el West End londinense. Sacha Baron Cohen es su protagonista, y Tarantino ha revelado en El show de Graham Norton que la idea original con su historia era que diera para un film.
Pero descubrió que “funcionaba muy bien como obra de teatro”, así que ha querido debutar en este medio. Durante la entrevista, eso sí, reveló que había escrito un guion que le satisfaciera rodar tras Érase una vez en Hollywood y la decepcionante experiencia de The Movie Critic. Es decir, que ya tiene guion para la esperadísima décima película.
“He escrito un guion que me gusta mucho pero quiero hacer la obra de teatro y ver quién soy; después volveré, pasaré tiempo con mi familia, viviré un poco y entonces veré qué quiero hacer”.
Aunque ya esté escrito, Tarantino no quiere rodarlo de inmediato: prefiere “vivir un poco” ahora que espera el tercer hijo con su pareja Daniella Pick, así que habrá que seguir esperando. A principios de los 2000 transcurrieron seis años entreJackie Browny la siguiente película de Tarantino, Kill Bill. Todo apunta a que la espera entre Érase una vez en Hollywood y lo siguiente será mucho mayor.
En su debut en el largometraje, la directora Marion Le Coroller ha logrado que Sanguine haya gustado mucho al público del Festival de Sitges y también convencido al jurado de la Sección Oficial otorgándole el premio a la mejor película. De esta manera se suma al panteón de cineastas francesas como Coralie Fargeat (La sustancia) y Julia Ducournau (Crudo y Titane) que están arrasando en el género, especialidad body horror.
En todo el palmarés, las más premiadas con dos galardones cada una fueron la indonesia Ghost in the Cellde Joko Anwar (dirección y mejor película del jurado joven) y la italiana The Spiral (mejor actriz y Méliès de Plata a la mejor película de género fantástico).
Pero en el vasto catálogo de películas proyectadas en el certamen catalán, el mayor del mundo dedicado al cine de terror y fantasía, han destacado además otros títulos muy aplaudidos. Habría unos cuantos, aunque aquí, para demostrar que no somos supersticiosos, destacamos 13 de las más comentadas y mejor valoradas.
'5 minutos más'
Dirigida por Javier Ruiz Caldera
Proyectada en Sitges Collection, fuera de la competición oficial, es una de las grandes triunfadoras de esta edición de Sitges pese a no haberse llevado ninguna distinción, confirmando la excelente acogida en San Sebastián (mejor actor de reparto para Javier Cámara) y el Fantastic Fest (premio del público y mención especial). Berto Romero, Belén Cuesta y el mismo Cámara se montan en un bucle temporal con más mala leche de lo esperado. Estreno en cines: 22 de enero 2027 distribuida por Filmax.
'Adolescencia, sexo y muerte en el campamento Miasma'
Dirigida por Jane Schoenbrun
Hipnótica y adorada por unos, sin convencer del todo a otros, el ejercicio de meta-cine, romance lésbico y pasión cinéfila por el slasher, encuentra identidad propia en su peculiar mezcla de Viernes 13, su gran referente, Mulholland Drive de David Lynch (con la que comparte un cameo del actor Patrick Fischler) y el body horror de David Cronenberg. Y, fuera de los referentes que habría utilizado su directora, Retrato de una mujer en llamas o el filme de culto Arrebato de Iván Zulueta. Estreno en cines: 20 de noviembre distribuida por Mubi.
'Drag'
Dirigida por Ricky Ullman y Greg Yagolnitzer
Con el homenajeado Danny DeVito como uno de los productores y su hija Lucy en uno de los papeles protagonistas, junto a Lizzy Kaplan y con John Stamos en el principal rol masculino, este thriller sobre dos hermanas ladronas primerizas se transforma en una pesadilla plagada de humor negro y crueldad que la ha erigido en una de las grandes sorpresas, y descubrimientos, de Sitges incluso obteniendo una Mención especial del Jurado de la sección oficial. Estreno en cines: en fecha por concretar distribuida por A Contracorriente Films.
'Ghost in the Cell'
Dirigida por Joko Anwar
Reinventando a su manera el thriller sobrenatural con una fantasma aterrorizando a presidiarios, el director indonesio nos propone una maldición en la que las víctimas acaban convertidas en sangrientas obras de arte grotescamente expuestas. Pero, lo más desconcertante, es que sale airoso de una película que se acerca más a la comedia que al terror, incluso recurriendo a números musicales, y un mensaje más bien buenrollero sobre la necesidad de mantener un buen karma. Y con ello se alzó con el premio a la mejor dirección. Estreno en cines: en fecha por concretar distribuida por La Aventura.
'Hope'
Dirigida por Na Hong-jin
Na Hong-jin (El extraño) confirma que es uno de los grandes narradores del cine actual. Casi nadie sería capaz de aguantar con tan buen pulso más de dos horas y media de pura acción y entretenimiento sin freno. aquí aprovechando como excusa el fatídico encuentro con alienígenas en un pueblo pesquero. Está además el matrimonio Alicia Vikander y Michael Fassbender interpretando unos roles muy peculiares, y si alguien piensa que un metraje tan largo ya no daría para más, en su tramo final hay un giro inesperado y Na Hong-jin ya ha dicho que su plan sería llegar a rodar una o dos secuelas. Estreno en cines: 30 de octubre distribuida por Mubi.
'Leviticus'
Dirigida por Adrian Chiarella
Un ente maligno tomando la forma de la persona a la que más amas. Esta es la maldición que les espera a dos chicos en la represión de una cerrada comunidad que considera la homosexualidad como una enfermedad o estigma. El debut del australiano Adrian Chiarella, y que inevitablemente puede recordar a la referencial It Follows, plasma una historia y puesta en escena tan sencilla como efectiva. Obtuvo el premio Citizen Kane de la crítica a la mejor dirección revelación. Estreno en cines: 30 de octubre distribuida por Youplanet.
'Los demonios' (The Devils)
Dirigida por Ken Russell
Delirante, grotesca, blasfema, provocadora y genial. Entre los clásicos proyectados en esta edición de Sitges sobradamente conocidos, la del filme de Ken Russell de hace 55 años protagonizado por unos atrevidos Vanessa Redgrave y Oliver Reed ha causado sensación.
Inspirada en el caso real de las posesiones demoniacas de Loudun en el siglo XVII en Francia, su historial de cortes por la censura (como la secuencia de “La orgía de Cristo”) y prohibiciones ha sido redimida por una versión restaurada en 4K e íntegra que la ha permitido ser (re)descubierta tanto por cinéfilos como por una nueva generación de espectadores. Estreno de la nueva versión en cines en V.O.S.E.: viernes 16 de octubre distribuida por Warner Bros.
'River'
Dirigida por Joshua Giuliano
Una puesta en escena con ideas y buenas interpretaciones, las de Jane Levy (pronto también en Whalefall) y Jessica Rothe (Feliz día de tu muerte), capaces de satisfacer a los más sibaritas del slasher. Giuliano sabe insuflar nueva vida (y brutalidad) a un subgénero facturando un survival slasher de maneras y formas tan clásicas como intensas. Premio en Sitges para la música compuesta por el dúo Mondo Boys (The Jinx). Estreno en cines: en fecha por concretar con distribución de Inopia Films.
'Sanguine'
Dirigida por Marion Le Coroller
El estrés a causa del trabajo junto a al precariedad laboral se materializa en un terrible virus que afecta a los jóvenes. Es el high concept que haría las delicias del mismísimo Cronenberg en esta propuesta de horror corporal sin remilgos. Marion Le Coroller también ha sufrido en sus propias carnes el síndrome de burnout y no se anda con rodeos a la hora de enmarcar la epidemia como resultado de un implacable sistema capitalista. Ha sido la elegida por el jurado como mejor película de la sección oficial. Estreno en cines: 27 de noviembre distribuida por Adso Films.
'The Spiral'
Dirigida por Paolo Strippoli
La representante de Italia a los Oscar 2027 es un oscuro thriller familiar. ¿Hasta dónde puede llegar el amor de una madre para proteger a su descendencia? Estructurada en cuatro capítulos, y sin renunciar a sus momentos también divertidos, nos conduce hasta una tensa espiral de secretos y pactos fáusticos. Especialmente brillantes están Valeria Bruni Tedeschi y una Jasmine Trinca premiada como mejor actriz. El filme de Paolo Strippoli (de la muy reivindicable La sonrisa del mal) también se hizo con el Méliès de Plata a la mejor película de género fantástico. Estreno en cines: en fecha por concretar distribuida por La Aventura.
'Wicker'
Dirigida por Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson
Una vuelta de tuerca al clásico cuento de La bella y la bestia con el romance entre una madura pescadora solterona (Olivia Colman) y un hombre hecho de mimbre (Alexander Skarsgård). Todo un macho, además de delicado, galán y manitas con las reparaciones del hogar, que despertará la envidia entre los hombres y la lujuria entre las mujeres de un pequeño y pintoresco pueblo de una época indeterminada. La sátira que desprende esta fábula para adultos dirigida no es precisamente sutil, pero resulta tan eficaz como encantadora. Fue la película que tuvo el honor de clausurar el certamen. Estreno en cines: 30 de octubre distribuida por Vertice Cine.
'Wildwood: El bosque salvaje'
Dirigida por Travis Knight
Los ya míticos estudios Laika, responsables de títulos como Los mundos de Coraline, El alucinante mundo de Norman o Kubo y las dos cuerdas mágicas, no solo han creado una virguería tanto técnica como artística, una obra maestra de la animación en stop-motion, también se han metido en el bolsillo al público de Sitges con una historia llena de fantasía, épica y corazón. Entre tantas películas de sangre, vísceras, mutaciones corporales y descuartizamientos, es la que se ha llevado el premio del público. Estreno en cines: 23 de octubre distribuida por Beta Fiction.
'Zona cero (Colony)'
Dirigida por Yeon Sang-ho
Tras la aclamada Train to Busan, su director regresa a la temática zombi con una intensa película en la que la principal novedad es que los infectados, fruto de un ataque bioterrorista, funcionan como una inteligencia colectiva, una mente colmena parecida a la de las hormigas y que amenaza con expandirse más allá del edificio donde han sido de momento confinados. La tensión y el buen pulso narrativo se expande también a la odisea del reducido grupo de supervivientes encerrados que intenta escapar de la epidemia. Se hizo con el premio a los efectos especiales. Estreno en streaming: disponible desde el 14 de octubre en Movistar Plus+ en alquiler.
Los zombis siempre salen de sus tumbas por estas fechas: deben estar listos para Halloween. Prime Video estrenó en 2024 Apocalipsis Z: El principio del fin, subtítulo que prometía una secuela. Y ha llegado por fin: este 30 de octubre, llega al catálogo de Prime Video en España la película Apocalipsis Z: Nuevo Mundo.
Dirigida por Carles Torrens y guionizada por Ángel Aguado, que se encargaron de Apocalipsis Z: El principio del fin, esta película de 95 minutos (algo menos que su predecesora) emprende una renovación parcial del elenco. Si la anterior tenía al frente a Francisco Ortiz y Berta Vázquez, el primero desaparece en Nuevo Mundo y la segunda da un paso atrás. Su lugar es ocupado por el mexicano José María Yazpik (secundario en El principio del fin) y por Carlos Alcaide, que se estrena en Apocalipsis Z. También lo hace Mónica López o Julia Martínez.
Apocalipsis Z se basa en la saga de novelas de Manel Louirero. No obstante, Nuevo Mundo supone una ruptura con la colección literaria, ya que si bien El principio del fin, desde el título, era fiel a la primera entrega; Nuevo mundo propone un camino propio. No hay un Nuevo Mundo en la saga de Louirero (seguida por Los días oscuros y finiquitada con La ira de los justos), lo que pone de manifiesto la libertad de esta película y que, quizá, sea la última. O que la franquicia no tenga que acabarse en su siguiente secuela.
¿De qué trata 'Apocalipsis Z: Nuevo Mundo'?
Si el mundo está sumido en un apocalipsis zombie, ¿por qué no irse a las Canarias? Se encuentran lo suficientemente lejos del continente como para que los monstruitos tarden en llegar. Y si llegan, morirse en las Canarias está mejor que en varios puntos de la península. Ese parece ser el punto de partida de Nuevo Mundo, ya que las islas se han transformado en un edén antizombis tras el nefasto brote del virus TSJ.
Roberto (Carlos Alcaide) capitanea una expedición hacia la España peninsular con el propósito de pertrecharse de recursos. Esto devuelve a Roberto y a los suyos a la truculenta realidad en la que viven los demás españoles. Su objetivo militar se ve sustituido por otro cuando el miedo a morir entra en avalancha: ¿merece la pena mirar por los demás cuando hay varios cadáveres llamando a tu puerta?
La Fiesta del Cine vuelve del 19 al 22 de octubre con una nueva edición que permitirá disfrutar de las películas en cartelera por solo 3,5 euros la entrada. Una oportunidad para ponerse al día con los estrenos de la temporada y descubrir en pantalla grande algunas de las propuestas más interesantes del momento.
La iniciativa, que cumple ya 17 años, llega después de que la edición de abril registrara sus mejores cifras de asistencia desde 2019, con un aumento del 4,3% de espectadores respecto a la convocatoria de junio de 2025. En esta ocasión, 321 cines de toda España se han sumado a la promoción.
Como suele ocurrir con la Fiesta del Cine, la cartelera ofrece opciones para todos los gustos, desde grandes producciones de Hollywood hasta thrillers, películas de terror, comedias y propuestas del cine español. Para ayudarte a elegir, repasamos algunas de las películas que merece la pena ver en estos cuatro días de entradas a precio reducido.
La Fiesta del Cine coincidirá con la llegada a las salas, el 16 de octubre, de títulos comoLa invitación, con Penélope Cruz y Edward Norton; Street Fighter, la nueva adaptación del videojuego de Capcom; La maleta, con Lucía Caraballo y Alejandro Speitzer, y Whalefall, con Austin Abrams. Además, seguirán en cartel películas como Digger, con Tom Cruise; El precio de la red, secuela de La red social; Verity. La sombra de un engaño, con Anne Hathaway, y La otra madre, protagonizada por Jessica Chastain.
'La bola negra'
Entre La llamada(2017) y La bola negra,Javier Calvo y Javier Ambrossi han firmado tres series de autoría inquebrantable (Paquita Salas, Veneno, La Mesías) donde la abundancia de ideas narrativas siempre se resuelve de manera viviente y ligera. Justo lo que más se echa en falta en su segundo largo, desbordado por una ambición que no encuentra vías de salida para respirar. Lee la crítica completa aquí.
'Digger'
Se levanta el telón y aparece Tom Cruise caracterizado como un hombre de su edad. Es la primera señal del absurdo metaficcional sobre el que se asienta el séptimo largometraje de Iñárritu. Que un actor de 64 años que aparenta 35 tenga que cubrirse con protésicos y peluca despeluchada para encarnar a un hombre con sus mismos años. De todas las metáforas con las que Digger intenta retratar el mundo desquiciado en el que vivimos quizás esta, la más involuntaria, sea la más redonda y la más clara. Lee la crítica completa aquí.
'El precio de la red'
La secuela de La red social, esta vez con su guionista, el aclamado Aaron Sorkin, como director. Una película activista que denuncia el papel que ha jugado conscientemente Facebook, ahora Meta, en la polarización y radicalización de la sociedad y en el deterioro de la salud mental de los jóvenes con el único fin de ganar dinero. Te gustará si te gustan El dilema, de Michael Mann, o Todos los hombres del presidente. Lee la crítica aquí.
'La vida de una mujer'
Una película deliciosa que viene a responder a esa gran pregunta: ¿por qué no se hacen más películas sobre mujeres en la madurez si el público mayoritario del cine es eminentemente femenino y de esa franja de edad? La estupenda Lea Druker interpreta a una cirujana cuadriculada a la que un affaire con una mujer pone la vida patas arriba. Lee la crítica aquí.
'La invitación'
Si buscas una comedia divertida, chispeante y bien escrita, La invitación es lo que necesitas. Remake deSentimental, de Cesc Gay, dirigido por Olivia Wilde, es la historia de un matrimonio en crisis que invita a cenar a sus vecinos de arriba, que les proponen hacer un intercambio de parejas. Protagonizada por la propia Wilde, un entrañable Seth Rogen, Edward Norton y una explosiva Penelope Cruz. Lee la crítica aquí.
'Ceniza en la boca'
Quizás conozcas a Diego Luna por Andor o Rogue One, pero su faceta como director merece la misma atención. Su última película, Ceniza en la boca, es cine social del que te cambia la mirada. En este caso, sobre la inmigración latina en España y sobre las grietas que los procesos migratorios abren en las familias. Lee la crítica aquí.
'Coyote Vs. Acme'
Una propuesta para ir con toda la familia pero que entusiasmará por igual a los pequeños y a los mayores de la casa. El director de la última película de las Tortugas Ninja dirige esta genial reaparición del Coyote y el Correcaminos en la que el primero demanda a Acme harto de que le fallen una y otra vez sus productos en su persecución del segundo. Leer la crítica aquí.
'Whalefall'
En el transcurso del último tercio del año Austin Abrams ha pasado a convertirse el nuevo saco de boxeo favorito de Hollywood. Tras su paso por los 95 minutos más vertiginosos del cine de terror reciente en Resident Evil(2026) viene ahora a por más maltrato de la cámara en Whalefall, adaptación de una novela de Daniel Kraus que tiene como concepto principal una idea muy simple: un hombre escapando del interior de una ballena.Lee la crítica completa aquí.
'Street Fighter'
Street Fighterdestaca por una voluntad de estilopresente tanto en el trabajo de su reparto (el trabajo de David Dastmalchian como malo malísimo no nos hace olvidar a Raúl Juliá en la versión de 1994,pero da para nota) como en sus estupendos flashbacks animados, así como en una puesta en escena y una dirección de fotografía que se vienen muy arriba, hasta el punto de dificultar a veces nuestra apreciación del festín de guantazos. Lee la crítica completa aquí.
'Su propio infierno'
Es posible encontrar trazas de cada una de esas experiencias en Su propio infierno, un regreso al cine llamado a exasperar incluso a los seguidores más devotos del danés. De entrada, pocos más aceptarán asomarse a estemagma visual casi antinarrativo, desplegado sobre las siluetas espigadas de Sophie Thatcher, Havana Rose Liu y Kristine Froseth y la musculatura torácica de Charles Melton.Lee la crítica completa aquí.
'Resident Evil'
Si a la incomprendida Return to Silent Hillle cayeron palos por tomarse libertades con el videojuego en el que se inspira, a esta nueva adaptación de Resident Eville espera una penitencia acorde a la inventiva que despliega. Poco importa la fidelidad si Zach Cregger es capaz de sacar los colores a las ocho intentonas previas, cada una más garrafal que la anterior, con la ligera excepción de Bienvenidos a Raccoon City, cuya escena de apertura, por cierto, era exactamente igual a la de esta. Lee la crítica completa aquí.
Es probable que a lo largo de las últimas semanas, en su feed de Instagram, se haya topado con diferentes reels de la película Una joven prometedora, un largometraje en el que Carey Mulligan da vida a una mujer que se venga de los aliados y las aliadas de la cultura de la violación, a sabiendas de que ese afán vengativo truncará su prometedora existencia. El motivo por el que la película de Emerald Fennell regresa al zeitgeist seis años después de su estreno es que guarda llamativas similitudes con el caso de Cornell, en el que una exestudiante de la prestigiosa Universidad de Cornell denunció haber sido víctima de una violación grupal y agresión por parte de siete miembros de la fraternidad Chi Phi.
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